Mondo Pop

O pop de ontem, hoje, e amanhã...

Category: Discos indiscutíveis (page 5 of 14)

Love Me Do – The Beatles (Parlophone- 1963)

March 26, 2013 / / 0 Comments

Por Fabian Chacur

Please Please Me, primeiro álbum dos Beatles, chega aos 50 anos de seu lançamento soando ainda urgente, juvenil e bom de se ouvir. Muito bom, por sinal. Era o pontapé inicial de uma discografia no formato LP que se tornaria a melhor e mais significativa da história do rock e da música popular em geral.

O álbum inclui 14 faixas, sendo que quatro delas – Love Me Do, P.S. I Love You, Please Please Me e Ask Me Why, todas de autoria de John Lennon e Paul McCartney, haviam sido lançadas nos meses anteriores. Outras quatro da dupla e seis covers escolhidos a dedo complementam o set list.

Pode ser dito, sem medo de errar, que Please Please Me é um dos primeiros álbuns de rock da história a não ser apenas uma reunião de singles lançados anteriormente e faixas gravadas às pressas para tapar buracos. Usando uma frase em inglês que sintetiza bem essa minha opinião, “all killer no filler” (“só faixas matadoras”, sem nada para encher buraco, em tradução livre). E com 10 músicas gravadas em menos de um dia!

Ao contrário de outros grupos que surgiram no mundo do rock se opondo ao que havia sido feito anteriormente, o som dos Beatles sempre conseguiu o raro equilíbrio de reverenciar com carinho coisas boas feitas pelas gerações anteriores e apresentar seu som próprio e recheado de novidades e marcas de estilo até hoje copiadas no cenário pop.

O rock and roll cinquentista é homenageado em releituras matadoras de Twist And Shout (que embora seja dos anos 60 tem toda cara dos anos 50) e Boys. O romantismo mais tradicional aparece em A Taste Of Honey, enquanto o rhythm and blues surge em Anna (Go To Him). Pop até a medula, Chains é da dupla Carole King-Jerry Goffin, dois gênios do setor.

I Saw Her Standing There (de Lennon e McCartney)abre o álbum com uma levada totalmente original, uma nova interpretação do rock and roll original com direito a uma das linhas de baixo mais matadoras de todos os tempos, prova de que Paul McCartney já esbanjava criatividade como músico logo no início da carreira.

Please Please Me, faixa que dá nome ao álbum, é para mim um dos primeiros exemplos do que depois seria rotulado como “power pop”, ou seja, aquele tipo de rock com refrão contundente, riffs de guitarra ágeis e formato condensado, raramente ultrapassando três minutos de duração. Aqui, são só dois, e arredondando!

Outro momento pop rock autoral bem bacana é Misery, esbanjando ingenuidade, frescor quase adolescente e um refrão encantador, marca de grandes momentos dos Beatles. Outra que se vale de menos de dois minutos para dar seu recado.

Love Me Do, o célebre primeiro single, traz na gaita de John Lennon sua marca registrada, que também está em outra canção da griffe Lennon/McCartney incluída neste álbum, There’s a Place. E outro momento balada, Baby It’s You, traz outro autor seminal na história da música pop, o genial maestro Burt Bacharach, outro estilista nessa praia.

P.S. I Love You, lançada originalmente como lado B do single Love Me Do, investe em simplicidade, delicadeza, enquanto o lado B do compacto Please Please Me, Ask Me Why, tem um leve tempero latino no meio, esbanjando despretensão e romantismo em seus acordes.

Do You Want To Know a Secret, embora seja de autoria de Lennon e McCartney, foi interpretada (e muito bem) por George Harrison. A desenvoltura da banda em termos vocais já nesse primeiro álbum é impressionante, pois além de Paul e John, que dominam a cena, George e Ringo (esplêndido em Boys) também eram craques na frente dos microfones. Quatro ótimos cantores em uma mesma banda!

Em termos instrumentais, os Beatles já se mostravam afiadíssimos nessa estreia, e melhorariam a cada novo lançamento. Please Please Me dava mostras de uma banda coesa, criativa e repleta de energia com um futuro aparentemente promissor, o que se concretizaria de forma impressionante nos anos que se seguiram.

Ouça o álbum Please Please Me, dos Beatles, na íntegra:

CD de 1969 de Gilberto Gil volta remasterizado

January 21, 2013 / / 0 Comments

Por Fabian Chacur

A Universal Music acaba de selecionar mais um título importante da nobre discografia de Gilberto Gil e dar nele um banho de loja em termos visuais e tecnológicos. Desta vez, trata-se de Gilberto Gil, lançado originalmente em 1969 e gravado em um período particularmente terrível na vida do cantor, compositor e músico baiano.

As gravações foram realizadas nos meses de abril e maio daquele ano, período no qual Gil estava confinado na Bahia, após ter sido preso ao lado do Mano Caetano em dezembro de 1968 e ficado no Rio longe de seus familiares, amigos e dos inúmeros fãs Brasil afora. A Ditadura Militar os encarcerou de forma arbitrária. Felizmente eles saíram vivos para contar a história.

Sem poder sair de Salvador depois de ser solto e antes do exílio posterior em Londres, Gil gravou voz e violão por lá, nos estúdios J.S., com o acompanhamento instrumental sendo registrado nos estúdios Scatena, em São Paulo, e Phillips, no Rio. Os arranjos e orquestrações ficaram a cargo do genial maestro Rogério Duprat. Felizmente, essa separação geográfica não transmitiu frieza aos registros. Pelo contrário.

O time que participou do CD é conciso e excepcional. No baixo elétrico, o ótimo Sérgio Barroso. Na guitarra, Lanny Gordin, que deu um tempero hendrixiano ao álbum. O também maestro Chiquinho de Moraes arrasou nos teclados, enquanto o lendário Wilson das Neves, hoje conhecido como o “baterista do Chico Buarque”, deu um banho de swing com as baquetas.

No geral, o álbum traz letras que falam muito de futuro, de ficção científica e da relação homem-máquina, com direito a uma sonoridade pontuada pelo rock and roll a la Jimi Hendrix, mas também com muito forró, samba, jazz, experimentalismo e o que pintasse.

O momento máximo é a contagiante Aquele Abraço, samba exaltação no qual Gil bota pra fora, com muita garra e um pouco de raiva, a energia negativa acumulada durante a prisão, com direito aos versos “o meu caminho eu mesmo traço”. Um dos melhores sambas de todos os tempos, possivelmente o maior sucesso da brilhante trajetória de Gil Black Gil.

Mas o CD tem muito mais, como a empolgante Cérebro Eletrônico, a deliciosa Volks-Volksvagen Blue, a releitura roqueira do baião 17 Légua e Meia (de Humberto Teixeira e Carlos Barroso), a gostosa 2011 (de Tom Zé e Rita Lee), a misteriosa Futurível, a irônica A Voz do Vivo (de Caetano) e a filosófica Vitrines.

Gil reservou para o final Objeto Semi-identificado, feita em parceria com Rogério Duarte e Rogério Duprat e, guardadas as devidas proporções, sua faixa equivalente a Revolution Nº9, dos Beatles, com direito a jeitão de música concreta, trechos musicais de várias origens e a leitura de textos filosóficos e intrincados.

O encarte traz as letras, ficha técnica e reprodução do material incluído na edição original em vinil. A capa não inclui foto do artista, cuja cabeleira afro havia sido raspada pelos militares que o aprisionaram. O desenho e os textos que estão nessa capa tornam a aura do álbum ainda mais enigmática e experimental.

O conteúdo musical criativo e original, no entanto, não perde nada em fluência e capacidade de ser compreendido pelo ouvinte médio. Gilberto Gil (1969) é seguramente um dos melhores discos do autor de Expresso 2222, e soa tão instigante nesse sofrido 2013 como soava naquele também sofrido (por outras razões, obviamente) 1969.

– Aquele Abraço, Gilberto Gil:

– Cérebro Eletrônico, Gilberto Gil:

– 17 Légua e Meia, Giberto Gil:

Slowhand, de Eric Clapton, volta no capricho

January 9, 2013 / / 2 Comments

Por Fabian Chacur

Como vender discos inéditos está se tornando uma tarefa cada vez mais difícil (embora não impossível, felizmente), a indústria fonográfica está há algum tempo apostando em reedições matadoras no formato físico de álbuns clássicos, aqueles que os fãs de bom gosto precisam ter em suas coleções.

Acaba de chegar às lojas brasileiras uma reedição que eu recomendo com entusiasmo. Trata-se da versão comemorativa de 35 anos de lançamento de Slowhand, um dos melhores e mais vendidos álbuns da carreira do genial cantor, compositor e guitarrista britânico Eric Clapton.

O álbum é oferecido em formato digipack que reproduz a embalagem capa dupla do original em vinil, acrescentando novas fotos, um fantástico encarte repleto de informações e fotos, quatro faixas-bônus e um CD adicional com gravações ao vivo.

Gravado em Londres em maio de 1977, Slowhand traz três dos maiores sucessos da carreira do ex-integrante do Cream: o rockão Cocaine (escrita por J.J.Cale), a doce balada Wonderful Tonight e o country swingado Lay Down Sally. Mas o álbum traz outros atrativos bem fortes.

O rockão The Core, por exemplo, que Clapton canta em dueto com a coautora da faixa, a excelente Marcy Levy (letrista de Lay Down Sally, por sinal). A deliciosa e delicada canção country Next Time You See Her, a releitura turbinada do blues Mean Old Frisco (de Arthur Big Boy Crudup, que também escreveu That’s Alright Mama, hit com Elvis Presley) e a ótima May You Never (de John Martyn) também cativam o ouvinte.

Influenciado pelo grupos The Band e Delaney, Bonnie & Friends (com quem gravou, por sinal) e pelo amigo George Harrison, Clapton mergulhou de cabeça no mundo das canções, usando sua incrível habilidade como guitarrista a favor delas, deixando preciosismos e egotrips bem longe. Isso, além de cantar de forma impecável e versátil. E pensar que ele se achava um mau cantor… Vai se autoavaliar de forma errada ali adiante!

A seu lado, uma excelente banda de apoio usada nos shows, que ele sabiamente resolveu levar para o estúdio também. Com a produção a cargo do experiente Glynn Johns (que trabalhou com The Who, Eagles e inúmeros outros), ele conseguiu gravar Slowhand em apenas seis semanas, contando o período de mixagem.

As quatro faixas bônus adicionadas às nove do trabalho original são excelentes, com destaque para Looking At The Rain (escrita por Gordon Lightfoot), e poderiam perfeitamente ter entrado no disco, na época. Um ótimo resgate.

O CD bônus inclui nove clássicos do repertório de Eric Clapton solo, do Cream e do Blind Faith, gravados ao vivo em show no Hammersmith Odeon de Londres no dia 27 de abril de 1977, ou seja, em torno de uma semana antes das gravações do álbum. O entrosamento dos músicos é impressionante, assim como a energia das performances.

Bem bacana ouvir Steady Rolling Man, do mestre do blues Robert Johnson, e descobrir ali o riff utilizado pouco depois nas gravações de Lay Down Sally, em um contexto completamente diferente. Ou Can’t Find My Way Home (de Steve Winwood e gravada pelo Blind Faith, supergrupo do qual Clapton fez parte), com belíssima interpretação vocal a cargo de Yvonne Elliman (que fez sucesso ao gravar If I Can’t Have You para a trilha do filme Os Embalos de Sábado à Noite, curiosamente lançada naquele mesmo 1977).

As longas versões de Tell The Truth, Stormy Monday e I Shot The Sheriff dão bons espaços para as improvisações dos músicos, que os aproveitam com sabedoria. Mais compactas, Further On Up The Road, Badge e Knocking On Heaven’s Door também são ótimas.

Se Slowhand já era um álbum indispensável para os fãs do melhor rock melódico, imaginem agora, nessa reedição primorosa. Vale cada centavo que você investir nela.

Ouça The Core:

Ouça Lay Down Sally:

Ouça Next Time You See Her:

Tio Caetano vira sobrinho ágil em Abraçaço

December 17, 2012 / / 0 Comments

Por Fabian Chacur

Aos 70 anos de idade, Caetano Veloso parece qualquer coisa, menos um septuagenário como imaginávamos antigamente alguém com essa idade. O sujeito está mais inquieto e criativo do que nunca. Abraçaço, seu novo CD, está mais para trabalho de sobrinho do que de tio. Ótimo, um dos melhores de 2012.

Desde o início de sua carreira, nos já distantes anos 60 do século passado, Caetano nunca se limitou a uma única sonoridade/abordagem/estilo em seus trabalhos. Abrangente no limite do impensável, ele é um artista sempre inquieto, e que, por isso, nem sempre consegue agradar a todos. Provavelmente nem pretende tal feito, por maior que seja o seu ego de leonino.

A fase atual, iniciada com o estupendo Cê (2006) e que o une aos excelentes Pedro Sá (guitarra e vocais), Ricardo Dias Gomes (baixo, teclados e vocais) e Marcelo Callado (bateria, percussão e vocais), é uma das mais interessantes dessa trajetória toda.

O Caê das melodias delicadas e bossa-novistas e dos ritmos afrobaianos se encaixa feito luva no universo rock and roll do jovem trio de músicos. O melhor: o autor de Sampa mergulha no rock, mas a Banda Cê também não tem medo de enfiar a cara na brasilidade inerente ao som do astro baiano. Resultado: mistura da boa.

O rockão com direito a eventual quebradeira bossa de A Bossa Nova É Foda é o grande single do disco, com sua letra repleta de palavras sonoras e difícil decodificação. Seria algo no estilo “O mundo se curvou ao Brasil”, tendo a bossa nova como base? Essa é a minha interpretação. Descole a sua! Devem existir pelo menos uma outras mil possíveis.

Abraçaço traz solos endiabrados de guitarra de Pedro Sá, enquanto Estou Triste é um daqueles momentos introspectivos roqueiros a la Radiohead, embora sem soar como cópia barata. Quero Ser Justo é uma variação mais próxima da MPB da mesma tendência de Estou Triste, mas com clima mais Sampa.

O Império da Lei soma uma levada sambaiana animada a uma letra curta e de forte teor político. E a política é também tema de Um Comunista, homenagem a Carlos Marighella que soa ambígua, defendendo e não defendendo ao mesmo tempo, o que é bem próximo do pensamento acerca desse tema do tipo campo minado.

Em Funk Melódico e O Galo Cantou, Caetano experimenta inserir em sua musicalidade elementos respectivamente do funk carioca e do pagode romântico, felizmente sem cair nos chavões/clichês mais medíocres e repetitivos dos dois estilos.

Vinco equivale ao ponto jazzy do disco, com levada lenta, guitarra e violões limpos e bateria com vassourinha. Um quase blues, com tempero bossa e repleto de delicadeza, ideal para quem gosta do Caetano mais tradicional.

Os apreciadores do lado mais sacudido e leve do eterno tropicalista certamente curtirão Parabéns, que equivale a um novo fruto do veio que gerou A Luz de Tieta e Não Enche, entre outras. Não por acaso, de longe a pior do CD.

E se Abraçaço abriu com a ousada e virulenta A Bossa Nova É Foda, teve como encerramento a única faixa assinada por outro autor, uma inédita do tropicalista Rogério Duarte.

Trata-se de Gayana, que entra naquele elenco de canções escancaradamente românticas tipo Lua e Estrela, Você é Linda, Sozinho e Você Não Me Ensinou a Te Esquecer. Um bom exemplar dessa tendência.

No geral, Abraçaço equivale a um trabalho diversificado, repleto de nuances e sutilezas que surgem a cada nova audição, e que deixa claro o porque o caetanismo continua firme e forte, quase 50 anos depois de seu surgimento.

Ouça A Bossa Nova é Foda, com Caetano Veloso:

Ouça Um Comunista, com Caetano Veloso:

DVD/CD mostram Amy Winehouse à vontade

December 7, 2012 / / 2 Comments

Por Fabian Chacur

Dizem que mesmo um fato horrível como a morte tem algo de bom. No caso de Amy Winehouse, que nos deixou prematuramente aos 27 anos de idade no dia 23 de julho de 2011, é o fato de que, nos últimos meses, seu nome só tem vindo à tona quando o assunto é música, deixando seu lado polêmico e triste de lado.

Após o ótimo Lioness: Hidden Treasures (2011), a Universal Music lança um novo trabalho póstumo da saudosa cantora e compositora britânica. Trata-se de Amy Winehouse At The BBC, que traz um CD de áudio com 14 faixas e um DVD com o registro de um show intimista e histórico.

O CD conta com gravações feitas ao vivo por Amy com exclusividade para a BBC de Londres entre 2004 e 2009, nas quais a cantora esbanja carisma, pique e aquela voz mezzo jazzista, mezzo roqueira, mezzo pop e mezzo soul que cativou milhóes de fãs no mundo todo.

Se o lado áudio do pacote é muito legal, é no DVD que se encontra o ponto alto deste lançamento. Trata-se do documentário The Day She Came To Dingle, que mostra a participação da cantora em dezembro de 2006 no projeto Other Voices, realizada na pequena cidade litorânea de Dingle, na Irlanda. Ela estava às vésperas de estourar em termos mundiais.

Amy cantou em uma pequena igreja, com capacidade para 85 pessoas, acompanhada apenas pelo baixista Dale Davis e pelo guitarrista Robin Banerjee. A bela acústica do prédio e o teor intimista da apresentação deixaram a intérprete totalmente à vontade, e o resultado foi um show simplesmente arrasador, basicamente com o repertório do CD Back To Black.

Ela interpreta as canções Tears Dry On Their Own, You Know I’m No Good, Love Is a Losing Game, Back To Black, Rehab e Me & Mr. Jones. Os felizardos presentes na plateia se mostram totalmente cativados pelo furacão Winehouse.

A entrevista concedida pela cantora no evento é também sensacional, pois nela Amy fala com desenvoltura e simplicidade sobre seus ídolos na música, com direito a cenas desses mestres da música, entre os quais Ray Charles, Mahalia Jackson, Thelonius Monk, The Shangri-las, Carleen Anderson e Soweto Omar Kinch.

Amy Winehouse At The BBC também inclui um belo livreto repleto de fotos bacanas e informações sobre as gravações de áudio e de vídeo. Trata-se de um lançamento que não tem o menor teor de caça-níqueis, sendo recomendado não só aos fãs mais fanáticos, como para qualquer pessoa que queira desfrutar desse imenso talento que nos deixou tão cedo.

Veja trechos do vídeo The Day She Came To Dingle:

Tears Dry On Their Own, com Amy Winehouse, ao vivo em Dingle:

A Barca dos Amantes- Milton Nascimento (1986/Polygram)

December 6, 2012 / / 2 Comments

Por Fabian Chacur

A excelente Coleção Milton Nascimento, lançada de forma primorosa pela Editora Abril, chegou a seu final recentemente com um título não muito conhecido do grande público, o álbum ao vivo A Barca Dos Amantes (1986). Vale a pena dar um destaque a esse CD, cuja qualidade é das melhores.

Trata-se logo de cara de um trabalho histórico, pois registra o primeiro encontro nos palcos de Milton e o saxofonista americano Wayne Shorter, com quem o Bituca havia gravado dois belos discos de estúdio nos EUA na década de 70, Native Dancer (1975) e Milton (1976), este último também parte desta coleção da Abril.

O espetáculo ocorreu na primeira versão do Projeto SP, montado debaixo de uma lona de circo na rua Caio Prado, quase na esquina com a Rua Augusta, no centro de São Paulo, local que abrigou shows históricos de gente como Stanley Clarke, Titãs, Marina Lima, Paralamas do Sucesso, Lobão e muitos outros naquele 1986.

Milton teve a seu lado uma banda de craques da MPB integrada por Robertinho Silva (bateria e percusão), Ricardo Silveira (guitarra), Nico Assumpção (baixo) e Luiz Avellar (teclados). Das nove faixas, Shorter marca presença em quatro: as então inéditas Pensamento (Milton/Fernando Brant) e Nós Dois (Milton/Luiz Avellar) e nos clássicos Tarde (Milton/Márcio Borges) e Maria Maria (Milton/Fernando Brant).

O entrosamento entre os dois se mostrou impecável, com direito a solos de sax iluminados do ex-integrante do célebre grupo de jazz Weather Report se encaixando feito luva na sonoridade de Milton e sua banda. Um desbunde total.

A participação do jazzista americano é a cereja do bolo, que traz outros momentos marcantes em termos puramente musicais. O álbum abre com uma empolgada releitura de Nuvem Cigana (Milton/Lô Borges), do mitológico Clube da Esquina (1972).

A Barca dos Amantes, inédita, é uma parceria de Milton Nascimento com o compositor, cantor e músico português Sérgio Godinho. Lançada no álbum Missa dos Quilombos (1982), Louvação a Mariama cativa pelo swing, enquanto Lágrimas do Sul (Milton/Marco Antonio Guimarães) saiu originalmente em Encontros e Despedidas (1985) e homenageia divinamente Winnie Mandela em um libelo anti-racismo.

Se o disco como um todo é maravilhoso, deixei para o fim seu momento mais belo. Trata-se da releitura de Amor de Índio (Beto Guedes/Ronaldo Bastos), com arranjo mais lento do que o da versão original de Beto Guedes, e no qual Milton dialoga de forma inspiradíssima com o tecladista Luiz Avelar, dando ainda mais força aos versos doces de Ronaldo Bastos.

A Barca dos Amantes encerrou na época o contrato de Milton com a Polygram, ele que havia se transferido para a antiga CBS (hoje Sony Music) por uma fortuna. Um pecado esse trabalho não ter feito o sucesso que merecia. Um dos melhores discos ao vivo da história da MPB e merecedor de uma reavaliação por parte de críticos e do público.

Amor de Índio, ao vivo, com Milton Nascimento:

Caixa reúne CDs clássicos de Fafá de Belém

December 3, 2012 / / 2 Comments

Por Fabian Chacur

Poucas intérpretes da história da MPB começaram suas trajetórias com tanta força como Fafá de Belém. Em 1975, com apenas 19 anos, ela estourou nacionalmente com a música Filho da Bahia, trilha da novela global Gabriela. No ano seguinte, lançou seu primeiro álbum, Tamba Tajá, com boa repercussão.

Até o fim dos anos 70, a cantora paraense conseguiu consolidar sua carreira no cenário nacional graças a três álbuns excelentes: Água (1977), Banho de Cheiro (1978) e Estrela Radiante (1979).

A Universal Music está resgatando esses três álbuns em versões remasterizadas e luxuosas na caixa Três Tons de Fafá de Belém, com direito a embalagem luxuosa, encartes repletos de informações e com textos e organização a cargo do produtor Thiago Marques Luiz.

Água traz como marca a presença de sonoridades de várias regiões do Brasil, especialmente do Norte, e canções marcantes como Pauapixuna, Ontem Ao Luar, Raça, Sedução e Foi Assim. A nova versão conta com quatro faixas bônus: Emoriô, Naturalmente, Não Há Dinheiro Que Pague e uma versão em espanhol de Foi Assim.

Banho de Cheiro segue o mesmo espírito do trabalho anterior, e emplacou hits como Dentro de Mim Mora Um Anjo, Maria Solidária, Moça do Mar e Tanto.

O romantismo mais refinado é a marca de Estrela Radiante, como provam baladas belíssimas como Sob Medida, Memória e Que Me Venha Esse Homem, provando ser possível falar de amor sem cair em lugares comuns já frequentados por outros artistas.

Vale ressaltar a qualidade dos músicos que participam desses discos, que inclui entre outros gente do naipe de Wagner Tiso, Antonio Adolfo, Chico Batera, João Donato, Luis Alves, Francis Hime, Artur Verocai, Raul Mascarenhas e Cristóvão Bastos.

Três Tons de Fafá de Belém é uma boa oportunidade para reavaliarmos o lugar de Fafá de Belém na MPB, praticamente esquecida por boa parte dos críticos, embora tenha em seu repertório discos com a excelência dos três trabalhos incluídos nesta bela caixa.

Foi Assim, com Fafá de Belém:

Sedução, com Fafá de Belém:

Expresso 2222 volta em reedição luxuosa

November 27, 2012 / / 4 Comments

Por Fabian Chacur

Álbum que marcou a volta de Gilberto Gil ao Brasil em 1972 após um exílio involuntário de quase três anos, Expresso 2222 volta às lojas em luxuosa edição comemorativa remasterizada e com reprodução da embalagem original do álbum, incluindo encarte com letras e ficha técnica completa. Estão à venda versões em CD e LP de vinil. O comentário de Mondo Pop a seguir leva em conta a edição em CD.

A qualidade de áudio ficou muito boa, ressaltando os elementos acústicos imprimidos à obra, enquanto a parte visual mereceu um apuro técnico elogiável. O único ponto fraco fica por conta da exclusão das faixas bônus da reedição anterior, mantendo apenas as nove faixas do disco original. Ficaram de fora, portanto, Cada Macado No Seu Galho (Cho Chuá), Vamos Passear no Astral e Está na Cara Está na Cura.

O álbum abre com a interpretação instrumental rústica e cativante de Pipoca Moderna (Caetano Veloso e Sebastiano Biano), com a Banda de Pífaros de Caruaru, como que apresentando as raízes da música nordestina em sua forma mais crua e em seu habitat natural.

Logo a seguir, temos Back In Bahia (Gil), um rockão com a cara de 1972 e cuja letra fala sobre esse retorno do tropicalista a seu país. A seu lado, uma banda composta por Lanny Gordin (guitarra), Bruce Henry (baixo), Antonio Perna (teclados) e Tutty Moreno (bateria).

O Canto da Ema (Ayres Viana, Alventino Cavalcante e João do Vale) surge como uma espécie de síntese entre a crueza de Pipoca Moderna e eletricidade de Back In Bahia, propondo uma mistura da tradição do forró com a modernidade do rock. O resultado é empolgante, com direito a um forró sacudido sem a presença de seu instrumento primordial, a sanfona.

Clássico do repertório de Jackson do Pandeiro, Chiclete Com Banana já propunha há mais de uma década o que Gil pôs em prática nesse disco, a mistura do chiclete americano com a banana tupiniquim, e ganha aqui uma versão beirando o lado mais rítmico e interessante da bossa nova. Metalinguagem de primeiríssima linha. Ele e Eu é outro momento rock and roller de Gil e seus músicos, com direito a tempero brasileiro e blueseiro.

Sai do Sereno (Onildo Almeida) é outra bela tentativa bem-sucedida de fundir forró e rock, com direito aos vocais de uma endiabrada Gal Costa duelando com Gil e dando uma vitaminada geral na mistura, com direito a uns surpreendentes acordes e convenções jazzísticas aqui e ali, fruto do imenso talento de Lanny Gordin.

A parte final do álbum nos oferece três faixas nas quais a incrível habilidade de Gilberto Gil como violonista e cantor ficam exacerbadas. A incrivelmente rítmica faixa título equivale a um roteiro da viagem feita durante todo o álbum, um mergulho futurista em uma nova dimensão na qual a miscigenação sonora inteligente e criativa não tem fim.

Se em Expresso 2222 o genial astro baiana ainda se vale de alguma percussão, em O Sonho Acabou e Oriente é só ele, no melhor esquema voz e violão. E aí, a viagem se torna simplesmente irresistível. A primeira se vale da célebre frase de John Lennon e de certa forma ironiza o fim de um sonho que, na verdade, estava mais do que vivo naquele momento.

E já que toquei no tema metalinguagem, Oriente utiliza esse recurso com habilidade impressionante, brincando com as possibilidades da palavra em termos geográficos (influências orientais permeiam os acordes tocados por Gil no violão) e existenciais (se oriente, rapaz). Viajante, a faixa fecha o álbum com um quê de psicodelismo.

Expresso 2222 consegue abrigar minimalismo, modernidade, fusão de várias tendências músicais, genialidade dos músicos e um Gilberto Gil em estado de graça como compositor, violonista, cantor e intérprete de material alheio. Um álbum simplesmente maravilhoso, indispensável para os fãs de música sem fronteiras e sem amarras.

Expresso 2222, com Gilberto Gil, ao vivo em programa na Globo em 1972:

No Doubt volta com álbum pop exemplar

November 7, 2012 / / 2 Comments

Por Fabian Chacur

Foram longos 11 anos fora de cena, período durante o qual só tivemos uma canção nova incluída na coletânea The Singles 1992-2003, a releitura de It’s My Life, sucesso oitentista do Talk Talk. Mas o vazio acabou, e finalmente temos um novo álbum do No Doubt para curtir, Push And Shove, que a Universal Music acaba de lançar no Brasil. Felizmente, valeu a espera.

A expectativa criada em torno do novo álbum do grupo integrado por Gwen Stefani (vocal), Tony Kanal (baixo), Tom Dumont (guitarra) e Adriam Young (bateria e percussão) aumentou ainda mais quando o matador single Settle Down começou a tocar nas rádios e nas MTVs da vida, com sua levada ultra-dançante na linha raggamuffin eletrônica.

Do início como banda de ska há longos 26 anos, o grupo californiano evoluiu e estourou em 1996 com Tragic Kingdom, álbum no qual passou a apostar em uma sonoridade mais abrangente, com direito a ska, mas também a raggamuffin, pop eletrônico, rock, dance music e black music, além de baladas aqui e ali.

O novo álbum mantém essa pegada, desta vez sem se valer de vários produtores da moda e concentrando o trabalho na mão de Mark “Spike” Stent, que já habia trabalhado antes com o quarteto, mas não com esse espaço todo. E valeu a pena a aposta no “prata da casa”, pois o álbum soa diversificado e sem ficar repetindo fórmulas o tempo todo.

A sonoridade de Push And Shove tem um forte sabor do pop dos anos 80 filtrado para a musicalidade de agora, com ecos de New Order, Madonna, Kylie Minogue e UB 40, sem no entanto cair numa repetição de clichês. Pelo contrário. As 11 canções se pautam por boas melodias, batidas bacanas e timbres instrumentais bem escolhidos.

A ala mais afeita ao raggamuffin eletrônico do CD inclui, além de Settle Down, a energética Looking Hot, a quase reggae Sparkle e a faixa título, essa com um tempero meio Black Eyed Peas. Com timbragem que lembra o New Order, especialmente nas guitarras, Heaven é simplesmente um eletro-rock delicioso.

Para quem virou fã do grupo da loirinha Gwen Stefani graças a Don’t Speak, temos aqui duas baladas diferentes entre si, mas mortais, daquelas de cortar os pulsos. Easy, apaixonamente e com aquele timbre de guitarra do hit It Must Have Been Love, do Roxette, deixará qualquer apaixonado longe do ser amado à beira das lágrimas.

E para se emocionar no melhor clima de rock balada daqueles de fazer todos em um estádio acenderem os celulares (antes eram os isqueiros…) temos Undone, aquele tipo de balada romântica que, se entrar em uma trilha de novela, vira mania nos quatro cantos do país e entra nas paradas de sucesso a mil por hora.

One More Summer e um roquinho bacana que equivale ao que seria o New Order com Madonna anos 80 nos vocais, enquanto Gravity é pop rock eletrônico puro, Kyle Minogue style. Undercover, com mais teclados, vai pelo mesmo caminho, e bem, também.

Dreaming The Same Dream encerra a festa a festa como se estivesse saindo do True Love (1986), da Madonna, ou coisa assim. Mas justiça se faça: as influências são essas, mas o No Doubt soa como No Doubt, sem xerocopiar na cara dura.

Se vivêssemos outros tempos, Push And Shove seria daqueles discos que se manteriam durante meses entre os mais vendidos e emplacando single atrás de single. Como hoje tudo mudou, o álbum estreou na terceira posição da Billboard e já despencou para abaixo do número 70. Tomara que esse álbum consiga uma reviravolta, pois é um belo exemplo de música pop bem feita, diversificada e que não apela para tentar conquistar os fãs.

Ouça Easy, com o No Doubt:

Ouça Heaven, com o No Doubt:

Ouça Undone, com o No Doubt:

Greatest Hits- Seals & Crofts (1975-Warner)

November 2, 2012 / / 2 Comments

Por Fabian Chacur

Ah, o ano de 1972! Trata-se de uma época mágica para mim, quando tinha dez anos de idade (completei onze em setembro) e comecei a comprar discos, especialmente compactos singles, aqueles com uma música de cada lado. Um deles incluia as músicas Summer Breeze de um lado e East Of Ginger Trees do outro.

Summer Breeze colocou pela primeira vez nas paradas de sucesso do mundo a dupla Seals & Crofts. Seus integrantes, no entanto, já haviam rodado muito até então. James Seals (vocais, violão, guitarra, violino, sax) nasceu em 1941, enquanto Dash Crofts é um ano mais velho. Eles se conheceram crianças, e começaram a tocar em 1958.

Até os idos de 1965, integraram a banda The Champs, que estourou meses antes de eles entrarem a bordo, com a célebre instrumental Tequila.. Em 1966, após muitas idas e vindas, criaram o grupo Dawnbreakers ao lado do guitarrista Louie Shelton. A banda, no entanto, acabou em 1970. Seals e Crofts resolveram continuar, agora como duo.

Shelton se tornou produtor e assumiu essa função nos discos do duo. Dois discos foram lançados por um selo independente e pouco venderam, mas a consistência de seu trabalho atraiu as atenções da gravadora Warner, que os contratou. No início de 1972, o álbum Year Of Sunday chegou às lojas, mas também patinou nas vendas.

Felizmente os executivos da Warner continuaram acreditando em seus contratados, e naquele mesmo 1972, Summer Breeze quebrou a zica dos músicos oriundos do estado do Texas. Com sua melodia marcante, letra evocativa e romântica e arranjo com forte teor acústico, a canção os inseriu no cenário do bittersweet rock de James Taylor.

Com vocalizações marcantes e um coquetel sonoro composto por folk, country,rock e pop muito bem arquitetado, Seals & Crofts continuariam emplacando outros sucessos bacanas, entre os quais Diamond Girl, We May Never Pass This Way (Again), When I Meet Them, Ruby Jean And Billie Lee. Em 1975, chegou às lojas a coletânea Greatest Hits, com 10 faixas e um bom resumo de sua era de ouro.

Greatest Hits é daqueles álbuns que você pode ouvir de ponta a ponta sem susto, e serve como bom resumo do bittersweet rock melódico e repleto de mensagens positivas, algumas oriundas da filosofia oriental Baha’i seguida pelos amigos e de cuja “bíblia” foram extraídas algumas das inspirações de suas letras. Hipongas, sim, mas com consistência.

Até o fim dos anos 70, o duo emplacou outros hits, como Get Closer, e até flertou com a disco music. A partir de 1980, quando lançaram The Longest Road (com participações especiais de Stanley Clarke e Chick Corea), James Seal se tornou compositor e artista country, enquanto Dash Crofts deu uma sumida. Nos anos 90, eles fizeram shows com a banda australiana de soft-folk-country rock Little River Band. Mas suas músicas continuam emocionando.

Summer Breeze, com Seals & Crofts:

We May Never Pass This Way (Again), com Seals & Crofts:

Diamond Girl (Live), com Seals & Crofts:

When I Meet Them – Diamond Girl – Ruby Jean And Billie Lee – Seals & Crofts:

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