Mondo Pop

O pop de ontem, hoje, e amanhã...

Category: avançando rumo ao passado

De The Motor Song até Rise, uma viagem funk com Randy Badazz

randy badazz e herb alpert 1979-400x

Por Fabian Chacur

Há alguns anos, uma querida amiga minha, a Camila Proença, pediu minha ajuda para descobrir o nome e quem interpretava uma determinada música. Foi um pouco difícil, mas consegui atendê-la, e recebi como agradecimento ser definido como um “C.S.I. da música”, definição ao mesmo tempo divertida e com um certo sentido. Não sou nem de perto o melhor nessa tarefa de descobrir nomes de músicas e algo sobre seus intérpretes, mas é algo que me diverte, e muito.

Uma boa história para ilustrar essa minha vocação de “Gil Grissom da música” remete ao ano de 1983. Na programação da antiga emissora de FM Jovem Pan 2, rolava um funk raiz dos bons, apresentado como The Motor Song, sendo que o nome do intérprete sempre era dito de forma ininteligível. Era uma das músicas favoritas tanto minhas como do meu irmão Victor. Como sempre fui um ávido consumidor de discos, corri atrás de mais informações sobre essa faixa.

Dei uma geral em várias lojas procurando, mas nenhuma me passava qualquer informação. Depois de muito esforço, consegui algo em uma loja especializada em black music. “Sim, conheço, mas não tenho por aqui, só saiu importado, é de um grupo de new wave”, falou o vendedor. Pedi para ele me escrever o nome do tal grupo, e ele me escreveu algo como The Rand Heend, ou coisa que o valha.

Sem maiores progressos, passei anos correndo atrás da tal música. Quando trabalhei no extinto jornal Diario Popular (de 1988 a 1995), como crítico musical e repórter especializado em música, fiz muita amizade com os nossos office boys, todos fãs de música. Um deles em especial, o Rietson, era fissurado em black music, e sempre trocávamos belas figurinhas sobre o tema.

Um dia, lá por 1993, lembrei-me de The Motor Song e perguntei se ele conhecia alguma música funk com esse título. Rietson procurou um amigo fera nessa praia, e o cara não só conhecia, como também me indicou onde eu poderia comprar um disco com a mesma. Tratava-se de uma coletânea em vinil intitulada Fina Nostalgia (1993), com uma capa como se fosse de um compacto simples, com furo no meio, sem foto, sem nada. Piratíssima, montada aqui no Brasil mesmo.

A compilação, vendida a preço mais caro do que o de um LP comum, trazia oito raridades de bailes black, entre elas a minha amada The Motor Song. Foi o próprio Rietson que a comprou para mim, e lá, o nome do grupo era não The Rand Heend, mas Randy Andy. Como essas coletâneas “Capitão Gancho” volta e meia traziam os nomes de músicas e artistas com erros, pensei que fosse o caso. Mas o legal era ter, enfim, esse petardo funk em disco, para tocar quando quisesse.

Na época, já estava casado. Meu irmão também, mas ele morava na casa dos meus pais com sua esposa. Todo feliz, liguei para ele e informei sobre minha aquisição, e olhem só a surpresa: “cara, que coincidência, eu também comprei uma coletânea em uma loja aqui na Vila Mariana (bairro em que ele morava e no qual fui criado) com essa música, só que em CD!” Nem é preciso dizer que também fui àquela loja e comprei um exemplar para mim.

Outra compilação brazuca piratíssima, intitulada Old School Funk- The Best- Vol.1, com 12 petardos, incluindo The Motor Song, novamente creditada a Randy Andy. Na maior cara de pau, o CD era creditado a uma suposta New York Records, com Made in U.S.A. na contracapa e tudo. As músicas foram evidentemente extraídas de vinis, com uns estalinhos aqui e ali, mas com qualidade de som mais do que satisfatória. Encerrado o jogo, então? Até parece…

Mas quem ou o que era o tal de Randy Andy?

O disco, eu já tinha, mas isso não me bastava. Precisava saber o que ou quem era Randy Andy. E mais anos e anos vieram sem que qualquer nova pista surgisse. Só que, a partir do ano 2000, com o crescimento da internet, as perspectivas de encontrar informações sobre tudo cresceram de forma exponencial. Pelo menos, era o que parecia. Mas não foi tão fácil…

Durante um bom tempo, digitava no google e no youtube com esperanças de saber mais sobre The Motor Song e Randy Andy. E foi um longo período tendo como resposta aquele trecho de Você Não Soube Me Amar, da Blitz, o famoso “nada, nada, nada!”. Mas quem é que disse que um C.S.I. da música desiste?

Nesta década, enfim The Motor Song apareceu no youtube, inicialmente sem quaisquer dicas sobre seus intérpretes. Até que um dia, enfim uma pista. Randy Andy (assim, mesmo, o nome registrado nos discos piratas era o correto) era na verdade uma dupla formada por Randy Badazz e Andy Armer. O primeiro nome não me era estranho, e resolvi pesquisar especificamente sobre ele. E aí veio uma grande surpresa, que me permitiu desvendar todo o mistério.

Um parente famoso e um hit mundial que todos conhecem

Sabem de onde eu me lembrava de ter visto esse nome, Randy Badazz? Foi em um disco de Herb Alpert. Sim, o grande saxofonista, líder da banda Tijuana Brass, que vendeu milhões de discos na década de 1960, e também o fundador em 1962, ao lado do sócio Jerry Moss, da gravadora A&M Records, que lançou não só os discos dele e do seu grupo como também os artistas do altíssimo calibre de Sérgio Mendes, Carpenters, The Police, Joe Cocker, Peter Frampton, Supertramp, Carole King e dezenas de outros.

Esse disco era o álbum Rise, lançado em 1979 e cuja faixa-título chegou ao primeiro lugar na parada americana, um hit instrumental com swing funk simplesmente espetacular. Badazz era creditado como coprodutor do álbum e também autor de duas faixas, a própria Rise e Rotation, ambas escritas e parceria com aquele tal de Andy Armer.

A maior surpresa era que o real sobrenome de Randy era, na verdade….Alpert! Sim, meus amigos, ele é sobrinho de Herb! E não pensem que sua ligação com o trabalho do titio famoso rolou de forma simples e rápida. Foram alguns anos até que os dois fizessem algo juntos, até pelo fato de que Randy queria provar que era capaz de vencer por sua própria conta. Senta, que lá vem história!

A trajetória de Randy Badazz Alpert

Randy Alpert nasceu nos EUA em 1955. Aos 11 anos de idade, fascinado por música, não só aprendia a tocar como também trabalhava no estoque da gravadora A&M, do tio Herb, embalando discos. No entanto, ele não queria se valer do sobrenome famoso do seu tio para a carreira musical, para não ser acusado de oportunista ou aproveitador.

Nos tempos de colégio, ele recebeu o apelido de bad ass (algo como “o fodão”, em tradução livre) dos amigos por sempre se safar dos problemas, e adaptou para Badazz como sobrenome artístico, deixando o Alpert para lá. Ainda adolescente, ficou amigo de Andy Armer, com o qual criou uma sólida parceria musical. Seu primeiro trabalho mais sério foi gravar fitas demo para a banda de soul-funk Con Funk Shun, conhecida por hits como Got To Be Enough.

Como essas demos eram muito boas, o diretor artístico (A&R) da A&M, Chip Cohen, sugeriu a Andy que fizesse novas versões de sucessos da banda de Herb Alpert, a Tijuana Brass, desta vez em ritmo de disco music, a febre daquele momento. O tio gostou da ideia, mas logo na primeira tentativa, com a música The Lonely Bull, ele percebeu que aquilo não levaria a nada.

No entanto, havia muito tempo de estúdio reservado para a tarefa, e Alpert sugeriu ao sobrinho e ao parceiro Andy Armer que lhe mostrassem alguma composição deles. Eles tinham uma em mãos, inicialmente em 125 rotações por minuto, mas perceberam que poderia ficar melhor em uma levada mais lenta, até chegarem a 100 bpm, ainda funk e swingada, mas bem mais sensual.

Herb Alpert não só amou como logo criou suas passagens de trumpete. Ao ouvir o resultado final, previu que aquela faixa, Rise, era um hit em potencial. E estava certo, pois esse petardo atingiu o primeiro posto na parada americana em outubro de 1979, permanecendo nesse posto por duas semanas e invadindo as paradas de sucesso de todo o mundo.

Enfim o tal de Randy Andy!

Em 1983, Armer e Badazz resolveram tentar a sorte como artistas, e criaram uma dupla, que batizaram de, adivinhe? Randy Andy. Naquele mesmo ano, lançaram um álbum pela A&M, autointitulado. A primeira música a ser divulgada foi a tecnopop The People (Livin’ in the USA), uma sátira ao modo acelerado de vida dos americanos com direito a um videoclipe bem divertido que chegou a entrar na programação da MTV em horários alternativos.

A outra faixa de destaque foi o incrível funk The Motor Song, que pegou no breu principalmente nos clubes de dance e black music dos EUA, Europa e Brasil. Como a agenda de Armer e Badazz era muito apertada, eles não tiveram como se dedicar com mais afinco à divulgação de seu álbum, e nem mesmo shows fizeram, o que certamente explica o porque de sua repercussão ter sido abaixo do que merecia. E o duo ficou por aí, mesmo, com os amigos seguindo outros caminhos.

Andy Armer trabalhou posteriormente com Roberta Flack, Lenny Kravitz e Carl Wilson (dos Beach Boys), e se deu bem com a sonorização de games para empresas como Sega, Sony, Atary e Microsoft, entre outras.

Por sua vez, Randy Badazz lançou músicas solo como Captain Badazz e montou um estúdio, o Scream Studios, usado por nomes como Nirvana, U2, Madonna e muitos outros. Em torno de 43 de hits que atingiram o topo da parada americana foram gravados ou mixados no Scream.

Rise teve um de seus trechos sampleado pelo rapper Notorious B.I.G. em seu megahit Hypnotize, que chegou ao primeiro lugar da parada americana em 1997, e foi regravada pelo brasileiro Leo Gandelman em 1999 no álbum Brazilian Soul.

Esta longa história teve suas informações pesquisadas em pequenas e inúmeras fontes, incluindo a minha memória, gerando um verdadeiro quebra-cabeças que finalmente acabo de montar. Vale citar a entrevista concedida por Badazz ao jornalista Andrew Unterberger para a Billboard americana em 3 de janeiro de 2017. E aí, fãs de Gil Grissom e de música, valeu esse trabalho todo?

obs.: a foto que ilustra este post traz Randy Badazz e Herb Alpert, da esquerda para a direita.

Ouça The Motor Song aqui .

Ouça Rise aqui :

Eis a relação de músicas do álbum Randy Andy (1983):

A1
The Motor Song (Stick in Your Dipstick) 5:26
A2
It’s Always You 5:17
A3
The Oddball 4:09
A4
The Girl is Driving Me Crazy 5:10
B1
The People in the U.S.A. (Poor Man – Rich Man Suite) 7:25
B2
Fallout 1:01
B3
It’s Such a Funny business 3:54
B4
Teacher, Teacher 5:59
B5
The Optimist 0:31

Veja o clipe de The People (Livin’ In The USA):

André Midani, do Dia D na França ao maravilhoso mundo da música

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Por Fabian Chacur

A vida é mesmo imprevisível. Pode um cara oriundo da longínqua Síria e criado na França ter sido decisivo para a história da música popular brasileira durante inúmeras décadas? Uma trajetória improvável, porém plenamente real. Esse cara, André Midani, teve uma bela missão, e a cumpriu de forma plena e apaixonada. Mas toda história, infelizmente, tem um fim, e ele nos deixou nesta quinta-feira (13) aos 86 anos de idade, vítima de um câncer que o atormentava há alguns meses, segundo informou seu filho, Phillipe.

Nascido na Síria em 25 de setembro de 1932 (mesma data e mês que eu, que honra!), André veio para o Brasil em 1955, e por aqui, firmou-se na indústria fonográfica, ramo no qual ele havia começado a atuar na França. Sempre com os ouvidos abertos e dono de uma sensibilidade musical enorme, além de ousadia ilimitada, atuou em gravadoras como a EMI-Odeon, Phillips e Warner. Foi decisivo no desenvolvimento das carreiras de gente como João Gilberto, Jorge Ben Jor, Caetano Veloso, Gilberto Gil, Titãs, Lulu Santos e dezenas, senão centenas de outros nomes importantes para a nossa música.

Mesmo com todo esse currículo e todas as suas realizações, Midani sempre se mostrou simpático, acessível e disposto a aprender novas lições. Sua vida incrível foi contada de forma deliciosa no livro Música, Ídolos e Poder- Do Vinil Ao Download (leia a resenha aqui) e na ótima série televisiva André Midani- Do Vinil Ao Download, de 2015 (leia mais aqui).

Não por acaso, executivos do calibre dele começaram a ter menos espaço nas grandes gravadoras transnacionais sediadas no Brasil a partir do final dos anos 1980, quando essas empresas aos poucos entraram em uma decadência cujos frutos podres colhemos atualmente. Para Midani, a música enquanto arte vinha sempre em primeiro lugar. Bom seu legado ter sido devidamente cultuado enquanto ele ainda estava entre nós. Sua passagem se dá em um momento difícil do Brasil, mas que ele fique como exemplo para uma futura volta por cima, em todos os setores, especialmente o da cultura.

Veja entrevista com os diretores da série de TV sobre André Midani:

Andre Matos, o garoto que realizou um sonho impossível

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Por Fabian Chacur

Andre Matos era uma garoto que tinha um sonho impossível: tornar-se um astro do heavy metal. Isso, cantando em inglês e sendo brasileiro, em plenos anos 1980. Não tinha como dar certo. Mas deu! O cantor, compositor e músico paulistano viu seu trabalho ultrapassar fronteiras, conquistar fãs no mundo todo e virar uma referência no gênero musical ao qual se dedicou. Ele infelizmente nos deixou de forma precoce neste sábado (6), aos 47 anos de idade, mas teve uma vida incrível. E tornou real o tal do sonho impossível.

Andre nasceu em São Paulo em 14 de setembro de 1971, nativo de Virgem. E suas características tinham tudo a ver com este signo do zodíaco. Era um cara perfeccionista, articulado, que lutava intensamente pela realização de seus objetivos. Ainda moleque, juntou-se aos irmãos Yves e Pit Passarel para criar um grupo de heavy metal. O Viper surgiu em 1985, incentivado pela primeira edição do Rock in Rio e também pelo crescimento de uma cena headbanger paulistana.

Naquela São Paulo de 1985, projetos como o SP Metal e a revista Rock Brigade ajudavam a incentivar o surgimento de bandas de rock pesado na cidade. A publicação criada por Toninho Pirani resolveu criar um selo para lançar algumas daquelas bandas. E os literalmente moleques do Viper foram agraciados com um contrato com a Rock Brigade Records, pela qual lançaram em 1987 seu álbum de estreia, Soldiers Of Sunrise (1987), seguido por Theatre Of Fate (1989).

Com esses dois discos, o Viper mostrou competência ao digerir influências de Iron Maiden, Helloween e outras bandas importantes daquele período. Com uma voz potente, Andre aos poucos ganhou protagonismo no heavy metal brasileiro. Ao iniciar os estudos musicais, sentiu que era hora de partir para novos rumos, e deixou a sua primeira banda. Em 1991, criou um novo time, o Angra, com exímios músicos, especialmente os guitarristas Rafael Bittencourt e Kiko Loureiro.

Angels Cry (1993), o álbum de estreia do quinteto, mostrou um som ainda mais elaborado e consistente, com direito até mesmo a um ousado cover de Wuthering Heights, primeiro sucesso da cantora britânica Kate Bush. Mas o melhor, mesmo, viria com Holy Land (1996), ambicioso álbum que misturou de forma criativa e elaborada heavy rock, música erudita e elementos oriundos da música brasileira, com resultado que os levou ainda mais longe.

Se com o Viper Andre já havia iniciado uma boa repercussão fora do Brasil, especialmnente na Ásia, com o Angra essa peregrinação roqueira foi ainda além, com o disco conquistando elogios também na Europa e EUA. Nesse período, ele quase chega a um posto inacreditável: ser vocalista do Iron Maiden. Com a saída de Bruce Dickinson, a vaga ficou em aberto, e ele esteve na boca de conquistá-la. O “cargo” ficou, no fim das contas, com o britânico Blaze Bayley, mas nosso cantor saiu vitorioso, pois dessa forma teve a chance de dar prosseguimento em uma carreira autoral que vinha muito bem.

Problemas de relacionamento tiraram Andre e também Ricardo Confessori e Luis Mariutti do Angra em 2000. No ano seguinte, eles, aliados ao irmão de Luis, Hugo, criaram um novo time. Surgia o Shaman, que em 2002 lançou seu álbum de estreia, Ritual, pela Universal Music. A música Fairy Tale os levou à trilha sonora da novela global O Beijo do Vampiro, algo impensável para uma banda de heavy brazuca. Outra façanha na conta de Matos.

Com a separação da formação original do Shaman em 2006, Andre investiu em uma carreira solo que rendeu os álbuns Time To Be Free (2007), Mentalize (2009) e The Turn Of The Light (2012). E foi na época em que ele lançou este último que tivemos o reencontro entre ele e os antigos amigos do Viper. A nova parceria teve como ápice a participação deles no Rock in Rio em 2013, justo o festival que, naquele agora longínquo 1985, os incentivou a ir à luta.

Além dessas três bandas icônicas, Andre Matos marcou presença em diversos outros projetos, entre os quais o Virgo, com o produtor alemão Sascha Paeth, o Avantasia do também alemão Tobias Sammet. E foi em uma participação em um show deste último no domingo (2) no Espaço das Américas que ele subiu em um palco pela última vez. Ele vinha se dedicando a uma turnê de reunião do Shaman cujo início havia ocorrido em 2018. Ainda tinha muita coisa para rolar na vida dele. Uma pena. Mas quantos sonhos o cara concretizou, heim?

Nesses anos todos, tive a oportunidade de entrevistar Andre Matos em diversas ocasiões. Em todas elas, presenciei um cara extremamente educado, simpático e articulado, que demonstrava segurança em relação a seus objetivos. O último contato ocorreu em 2013, em entrevista ao lado dos amigos do Viper, um delicioso encontro entre garotos que sonharam juntos e viram esses objetivos se tornarem realidade, um a um. Sentirei muita falta dele, podem ter certeza. E me sinto honrado de ter meu nome nos agradecimentos incluídos no encarte do álbum Holy Land. Ainda mais em um álbum com aquele porte. Gratidão eterna!

Ouça Holy Land, do Angra, na íntegra:

Beth Carvalho, uma embaixatriz do samba que fará muita falta

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Por Fabian Chacur

Em um distante dia de 1998, estava este repórter na sala da casa de Beth Carvalho, situada em um bairro bacana do Rio de Janeiro, um local alto com bela vista. Com a desenvoltura que lhe era habitual, ela me disse que nunca deixou a seleção das músicas de seus discos para quem quer que fosse. Na hora de bater o martelo, quem fazia isso era ela. “Você pode me perguntar a música que quiser, de qualquer dos meus discos, e eu te direi como e porque gravei”, afirmou, com autoridade. Essa embaixatriz do samba nos deixou nesta terça-feira (30), aos 72 anos, após sofrer durante quase dez anos.

Nessa dura década, esta cantora e musicista carioca chegou a ficar internada em hospitais por longos períodos. Mesmo assim, fez alguns shows e gravou. Ficou marcada sua performance em uma espécie de sofá instalado no palco para que pudesse entrar em cena e dar conta do recado. Até brincou, dizendo que, se houve “Na Cama Com Madonna” (o célebre filme da estrela americana), por que não poderia haver “Na Cama Com Beth Carvalho”? E assim se fez.

Beth nos deixa na antevéspera de seu aniversário de 73 anos, que seria completado no próximo dia 5 de maio (nasceu em 1946, no Rio). Sua ligação com a música teve início logo cedo, e mesmo oriunda de uma família de classe média, a moça logo se engraçou com a música, integrando um grupo influenciado pela bossa nova e depois partindo para a carreira solo. O primeiro sucesso veio em 1968, ao interpretar em um festival a canção Andança, ao lado dos Golden Boys.

O mergulho no samba, como intérprete, consolidou-se na década de 1970, especialmente a partir do esplêndido álbum Pra Seu Governo (1974), no qual consegue captar o som do samba mais próximo das rodas de partideiros, com direito a faixas matadoras como Miragem, A Pedida é Essa e outras. Em pouco tempo, com sua voz potente e charmosa e uma presença de palco marcante, tornou-se uma diva do gênero, ao lado de Clara Nunes e Alcione.

Inquieta, sempre buscava novos compositores e espaços dedicados ao samba, e nessas garimpagens, deu espaços importantes nos anos 1970 e 1980 para que artistas então desconhecidos, como Zeca Pagodinho, Jorge Aragão, Luiz Carlos da Vila e o Grupo Fundo de Quintal (de quem se autonomeou madrinha) ganhassem os holofotes que mereciam. E vale lembrar que é dela a gravação original, e de maior sucesso, de um clássico perene do grande Cartola, As Rosas Não Falam, que foi até trilha de novela global.

Em sua fase áurea, entre as décadas de 1970 e 1980, a cantora carioca empilhou clássicos nas paradas de sucesso, como Vou Festejar, Saco de Feijão, Coisinha do Pai, 1.800 Colinas e tantos outros. Em um show dela que tive a chance de ver, lá pelos idos de 1986, no 150 Night Club do Maksoud Plaza, em São Paulo, vi a intérprete ser obrigada a repetir por três ou quatro vezes Andança, tal o entusiasmo do público presente.

Em 1987, Beth Carvalho lançou um álbum histórico, Ao Vivo em Montreux, gravado durante um show no histórico festival de jazz na Suíça, um marco na história do samba. Várias vezes ela mostrou os seus sucessos em shows no exterior, sempre com grande repercussão por parte do público.

Um de seus discos mais marcantes foi Saudades da Guanabara (1989), com pelo menos duas faixas marcantes: a que lhe deu título, de autoria de Paulo Cesar Pinheiro, Moacyr Luz e Aldyr Blanc (ouça aqui) e que lembrava de tempos melhores na história carioca, e a música Botafogo Campeão (Esse é O Botafogo Que Eu Gosto) (ouça aqui), na qual celebrava o título carioca que seu time de coração ganhou naquele 1989, após 21 anos sem gritar é campeão. Discaço mesmo!

Ao contrário de outros artistas, que preferem guardar para si suas preferências políticas, Beth sempre se mostrou defensora de ideias progressistas, sendo uma brizolista fanática, especialmente por causa da implantação dos CIEPS. Certamente não devia estar muito feliz com os atuais rumos da política brasileira. Seja como for, deixa uma marca fortíssima na história da nossa música, como divulgadora de um de nossos gêneros musicais mais populares e significativos. A frase é um baita de um clichê, mas não há como fugir dela: o brasileiro está de luto com a sua partida prematura.

Ouça o álbum Pra Seu Governo, de Beth Carvalho, em streaming (obs.:a versão da faixa Maior é Deus é de outro disco, não a original desse álbum clássico, mas está valendo, assim mesmo):

Michael Jackson, rei do pop e sua viagem à Terra do Nunca

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Por Fabian Chacur

Michael Jackson teria completado 60 anos de idade nesta quarta-feira (29), se não nos tivesse deixado no dia 25 de junho de 2009. Mas confesso que nunca conseguiria imaginar este cantor, compositor, produtor, dançarino, entertainer etc como um tiozinho de meia-idade. Ele entrou no imaginário coletivo ainda criança, e esse espírito juvenil esteve a seu lado durante seus 50 anos e alguns meses de vida. Eternamente na Terra do Nunca, e seu inconteste rei do pop.

Oriundo de uma família repleta de irmãos e irmãs talentosos, ele no entanto não demorou a se mostrar o mais promissor de todos. O pai, Joseph, percebeu isso rapidamente. Se sua fama de tirano com os herdeiros se tornou lendária, não dá para negar que ele lhes ensinou uma forte senso disciplinar, bom caminho para quem deseja se tornar estrela da música. E desde molequinho Michael se mostrou um apaixonado por trabalho, o típico workaholic.

Se você quer ser o melhor, aprenda com e fique perto dos melhores, e isso ocorreu com o autor de Billie Jean durante toda a sua vida. Ao assinar com a Motown Records, ele e seu grupo, o Jackson 5, teve a oportunidade de trabalhar com o genial Berry Gordy. Logo no primeiro single pela gravadora, I Want You Back, lançado em 7 de outubro de 1969, ficava claro que algo novo estava surgindo no cenário do pop, com aqueles garotos energéticos e aquele molequinho vibrante a comandá-los, repleto de carisma e simpatia.

Até 1975, Michael aprendeu muito na gravadora surgida em Detroit. Só que, em um determinado momento, ficou claro que lá ele não conseguiria desenvolver plenamente suas aptidões, especialmente as de compositor e produtor. Aí, seu próximo passo, ao lado dos irmãos (exceto Jermaine, que preferiu ficar na Motown), foi assinar com a Epic. No início, optou por ser produzido por outros mestres da música, Kenny Gamble e Leon Huff (os criadores do “Som da Filadélfia”), mas sabendo ser aquele um momento provisório. Um novo aprendizado.

Em 1978, os Jacksons lançaram o álbum Destiny, e nele Michael Jackson daria pistas do que viria a seguir, com músicas fortes como Blame It On The Boogie (de Mick Jackson, que apesar do sobrenome não era seu parente) e Shake Your Body (Down To The Ground) (esta, parceria dele com o irmão Randy). O encontro com o produtor Quincy Jones na gravação da trilha do filme The Wiz, no mesmo ano, completaria a expectativa de dias ainda melhores.

No ano em que completou 21 anos, Michael Jackson já tinha muito o que comemorar. Sua trajetória com o Jackson 5/The Jacksons se mostrava até então repleta de grandes momentos. A carreira solo, iniciada ainda em 1971 com Got To Be There, também gerou belos frutos e inúmeras gravações maravilhosas. Se por ventura ele não conseguisse ir adiante, já teria um número de hits suficientes para lhe dar um lugar eterno na história da música pop.

Mas a ambição do rapaz era imensa, e seu talento lhe possibilitava ir muito além. E essa transformação de astro pop infanto-juvenil dos melhores para rei do pop teve início naquele 1979 com o lançamento do excepcional Off The Wall. O álbum fez tanto sucesso que a grande questão no cenário pop do início dos anos 1980 era de como aquele artista faria para conseguir lançar um novo trabalho tão impactante.

A resposta foi Thriller (1982), o disco mais vendido de todos os tempos, que de uma vez por todas o tornou um astro sem fronteiras. Michael sempre quis ser um artista que superasse as barreiras de raça, credo, idade e classe social, e conseguiu isso de forma avassaladora, vencendo até o preconceito inicial da MTV contra a música negra.

Michael Jackson consagrou-se como um artista completo: cantor excepcional, dançarino intenso, compositor de primeira, especialista em shows cativantes e o rei dos videoclipes. Sua trilogia Off The Wall, Thriller e Bad (1987), com sua fusão de black music, rock, pop e romantismo, mostrou ser a mais potente de todos os tempos.

Lógico que ninguém conseguiria ficar impune ao impacto desse sucesso todo, ainda mais alguém que a rigor não teve tempo de curtir a infância e adolescência, por viver uma trajetória totalmente dedicada ao trabalho. Aí, ele se viu envolvido em transformações visuais questionáveis, boatos terríveis sobre possíveis envolvimentos libidinosos com crianças, investimentos megalomaníacos como sua Disneylândia particular chamada Neverland e outros quetais. E tome quetais!

Sou um desses possíveis ingênuos que não acredita que Michael tenha assediado de fato alguma criança. Não alguém que sofreu tanto com a rigidez do pai. Na verdade, o mais provável é que ele amava ficar próximo das crianças como forma de, com esse convívio, vivenciar a infância a que não teve direito. Mas são questões irrelevantes e de cunho pessoal, no fim das contas. Como dizem por aí, visto de perto ser humano algum é normal. E ele era isso, um ser humano, apenas.

Como artista, Michael Jackson nos deixou um legado maravilhoso, mesmo que, a partir de 1996, pouco tenha nos oferecido que se comparasse ao que fez em seus anos de ouro. Aliás, uma das causas de sua morte prematura pode ter sido a pressão exercida por ele em si próprio, no propósito de realizar uma turnê que superasse todas as suas conquistas anteriores. Só que o nosso ídolo não tinha mais saúde para isso, e pagou um preço muito alto pela ousadia.

Uma pena. Com a morte prematura, Michael Jackson enfim chegou à Terra do Nunca, conquistando a juventude eterna e ficando distante das imensas dificuldades da convivência com os seres humanos, repletos de contradições e maledicências. A qualidade de seu legado, da infância até os trabalhos lançados de forma póstuma, certamente embalará e alegrará as vidas de muitas novas gerações, nos anos que virão por aí.

Forever, Michael!

One Day In Your Life– Michael Jackson:

Cazuza 60 é na verdade 100, mil, mais do que dois mil e um

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Por Fabian Chacur

Nesta quarta-feira (4), Cazuza comemoraria 60 anos de idade. Infelizmente, o roqueiro carioca se foi naquele triste sete de julho de 1990, com apenas 32 anos bem vividos, e deixou um vazio não só no rock, como na música e cultura brasileira como um todo.

Tive a honra de entrevistá-lo duas vezes, e de ver um dos shows mais emblemáticos de sua brilhante e breve carreira solo. Vou relembrar alguns momentos desses três contatos de forma aleatória, sem querer ser detalhista demais. O que me vier à mente.

Em 1987, vivi o início de minha carreira jornalística em tempo integral, após dois anos de frilas conciliados com um emprego, digamos, convencional. E em abril daquele ano, participei da entrevista coletiva que Cazuza concedeu em São Paulo para divulgar Só Se For a Dois, seu segundo trabalho solo.

A coletiva ocorreu no bairro do Paraíso, onde ficava na época a sede paulistana da gravadora Polygram, hoje Universal Music. Era a estreia dele pelo selo, após ter lançado o LP que inclui Exagerado em 1985 na Som Livre, meses depois de sair do Barão Vermelho.

Gravei a entrevista no meu heroico gravador grandão, grande parceiro. Tenho essa fita até hoje, e um dia (quando a encontrar, obviamente; mas ela está comigo, tenho certeza) a transcreverei na íntegra para os leitores de Mondo Pop. Por enquanto, ofereço recordações superficiais. Ele foi extremamente simpático com todos.

Ele respondeu todas as nossas perguntas, sem frescuras, e após o final, tirou fotos e deu autógrafos a todos que os solicitaram, eu incluso. Também tirei fotos com ele. Uma saiu meio ruim por causa do flash, e infelizmente é a única que me sobrou, pois a outra foi roubada por uma sobrinha. Que ódio! E tenho fotos da entrevista coletiva, essas bem legais. Preciso escaneá-las, também.

Naquele mesmo dia de 1987, tive a oportunidade de conhecer um de meus ídolos na área do jornalismo musical, o inimitável Ezequiel Neves, com quem também tirei foto, junto com o amigo Humberto Finatti.

Na época, trabalhava na editora Imprima, coordenando as revistas de textos de lá, que se notabilizou pelas revistinhas com cifras para violão e guitarra. Um tempo bom, de aprendizado e que me proporcionou a chance de conhecer muita gente boa.

Em 1988, quando começava no Diário Popular (hoje Diário de S. Paulo), pude rever Cazuza quando ele veio a São Paulo divulgar, com show no extinto (e então badaladíssimo) Aeroanta, no largo da Batata, em Pinheiros, o seu então novo álbum, o incrível Ideologia.

Lembro que tomei um susto (que disfarcei) ao vê-lo bem mais magro do que no encontro anterior. Mas a energia, a simpatia e as ideias bacanas continuavam ali, firmes. O fato de ele portar o vírus HIV ainda não havia se tornado público. Pena que vacilei e não vi aquele show.

Para minha sorte, no final de 1988 Cazuza voltou a São Paulo, desta vez para tocar no antigo Palace (hoje CitiBank Hall) e fazer o show que acabaria gerando, ao ser gravado no Rio, o emblemático álbum ao vivo O Tempo Não Para- Cazuza Ao Vivo. Um show inesquecível.

No início, apesar da energia do roqueiro e de sua banda, a plateia reagiu de forma um pouco fria. Isso, mesmo com o início arrepiante, com o cover de Vida Louca Vida, de Lobão, que no entanto a interpretação apaixonada do autor de Exagerado tornou sua para sempre.

Mesmo irritado, ele tocou o barco. Aos poucos, o público foi entrando no espírito anárquico do artista e se soltou, dançando, pulando, cantando junto e transformando o emepebístico Palace em uma arena rocker.

Aí, Cazuza se soltou, agradecendo o apoio, dizendo que queria fazer shows para pessoas bem loucas e descontraídas, sem frescuras, e proporcionando aos presente um show de maravilhoso rock and roll.

Exagerado, Faz Parte do Meu Show, a então inédita O Tempo Não Para (que Simone regravou de forma canhestra), Brasil (idem com Gal Costa) e Codinome Beija-Flor, só para citar alguns dos clássicos tocados por ele, fizeram a minha noite e a dos milhares de fãs presentes inesquecível.

No Diário Popular, no extinto caderno cultural intitulado Revista, coisa inédita para a publicação: duas críticas. Uma de minha autoria elogiando o show e a atitude de Cazuza em pedir a participação de todos.

Outra do editor (e meu mestre) Osvaldo Faustino criticando o cantor pelo fato de ele ter intimado os presentes a participar. Belo exercício de democracia. E as duas opiniões faziam total sentido, eram pontos de vista que se completavam muito bem, modéstia à parte.

E então, meses de sofrimento de vê-lo doente, da campanha idiota da revista Veja contra ele, o lançamento do inconsistente e duplo Burguesia em 1989 (na verdade uma desculpa para alguém muito doente ter motivação para conseguir se manter vivo, sem sombra de dúvidas) e, em 1990, a morte precoce aos 32 anos.

Duas curiosidades, uma engraçada, outra mórbida. A primeira: no lançamento de Burguesia, a Polygram realizou uma festa na qual todos recebiam o LP. Seis deles vieram com cupons, incluindo o meu. Dois desses seis foram sorteados e ganharam viagens para os Estados Unidos. Eu perdi. Foi o mais perto que fiquei, até hoje, de ir ao exterior…

A outra é quase macabra. No início de 1989, a morte do roqueiro do bem parecia iminente. Então, meu editor na época, Danilo Angrimani Sobrinho, pediu-me uma matéria sobra a carreira de Cazuza, para ficar na gaveta e ser publicada rapidamente no caso da morte do artista. Fiz a contragosto, rezando para que nunca fosse publicada.

Se a morte acabou sendo inevitável, ao menos demorou um ano e meio para que aquela matéria “mortuária” chegasse às páginas do jornal. Mas uma ironia: na época, a redação ainda era na base das máquinas de escrever, laudas de papel, edição na raça etc. E a matéria havia sido feita quando ainda não se sabia como seria Burguesia.

Nem o seu título, que durante meses foi divulgado como A Volta do Barão. Eu estava de folga, e quem publicou a matéria não se preocupou em revisar isso. Ou seja, o leitor do finado Dipo “ganhou” um álbum inexistente de Cazuza…

Cazuza foi um roqueiro perfeito. Voz cheia de energia que superava defeitos técnicos do tipo língua presa, letras maravilhosas e melodias sempre trazidas por parceiros inspirados. Quantas coisas boas a mais ele não teria feito, se não tivesse saído de cena em 1990… Ele só viveu 32 anos, que, no entanto, equivaleram a 60, 100, mais do que 2001… Saudades, exagerado, você faz muita falta!

Ritual– Cazuza:

Steve Winwood: a resenha do seu show no Brasil em 1998

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Por Fabian Chacur

Se há algo desagradável para um jornalista da área musical que trabalha como frila é o fato de que, no Brasil, as publicações dessa área nem sempre duram o que seria recomendável. Quando duram alguma coisa… Por isso, boa parte do meu acervo como crítico e repórter é de difícil ou quase impossível acesso, atualmente. Sorte que eu sempre tive a mania de colecionar as minhas matérias publicadas, guardando um exemplar comigo. Sorte mesmo…

Tudo bem que eu sou um bagunceiro de primeiríssima linha, e precisaria dar uma bela e rigorosa organizada nesse meu acervo. Mas, aos poucos, tentarei fazer isso. A criação dessa série, iniciada em dezembro de 2016 (leia a primeira matéria aqui), é uma ação nesse rumo, para tentar resgatar alguns momentos importantes.

Esta resenha, por exemplo, é muito sigificativa por registrar com detalhes o show que o genial Steve Winwood fez em São Paulo, mais precisamente no dia 26 de maio de 1998 no Palace. Tente buscar alguma informação sobre essa apresentação na internet, e você provavelmente não encontrará nada. Então, resolvi resgatar a que fiz para a edição de número 17 da extinta revista Shopping Music, publicada em julho de 1998. Divirtam-se, com direito a setlist!

“Steve Winwood- Palace (SP)- 26/5/1998

Steve Winwood surgiu no universo da música pop ainda adolescente, aos 16 anos, como principal força criativa dentro do Spencer Davis Group. Desde então, o cantor, compositor e multi-instrumentista desenvolve uma carreira repleta de êxitos, quer como integrante de grupos como Blind Faith e Traffic, quer como artista-solo. Ao completar 50 anos de idade, ele finalmente se apresentou no Brasil, e mostrou que se encontra em excelente forma.

Acompanhado por uma banda extremamente coesa e talentosa, composta por nove músicos, Winwood preparou um roteiro que deu uma geral em todas as fases da carreira, abrindo e fechando respectivamente com I’m a Man e Gimme Some Lovin’, hits de sua primeira banda, o Spencer Davis Group. Durante as duas horas de apresentação, ficou clara a versatilidade do astro inglês, que tocou guitarra, teclados diversos e mandolin com a desenvoltura que só os gênios possuem. Isso, sem contar a voz forte, melódica, potente e com uma inspiração que vem de intérpretes negros como Ray Charles, um de seus ídolos.

Graças ao repertório, o clima da performance de Steve Winwood teve como marca a diversificação. O set list incluiu pop dançante em Higher Love, While You See a Chance e Familly Affair, rhythm and blues à antiga em Roll With It, rock progressivo jazzificado em Low Spark Of High-Heeled Boys (com grandes solos de todos os músicos), balada rock em Can’t Find My Way Home, latinidade em Gotta Get Back To My Baby e folk-ballad em Back In The High Life Again, só para citar alguns exemplos. O excelente Junction Seven, seu mais recente CD, foi representado por quatro músicas. Com um desempenho tão bom, o público só podia mesmo ter ficado em puro êxtase.”

Set list do show:

I’m a Man

Roll With It

Freedom Overspill

While You See a Chance

Let Your Love Come Down

Forty-Thounsand Headmen

Gotta Get Back To My Baby

Can’t Find My Way Home

Low Spark Of High-Heeled Boys

Presence Of The Lord

The Finer Things

Family Affair

Just Wanna Have Some Fun

Higher Love

BIS:

Back In The High Life Again

Gimme Some Lovin’

Veja Angel Of Mercy (live-1998)- Steve Winwood:

Avançando rumo ao passado: show da Legião Urbana- 1994

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Por Fabian Chacur

Tive as minhas primeiras matérias publicadas no já jurássico 1985. Desde então, milhares de textos com a minha assinatura marcaram presença em publicações as mais diversas- jornais, revistas, fanzines e internet (sites, blogs etc). Como boa parte desse material acaba se perdendo quando as publicações fecham, fica difícil encontrar uma boa parte desses trabalhos. Alguns, convenhamos, é até melhor mesmo que não sejam encontrados…

Mas é lógico que valeria a pena resgatar uma parte deles, até por uma razão de registro de momentos importantes da música no Brasil e no mundo sob a ótica de alguém que acompanha esse cenário com interesse desde criança, e profissionalmente desde a fase de “jovem adulto”. Então, a partir de agora, Mondo Pop trará a vocês, sem periodicidade regular, o resgate de alguns desses textos afogados na poeira do passado. E já começaremos com polêmica.

Sou um raro caso de jornalista da minha geração que nunca morreu de amores por Renato Russo e a sua Legião Urbana. Hoje, essa ojeriza pela banda de Brasília até se aplacou um pouco, mas na época eu realmente detestava a banda. E isso obviamente se refletiu nos textos que escrevi sobre eles, especialmente os de teor opinativo, tipo resenhas de shows ou de discos. Esta aqui eu fiz para o extinto Diário Popular no dia 17 de junho de 1994.

O show ocorreu no Ginásio do Ibirapuera em 16 de junho daquele ano. Como forma de dar a vocês, neste caso específico, a chance de ler uma visão diferente da minha, ofereço o link postado no site oficial da banda com texto referente ao evento, aqui.

O meu você poderá ler abaixo, transcrito sem alterações ao que saiu naqueles anos já distantes:

“A pregação do Pastor Russo levou 6.500 pessoas ao Ginásio do Ibirapuera na noite de quinta feira (16/6/1994). O pastor, também conhecido pelo nome de Renato Russo e por ser vocalista da banda Legião Urbana, abusou do direito de pregar suas ideias confusas. “Não aguento ligar a televisão e ouvir ‘morreram 14 em Manaus!’, o país está numa situação horrível”, ou então “Acho que vai dar tudo certo, nós crescemos, deixem esses babacas para lá”. Um horror! Ah, também teve uma tentativa de show de rock, com resultados não muito favoráveis.

A Legião Urbana é Renato Russo, como todos sabem. Seus colegas de banda facilitam a tarefa. O guitarrista Dado Villa-Lobos esbanja indigência no instrumento, enquanto o baterista Marcelo Bonfá equivale a um burocrata da percussão, tal a sua falta de swing. Sobram o baixista Jean e o tecladista-violonista Fred Nascimento, que tentam segurar a onda, sem grandes resultados. Ou seja, eles não fazem nada para tirar do pastor o cetro de dono da festa.

Usando bata branca e calça preta, Renato Russo começou o show com sua turma às 21h35. Após algumas músicas de O Descobrimento do Brasil, como Perfeição e A Ponte, e também Que País é Esse e Eduardo e Mônica, o cantor soltou as suas primeiras abobrinhas da noite. “Estou puto, esse idiota da luz fez tudo errado. Não tem nada a ver com vocês, que são maravilhosos. Passei mal em Friburgo, fiquei todo empelotado!”, discursou, para delírio dos fieis, digo, fãs. “Não foi por causa de drogas, não porque não uso mais, nem bebo, mas tudo isso passou”. E mandou ver Os Barcos, do novo disco.

Ao reviver sucessos antigos como O Petróleo do Futuro, O Teatro dos Vampiros, Quase Sem Querer e Há Tempos, sem falação no meio, o cantor e sua turma até que não encheram muito a paciência. Mas no inevitável bis, eis que o pastor número um do rock tupiniquim voltou a pregar. “A gente quer ter esperanças no futuro, mas o Brasil passa pela pior crise de sua história, está horrível, ainda bem que vocês estão aqui”, comentou. Em seguida, a banda surpreendeu quem acredita nas entrevistas contraditórias que Russo dá e tocou Pais e Filhos, que ele prometera nunca mais cantar em shows.

Ao final dessa música, certamente a mais aplaudida pelo público, que não arrumou encrencas nem gerou nenhuma ocorrência médica ou policial que merecessem destaque, nosso pastor roqueiro se contradisse de novo. “Olha, acho que vai dar tudo certo, nós crescemos, deixem esses babacas para lá”, e puxou Será, um de seus maiores sucessos. No final, a banda distribuiu margaridas, que por sinal aparecem na capa de O Descobrimento do Brasil, ao público. Não por coincidência, com Ave Maria, de Gounot, tocando ao fundo. Eram 23h20.”

Será (ao vivo)- Legião Urbana:

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