Mondo Pop

O pop de ontem, hoje, e amanhã...

Category: as tais memórias (page 2 of 4)

Esse Keith Richards que me faz tão “Happy”

Por Fabian Chacur

Em 1972, pedi de presente de aniversário ao meu padrinho um compacto simples dos Rolling Stones que trazia como destaque uma faixa que estava na época tocando nas rádios brasileiras abertas ao rock and roll, tipo Excelsior e Difusora. E ganhei. A tal música era Happy, um dos destaques do seminal álbum Exile On Main St. (saiba mais sobre esse álbum maravilhoso aqui), e pode-se dizer que teve início ali minha relação com os Rolling Stones.

Demorou um pouco para eu saber que o cantor naquela faixa não era Mick Jagger, e sim o guitarrista da banda, Keith Richards. Esse mesmo, que nesta ensolarada quarta-feira (18) completa 70 anos de idade. Uma efeméride no mínimo curiosa, pois durante muito tempo, o músico e coautor dos grandes clássicos dos Stones com Mick Jagger liderou as listas sobre quem seria o novo astro do rock a morrer ainda jovem, seguindo Janis Joplin, Jim Morrison e o ex-colega de banda Brian Jones.

Aliás, chega a ser curioso pensar que, se fosse perguntado a alguém naquele mesmo 1972 sobre quem morreria primeiro, Keith ou outro guitarrista lendário também nascido em 1943, George Harrison, todos apostariam no primeiro. Pois o saudável ex-beatle nos deixou há 12 anos, enquanto “Keef” completa sete décadas sem dar mostras de que sairá de cena tão cedo. Um típico sobrevivente do rock.

Keith Richards é um dos maiores ícones do rock and roll em todos os aspectos, desde o visual de pirata, os instrumentos sempre marcantes, a atitude cool (contraponto irreverente ao mais midiático Jagger) e um estilo musical que conseguiu extrair elementos do blues e do rhythm and blues original para criar alguns dos mais fantásticos riffs de guitarra de todos os tempos.

Tive a honra de ver os Rolling Stones ao vivo no Brasil em sua primeira passagem por aqui, como atração máxima do Hollywood Rock em janeiro de 1995. Três dias de chuva, mas compensados por performances simplesmente endiabradas das Pedras Rolantes, com direito a ouvir Keith interpretando ali na minha frente com muita garra a minha amada Happy.

Sem se caracterizar como um solista dos mais refinados, Richards sempre nos proporcionou riffs poderosos como os de Jumpin’ Jack Flash, (I Can’t Get No) Satisfaction, Start Me Up e tantos outros copiados e reciclados por legiões de guitar players nos quatro cantos do Planeta. E sua voz rouca sempre foi benvinda entre uma penca e outra de interpretações certeiras de Mick Jagger, um dos cantores mais carismáticos da história da música.

Fora da banda, lançou ao menos um disco solo antológico, Talk Is Cheap, que completou 25 anos de seu lançamento em 2013 e inclui maravilhas como Take It So Hard. Outro marco foi ter produzido e sido o band leader no show que homenageou seu grande ídolo, Chuck Berry, nos anos 80, espetáculo que gerou um dos filmes mais legais de rock and roll, o documentário Hail! Hail! Rock N’Roll (1987).

Ainda bastante ativo, Keith Richards viveu um pirata na franquia Piratas do Caribe ao lado de Johnny Depp, e atualmente sua a camisa nos shows comemorativos dos 50 anos de carreira dos Rolling Stones. Só nos resta desejar ao Homem Caveira muita saúde, muitos anos de vida e ainda muitos riffs certeiros para que nós, fãs, possamos nos deleitar com eles. Valeu, fera, por make me happy all these years!!!

Ouça Happy, com os Rolling Stones:

Ouça Take It So Hard, com Keith Richards:

Joni Mitchell, a autora das canções atemporais

Por Fabian Chacur

Nesta quinta-feira (7/11), uma certa Joni Mitchell atinge a marca de 70 primaveras completadas. E quem é ela para ser tão reverenciada, tão relembrada, tão citada, sempre por gente com estatura suficiente para ter suas opiniões respeitadas? Quem é essa loira de feições duras, embora com um quê de doçura, mas que certamente intimida muitas pessoas? Eis algumas pistas.

Não sei se gostaria de conhece-la pessoalmente. Às vezes, é melhor manter distância dos ídolos. E quem já leu sobre essa cantora, compositora e musicista canadense sabe que a mulher tem um temperamento bastante peculiar. Ou pelo menos aparenta isso. Mas o que de fato importa é que Miss Mitchell merece todos os elogios que pudermos fazer a ela na área da música popular. E vamos a alguns deles.

Joni Mitchell é uma das pioneiras nessa história de mulher merecer o respeito no meio do rock, folk e música pop e trincar o até então eterno Clube do Bolinha. Ao lado de Laura Nyro e Carole King, forma a santíssima trindade do pioneirismo e da força feminina nos anos 60/70. Lógico que temos Janis Joplin, Grace Slick e outras, mas aqui nessa trinca temos um caso de autossuficiência total e de influência total sobre quem veio depois.

No caso específico da nossa agora setentona, a moça começou na cena folk, proporcionando a nós canções incríveis como Both Sides Now, The Circle Game e Woodstock. Nos anos 70, foi aos poucos ampliando seus horizontes e incorporando doses de rock, jazz e experimentalismo na sua receita, sem nunca deixar de lado o bom gosto, a ousadia e a paixão pelas canções.

Em 1974, lançou um álbum simplesmente espetacular, Court And Spark, que inclui diamantes do mais alto quilate como Help Me (a música que me fez virar fã dela), Free Man In Paris e tantas outras. Aqui, o jazz, os ritmos quebrados e os arranjos elaborados já haviam tomado a ponta da coisa, mas sem deixar a sensibilidade pop ser engolida.

A partir daí, a vida da moça só nos proporcionou coisas boas. Aliás, como já vinha proporcionando desde aquele impressionante começo nos anos 60, com direito a disco de estreia produzido pelo seletivo David Crosby, namoro e parceria com Graham Nash etc. Sempre com uma voz de timbre lírico e agridoce e um violão simplesmente cativante para acompanhar suas canções. Gravou até com Charles Mingus, um dos grandes mestres do jazz.

Nos anos 80, alguns fãs de mente menos aberta torceram o nariz para seu mergulho na sonoridade eletrônica de então, que gerou o espetacular Dog Eat Dog (1985), que inclui uma das faixas mais belas de todo o seu brilhante repertório, Impossible Dreamer. E nos anos 90, a obra da moça teve o retorno às paradas de sucesso e aos Grammys da vida que merecia com o estupendo Turbulent Indigo (1994).

E tem também as letras, sempre profundas e investindo em temas relevantes e universais como as inúmeras curvas e retas dos relacionamentos afetivos, o medo do futuro, a insegurança quanto aos caminhos que seguimos, as paixões, os maravilhosos gatos… Acho que eu tremeria feito vara verde na frente dessa mulher, pelo tamanho de sua obra e a emoção que algumas de suas canções me proporcionam.

Curta cinco canções inesquecíveis desse maravilhoso acervo que é a obra de Joni Mitchell. Que ela possa viver com saúde por muitos e muitos anos mais. Uma coisa, no entanto é fato: estamos por aí, vivendo e dando voltas e voltas nesse “circle game”.

Impossible Dreamer – Joni Mitchell

Help Me- Joni Mitchell

Big Yellow Taxi- Joni Mitchell

Both Sides Now – Joni Mitchell

The Circle Game – Joni Mitchell

Minhas memórias do genial Lou Reed

Por Fabian Chacur

Neste domingo (28), nosso amado rock and roll perdeu um de seus nomes mais emblemáticos, talentosos e influentes. Lou Reed nos deixou graças a problemas decorrentes do transplante de fígado que sofreu em abril deste ano. Ou algo do gênero, não saberemos precisar neste momento. Mas a verdade é que Laurie Anderson e todos nós estamos viúvos, órfãos, deixados para trás. Mas nem tanto.

Afinal de contas, o ser humano Lou Reed não se encontra mais nesse alucinado planeta do sistema solar. Sua obra, no entanto, jamais sairá de cena. E já que todo mundo já escreveu tudo sobre a carreira dele, resolvi registrar, de forma aleatória e sem querer fazer uma retrospectiva ou algo do gênero, algumas coisas de sua produção que me impressionaram bastante.

De temperamento difícil e nenhuma disposição em ceder às pressões da indústria musical, Mr. Reed nos surpreendeu em diversas ocasiões de sua carreira. Duas delas são bem marcantes. O álbum que gravou em parceria com o Metallica, o controverso Lulu (2011), é recente a ponto de todos se lembrarem. A outra parceria é bem mais surpreendente, e praticamente esquecida de todos: uma dobradinha com o Kiss de Gene Simmons e Paul Stanley.

O álbum Music From The Elder (1981), o mais polêmico da carreira do quarteto mascarado americano, traz três faixas que inclui Lou Reed como letrista: Dark Light, Mr. Blackwell e A World Without Heroes, sendo que esta última foi a que conseguiu melhor repercussão em termos de divulgação. Mesmo assim, foi provavelmente o trabalho do Kiss que menos vendeu.

Artistas de todos os tipos regravaram canções de Lou Reed. Duas das gravações mais curiosas ocorreram em 1995, quando o Duran Duran resolveu ler à sua moda a ótima Perfect Day em seu álbum de covers Thank You, e em 1994, com Marisa Monte interpretando de forma suave e inspirada a bela Pale Blue Eyes em seu melhor trabalho, Verde Anil Amarelo Cor de Rosa e Carvão. Ah, e tem a inominável Vi Shows (Vicious), raro tropeço de Arnaldo Brandão.

Em 1983, Lou Reed deu provas de seu sarcástico bom humor ao participar do divertido e descompromissado filme Get Crazy! Na Zorra do Rock. Na atração, ele vive o papel de um excêntrico roqueiro que está há anos fora de cena e que é convidado por um velho amigo promotor de shows a participar de um evento de ano novo para salvar uma badalada casa noturna. Ele aceita o desafio, no fim das contas.

No entanto, como não tinha nenhuma música nova pronta para tocar no tal show, ele passa o filme inteiro andando de taxi e finalizando a canção. Nem é preciso dizer que, quando chega no teatro, o espetáculo já havia acabado, só restando por lá uma jovem e fiel fã que queria vê-lo a qualquer custo. Aí, quando os créditos do filme surgem, ele canta a bela balada rock Little Sister, perante essa única admiradora. Delicioso!

Em 1996, tive a oportunidade de ver seu show em São Paulo, no finado Palace, parte de sua primeira passagem por nosso pais. Naquela turnê, ele divulgava o ótimo e hoje bem esquecido CD Set The Twilight Reeling, que inclui belos rocks como NYC Man e Hooky Wooky. Alguns clássicos ficaram bem diferentes das versões originais, mas como diria a amiga Claudia Bia, “ele sempre foi assim”. E sempre foi mesmo!

Gosto muito da obra do Velvet Underground, banda que vendeu poucos discos mas influenciou bandas que posteriormente venderam muito mais do que eles. Curiosamente, meu trabalho favorito da banda capitaneada em sua fase áurea por Lou Reed e John Cale é o póstumo VU (1985), que nem parece um álbum com sobras de outros álbuns, tal a sua qualidade. Excepcional, com pérolas como I Can’t Stand It (depois regravada em sua carreira solo), Lisa Says e Foggy Notion.

A obra de Lou Reed é repleta de momentos sublimes, e quem não a conhece certamente perde bastante em seu conhecimento musical. Letras ácidas e irônicas, melodias básicas, riffs de guitarra envolventes, momentos folk de rara beleza, ousadia em álbuns quase absurdos como Metal Machine Music (1975) e nenhum compromisso com a mesmice e o mediano. A Wild Side nunca mais será a mesma sem ele.

Can’t Stand It, com Lou Reed (versão da carreira solo):

Little Sister, com Lou Reed:

Veja o filme Get Crazy! Na Zorra do Rock:

Cuide-se bem, sessentão Guilherme Arantes!

Por Fabian Chacur

A música de Guilherme Arantes me acompanha desde meus 15 anos, quando Meu Mundo e Nada Mais estourou em todo o país, em 1976. Meu primeiro contato pessoal com esse cara ocorreu em dezembro de 1980, quando ele fez um inesquecível show gratuito na estação São Bento do metrô paulistano, no melhor estilo teclado e voz. Ali, tive meu primeira experiência com sua generosidade e gentileza.

Aquela apresentação foi realizada poucos dias após a lamentável morte de John Lennon. Em determinado momento, alguns fãs pediram a ele que cantasse uma música do ex-Beatle. De forma improvisada e se valendo da revista de cifras de um deles, o músico nos proporcionou uma bela versão de Imagine, que emocionou todos os presentes. Pura gentileza.

Em 1987, tive a oportunidade de entrevista-lo pela primeira do que seria uma longa sequência de vezes. Sempre um bom papo, não demorou para que nos tornássemos amigos, com direito a almoços, papos animados e francos. Em 1992, quando ele lançou Crescente, para mim um de seus melhores trabalhos, pedi para que ele o autografasse para mim, e não esquecerei sua felicidade por eu ter gostado tanto daquele álbum. Coisa de gente humilde.

Nesses mais de 25 anos de carreira como jornalista, já tive a oportunidade de manter contato com centenas, provavelmente milhares de artistas, e Guilherme continua no topo dessa turma. E é ótimo quando o artista e o ser humano possuem grandes qualidades de forma simultânea. Ou quando o ser humano não nos decepciona, o que infelizmente ocorre no caso de alguns grandes artistas que prefiro não citar por uma questão de…gentileza.

Guilherme Arantes é o que suas músicas nos indicam. Doce, simpático, verborrágico (no melhor sentido da palavra), bem-humorado, idealista, romântico, inconformista, sonhador e um artista extremamente talentoso. Bom de letras, bom de melodias, bom de vocais, bom de arranjos, bom como músico, bom de palco… É qualidade pra mais de metro. E não sou suspeito por ter virado amigo. Sou culpado, mesmo!

Além disso, ele sempre teve como marca aquela gentileza ressaltada há alguns parágrafos, participando de trabalhos de outros artistas e sendo gravado por nomes do alto gabarito de Elis Regina,Caetano Veloso, Maria Bethânia, MPB-4, Leila Pinheiro, Roberto Carlos e tantos outros das mais diversas gerações. Aliás, a garotada o está redescobrindo neste exato momento.

Pois ele completou 60 anos neste domingão (28). O que poderia desejar a ele, além de muita saúde, paz, alegria e pessoas legais para curtirem os bons momentos ao seu lado? Que ele leve a sério a letra de Cuide-se Bem, de todas as maravilhas compostas por ele a que mais me toca, me emociona e me faz refletir. Que venham os 70, 80… Grande abraço, e que em um futuro não muito distante eu possa realizar meu sonho de escrever um livro sobre sua vida e obra!

Ouça Cuide-se Bem, com Guilherme Arantes:

George Harrison aos 70: doce, filosófico, genial

Por Fabian Chacur

No dia 24 de fevereiro de 1943, nasceu em Liverpool, Inglaterra, um dos mais importantes nomes da história do rock e da música em geral. Se estivesse vivo, George Harrison teria completado 70 anos. Infelizmente, ele nos deixou em 2001, com apenas 58 primaveras. Quanta coisa boa ele ainda teria nos proporcionado!

Mas não vale a pena lamentar. Afinal de contas, o cantor, compositor e guitarrista britânico nos deixou um legado que irá durar muito mais do que o mais forte corpo humano suportaria. Sua herança musical traz belas canções, letras profundas, acordes caprichados, solos de guitarra elaborados, voz doce…

Se sua participação na maior banda de todos os tempos, os Beatles, já bastaria para lhe garantir a eternidade, a belíssima carreira solo que construiu depois do fim dos Fab Four também teria lhe valido essa difícil vitória, tamanha a qualidade do que compôs e gravou sem John Lennon, Paul McCartney e Ringo Starr. Genial só ou bem acompanhado.

Como homenagem às sete décadas decorridas desde seu nascimento, selecionei sete canções de sua carreira solo, fugindo das mais óbvias e apostando em profundidade, memória afetiva, pura beleza e intensidade. Ouçam cada uma delas e reflitam se dá para dizer que George Harrison está morto. Que nada! Sua música é imortal!

Don’t Let Me Wait Too Long -(Living In The Material World -1973)

A capacidade de George em criar melodias pop envolventes era incrível, e esta canção é uma boa prova disso. Ritmo delicioso, melodia marcante e uma letra de simplicidade elaborada que me conquistaram ainda moleque, com 12 aninhos.

Any Road (Brainwashed -2002)

O álbum lançado de forma póstuma em 2002 (excelente, por sinal) traz essa canção fantástica, com letra incrível e uma das frases mais profundas que já ouvi na vida: “se você não sabe para onde vai, qualquer estrada pode te levar até lá.

That’s The Way It Goes (Gone Troppo-1982):

Mesmo em trabalhos não tão inspirados como Gone Troppo George sempre nos reservava ao menos umas duas canções realmente estelares. Essa balada aqui, com direito a sua inigualável slide guitar, é bom exemplo desse dom do “beatle quieto”.

Crackerbox Palace (Thirty Three & 1/3 – 1976):

No álbum mais funky/soul da carreira de Harrison, esta música particularmente me emociona, e nem sei explicar bem o porque, além de sua óbvia beleza. Acho que tem a ver com a associação que faço dela com a saudade da infância e dos sonhos de criança, e da crença de que Deus está dentro de todos nós.

Beware Of Darkness (All Things Must Pass – 1970):

Em um álbum repleto de clássicos como esse, escolhi esta canção de tom sombrio, que nos adverte a ter cuidado com as coisas ruins que nos cercam e que podem, se vacilarmos, acabar com tudo o que sonhamos e tentamos preservar de bom. Uma advertência melódica e inspirada, só para variar.

Blow Away (George Harrison– 1978):

Até me arrepia lembrar da primeira vez que eu ouvi essa maravilha tocar no rádio, lá pelos idos de 1978, quando tinha 17 anos. Balada pop certeira, com letra positiva e um daqueles arranjos que só mesmo o autor de Something sabia nos oferecer. Fico arrepiado ao ouvi-la até hoje, e ficarei sempre, pelo visto.

Blood From a Clone (Somewhere In England-1981):

Reza a lenda que a gravadora Warner queria que George fizesse uma canção que tivesse sonoridade próxima do que a new wave e/ou a disco music ofereciam, naquela época. Harrison nos proporcionou esse petardo, com guitarras nervosas, ritmo sofisticado e ágil e forte apelo pop dançante. Nunca desafie um craque da canção…

Santa Maria e mais mortes injustificáveis

Por Fabian Chacur

Mais uma vez o Brasil vive um momento de dor devido a uma tragédia que poderia ter sido evitada. Desta vez, 231 pessoas (até o momento) nos deixaram de forma precoce em um horripilante incêndio ocorrido na madrugada deste domingo (27) na boate Kiss, localizada na cidade gaúcha de Santa Maria. Boa parte composta por jovens universitários.

Tenho 51 anos de idade e tive a oportunidade de tomar conhecimento de inúmeras catástrofes como essa no Brasil e no mundo, todas geradas pelo descaso com medidas básicas na prevenção de acidentes. Alvarás comprados, laudos postergados, generosas propinas, o famoso “finge que não viu e deixe do jeito que está” e pronto! Mais uma bomba relógio está armada, pronta para levar embora mais gente antes da hora.

É impressionante como exigências em relação a infra-estrutura são deixadas em segundo plano. Obras para prevenir ou minimizar catastrofes naturais ou causadas pelo próprio ser humano são sempre postergadas, provavelmente com aquela famosa esperança de que “nada irá dar errado”. E aí, já viu, o errado surge quando menos se espera.

O mais difícil é aceitar o que virá a seguir dessa terrível catástrofe. Alguns serão presos, outros apontados como culpados, os governantes prometerão providências enérgicas para evitar nova carnificina inútil etc. Aí, depois de algumas semanas, todos se esquecerão do ocorrido e a vida seguirá, para quem conseguiu mantê-la.

Até que novo “imprevisível acidente” ocorra, e novas vítimas paguem o preço da inconsequência de alguns. E fica fácil agora culpar o grupo Gurizada Fandangueira pelo desastre. Eu particularmente odeio fogos e coisas do gênero exatamente por sua periculosidade, mas muita gente adora e apoia correr esse risco inútil em nome de “emoções baratas”. Taí o preço!

Só nos resta agora rezar pelas vítimas e por seus entes queridos, que agora terão de aguentar a administrar uma dor lancinante que não passa nunca e com a qual a gente é obrigado a aprender a conviver, pois a vida segue adiante. Com a palavra, o bom senso de todos nós, dos mais poderosos aos mais humildes.

Ouça e leia a letra de Imagine, de John Lennon:

As minhas lembranças de Cássia Eller

Por Fabian Chacur

Se ainda estivesse entre nós em termos físicos, Cássia Eller estaria completando nesta segunda-feira (10) 50 anos de idade. Como ela permanece na memória de todos os fãs da melhor música brasileira, vale celebrar essa data redonda e lembrar um pouco desta artista brilhante, que nos deixou em um triste 29 de dezembro de 2001.

Meu primeiro contato com ela ocorreu graças a uma grande amiga, a Regina Estela Vieira, em 1990. Na época, a Reka (seu apelido) era assessora de imprensa da gravadora Polygram (hoje, Universal Music), e me convidou para ver, no teatro do hotel Crowne Plaza (hoje extinto, ficava na rua Frei Caneca, em São Paulo), o show de uma nova cantora que havia acabado de ser contratada por aquele selo.

Nunca vou me esquecer daquele impactante contato inicial. Aquela moça bela e simples entrou em cena e, acompanhando-se inicialmente só por voz e violão, mandou ver um trecho de I’ve Got a Feeling, dos Beatles, para depois investir em Por Enquanto, obscura música da Legião Urbana de Renato Russo.

Aquele vozeirão incorporou a letra e a melodia da canção de tal forma que me fez gostar de uma composição escrita por um artista e grupo que sempre detestei, a Legião Urbana da Boa Vontade do Pastor Renato Russo. O resto daquele show, com banda, completou o serviço de me tornar fã de Miss Eller.

A partir daquele exato momento, passei a acompanhar passo a passo a carreira de Cássia, com direito a entrevistá-la em pelo menos três ocasiões. Numa delas, a moça veio acompanhada do poeta Wally Salomão, seu produtor no belíssimo álbum em homenagem a Cazuza, Veneno Antimonotonia (1997).

Cássia era tímida, mas quando percebia que você era uma pessoa legal e tinha boas perguntas, acabava se soltando, proporcionando ótimas entrevistas. Minha última vez com ela foi na coletiva organizada para divulgar o álbum Acústico MTV (2001), seu trabalho com melhor resultado em termos comerciais.

Poucas intérpretes brasileiras se mostraram tão efetivas na hora de pegar canções alheias e dar a elas um formato personalizado e próprio como Cássia Eller.Ela não compunha, mas, tal qual Elis Regina, sabia como poucas tomar posse de uma música.

Difícil saber como teria sido se ela tivesse chegado até aqui em termos físicos para comemorar cinco décadas de vida. O mais importante é ver que a obra que Cássia nos deixou continuará servindo como uma bela trilha sonora para nossas vidas.

Por Enquanto, ao vivo em 1990, com Cássia Eller:

Paulinho da Viola: 70 anos do Mestre Zen

Por Fabian Chacur

Trabalhar como jornalista especializado em música já me proporcionou alguns momentos de raro prazer. Entre eles, coloco as oportunidades que tive de entrevistar alguns grandes nomes. Entre eles, destaco Paulinho da Viola, que nesta segunda-feira (12) completa 70 anos de idade. É o Mestre Zen da MPB.

Simpático, inteligente e articulado, Paulinho é daqueles entrevistados dos sonhos, pois facilitam e muito a tarefa do repórter. Sua humildade é impressionante. Após a primeira ocasião em que tive a honra de entrevistá-lo, pedi um autógrafo em uma coletânea de vinil com seus maiores sucessos. Olha o que ele escreveu: “obrigado pelo papo”. Eu é quem deveria agradecer!

Nascido em 12 de novembro de 1942 no Rio, Paulinho começou a se tornar conhecido do grande público nos anos 60, e estourou em termos de popularidade com o espetacular samba Foi Um Rio Que Passou Em Minha Vida, em 1970. A partir daí, suas músicas ganharam as paradas de sucesso, aliando qualidade artística e apelo comercial.

O primeiro disco dele que eu comprei foi o compacto simples com Guardei Minha Viola (1973). Esse é apenas um dos vários clássicos lançados por ele nesse período, entre os quais Dança da Solidão, Coração Leviano, Pecado Capital, Argumento e Por Um Amor No Recife, só para citar alguns dos mais significativos.

Mestre como compositor de sambas, ele também soube investir em experimentação, como a fantástica Sinal Fechado prova de forma enfática, e demonstrou categoria na releitura de composições alheias, entre as quais destaco sua reinterpretação simplesmente espetacular de Nervos de Aço, pérola do compositor e cantor gaúcho Lupicínio Rodrigues.

Se viveu o seu auge na década de 70, a produção artística de Paulinho não caiu de qualidade nas décadas seguintes. Ele passou a gravar em quantidade menor, mas sem deixar a qualidade de lado, como atestam álbuns como Eu Canto Samba (1989), Bebadosamba (1996) e Acústico MTV (2007).

Paulinho da Viola felizmente completa 70 anos repleto de saúde, maturidade e capacidade de trabalho. Que venham em breve novos shows, novos discos e novas manifestações de seu enorme talento. E que eu possa voltar a entrevistá-lo em breve, um prazer indescritível.

Guardei Minha Viola, com Paulinho da Viola:

Foi Um Rio Que Passou Em Minha Vida, com Paulinho da Viola:

Nervos de Aço, com Paulinho da Viola:

Encontros e despedidas com o Bituca

Por Fabian Chacur

A primeira entrevista coletiva a gente nunca esquece. A número um deste jornalista especializado em música que vos tecla ocorreu precisamente em um 15 de agosto de 1985. O artista em questão era Milton Nascimento, e o local, uma das salas do então badalado hotel Maksoud Plaza, ainda hoje localizado na mesma Alameda Campinas, 150, perto da Paulista.

Fui convidado pelo Valdimir D’Angelo, figura fantástica a quem fui apresentado pelo músico, jornalista e amigo Ayrton Mugnaini Jr. em uma feira de compra, venda e troca de discos realizada naquela época em uma loja, a Golden Hits, situada em uma travessa da Rua Augusta (rua Mathias Aires, para ser mais preciso), próxima à Pàulista e na qual fiz belos negócios com discos de vinil.

D’Angelo, que depois seria até meu padrinho de casamento, era o editor de uma publicação que em breve chegaria à bancas, a Revista de Som & Imagem, e em cujo número 1 seriam publicadas minhas primeiras matérias como jornalista profissional. Ele me levou na coletiva do Milton para que eu entrasse em contato direto com o ambiente da música.

E posso dizer que comecei bem e mal, ao mesmo tempo. Bem, pois tive a cara de pau de fazer logo a primeira pergunta da coletiva. Mal porque eu perguntei ao Bituca se Milton Nascimento Ao Vivo (1984), seu então mais recente LP, havia sido o primeiro disco de ouro da carreira dele, e ouvi um não como resposta. E bem de novo pois, não perdi o fio da meada e consegui fazer uma nova e boa pergunta, de bate-pronto, sem perder o pique.

Ao fim da entrevista, da qual participaram jornalistas de todos os órgãos bacanas de imprensa da época, não só peguei um autógrafo dele, como também tirei uma foto hilária, na qual apareço atrás do Milton, que autografava alguns discos, enquanto eu fazia sinal de positivo, sorria e posava na maior cara de pau. Um ingênuo idealista no fosso dos crocodilos…

Nessa coletiva, encontrei com a Silvana Silva, colega de Cásper Líbero que já estava há algum tempo trabalhando como reporter de TV. Aquela seria apenas a primeira de incontáveis entrevistas com Deus e o mundo, em termos de música.

A segunda coletiva com o autor de Travessia ocorreu em 1986, na primeira versão do extinto Projeto SP, na época situado em um circo montado na rua Caio Prado, pertinho da avenida Consolação. Ele estava lá junto com o músico americano Wayne Shorter, com o qual iria gravar lá, ao vivo, o álbum A Barca dos Amantes (1986).

Ironia: no dia seguinte, o Estado de S.Paulo publicou matéria sobre a coletiva, e na foto publicada, lá estou eu, da cintura para baixo. Teria sido eu, naquela ocasião, o primeiro caso de um “barriga de pirata”, ao invés de papagaio de pirata?

Reencontraria o mesmo Milton em 1987, desta vez no escritório da então CBS (hoje Sony Music), que na época ficava no início da avenida Pedroso de Moraes, em Pinheiros. Também tenho fotos dessa ocasião. Um dia posto aqui.

Teria depois mais umas duas oportunidades de entrevistar o Bituca de Três Pontas, uma figura sempre tímida, mas simpática e adorável. E vamos ser sinceros: sou muito fã dele, embora saiba reconhecer que sua discografia comporta tanto títulos sublimes como alguns bem irregulares, do tipo Yauaretê (o álbum que ele lançou em 1987),por exemplo.

Ah, e tive a honra de estar na plateia, no Teatro Cultura Artística, em São Paulo, quando Milton gravou outro álbum ao vivo, O Planeta Blue Na Estrada do Sol, lançado em 1992.

Como os raros leitores de Mondo Pop sabem, fui em 2011 no belíssimo show de lançamento do álbum …E A Gente Sonhando, na Via Funchal. Publiquei resenha aqui. E que venha a próxima entrevista com o Milton! E o próximo show, também!

Encontros e Despedidas, com Milton Nascimento, versão de estúdio:

Jornal da Tarde e a camisa 10 do Zeca Jagger

Por Fabian Chacur

Quando eu era moleque, uma das minhas fontes de informação em termos musical era a coluna que Ezequiel Neves escrevia para o Jornal da Tarde. Seu estilo irreverente e suas opiniões apaixonadas, mas sempre bem fundamentadas, faziam a minha cabeça. Nem sempre eu concordava com elas, mas adorava lê-las. Alimento para a alma!

A partir da minha entrada no meio do jornalismo musical, um de meus sonhos era, como eu definia, “vestir a camisa 10 do Zeca Jagger (um dos apelidos do saudoso Ezequiel)”, ou seja, ser um dia crítico musical do Jornal da Tarde. Infelizmente, esse é mais um dos milhares de sonhos que não conseguirei concretizar.

Ainda não foi confirmado oficialmente, mas já é dado como fato concreto a extinção do Jornal da Tarde, prevista para ocorrer no dia 2 de novembro. Será uma morte melancólica, pois há quase 20 anos essa publicação se arrasta, vendendo cada vez menos e repercutindo praticamente nada no acirrado mercado da mídia.

Quando surgiu, em 1966, o Jornal da Tarde pintou como uma grande novidade, pois investiu em aproveitamento criativo de imagens, textos mais leves e bem-humorados e influenciando gerações de jornalistas em todos os cantos do país. Sua capa após a doída derrota do Brasil contra a Itália em 1982 ganhou prêmios e virou um marco no jornalismo tupiniquim.

Entre os jornalistas que estiveram lá, destaco o saudoso Dirceu Soares, com quem tive a honra de trabalhar nos anos 90 no também extinto Diário Popular, e obviamente o Zeca Jagger. Ele saiu fora do jornalismo musical ao virar produtor do Barão Vermelho lá pelos idos de 1982.

Tive a honra de conhecer pessoalmente o Zeca em 1987, quando ele estava trabalhando com Cazuza. Grande figura, de um carisma impressionante e de uma simpatia contagiante. Ele nos deixou em 2010, ironicamente no mesmo dia em que completávamos 20 anos sem o autor de Faz Parte do Meu Show. Cazuza, Zeca Jagger e agora o Jornal da Tarde. São estrelas que faziam parte do meu show, e cujas perdas me fazem sentir uma solidão milenar…

Ouça Faz Parte do Meu Show, com Cazuza:

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