Mondo Pop

O pop de ontem, hoje, e amanhã...

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Cringe: nova briguinha entre gerações que move o mercado

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Por Fabian Chacur

Há algumas semanas, posts de influencers digitais da chamada geração Z, que de forma geral encampa os nascidos mais ou menos entre 1995 e 2010, resolveram apontar aquilo que acham constrangedor nos costumes da geração imediatamente anterior à sua, a denominada millenial ou Y, com os nascidos entre 1980 e 1994. Para rotular essa turma dos costumes “constrangedores”, buscaram um termo em inglês: cringe. Pronto. Surgia uma polêmica que certamente será uma das mais intensas deste ano de 2021. E que vale uns comentários genéricos por aqui.

Para os atuais adolescentes e jovens adultos, seus “irmãos mais velhos” causam vergonha alheia por curtir itens como calças skinny, sapatilhas, emojis de sorriso, rsrs para representar risadas, a série televisiva Friends, o rock grunge, falar boletos para se referir a contas, litrões de cerveja e até mesmo tomar café da manhã. Valendo-se de outro termo popularizado recentemente, podemos deduzir que eles acham que tais costumes deveriam ser “cancelados”.

Ora, o que um cara que está em vias de completar 60 anos de idade como eu tem a ver com isso, perguntaria você? E a resposta é essa: como é divertido ver a forma que os comportamentos humanos se repetem, em novos formatos, mas basicamente com as mesmas características, no decorrer das décadas.

O início dessa coisa do “conflito de gerações” de certa forma teve início na década de 1950, com o advento da TV e também da expansão de meios de comunicação como o cinema e o rádio. Os nascidos na década de 1940, apelidados de baby boomers, foram provavelmente os primeiros a buscar ídolos próprios e a desafiar de forma mais incisiva os costumes de seus pais e parentes. A geração do rock and roll inicial é o marco dessa conversa aqui.

Esse comportamento se reforçaria nos anos 1960 com o advento dos Beatles, Rolling Stones, geração paz e amor, psicodelia e por aí vai. Esse cenário, no aspecto musical, tomaria novos rumos a partir do momento em que os conflitos mudaram de setor. Do imbroglio entre pais e filhos, vamos para o de irmãos mais novos com os irmãos mais velhos. E isso ocorre nos idos de 1976.

Sim, você já adivinhou. O ponto de virada é o surgimento do punk rock, uma reação agressiva e despojada contra a fase que o rock vivia naqueles tempos, com o rock progressivo e o heavy metal sendo considerados por alguns como um afastamento das origens do rock and roll original, dando ao gênero uma conotação mais sofisticada e de certa forma elitista e distanciada do público sem dinheiro para pagar ingressos caros de shows. Nas brigas entre punks e progressivos-headbangers surgia a essência dessa coisa de cringe.

Nos anos 1980, como uma espécie de desenvolvimento lógico do punk, surgia a new wave, propondo roupas coloridas, cabelos mais curtos e com cortes espetados e no formato mullets como contraponto aos cabelos compridos e barbas da década anterior. Desde então, os conflitos entre as gerações que se alternam nos holofotes da mídia em geral geram novas trocas de posições entre o que é “in” e o que é “out”.

Esses duelos geracionais são essenciais para a manutenção das indústrias ligadas aos jovens, especialmente as da música e da moda. Aliás, aquela mudança iniciada na década de 1950 tinha muito a ver com o surgimento, pela primeira vez, de um setor de comércio dedicado especialmente à chamada juventude, que deixava de se vestir e de curtir as músicas dos adultos, buscando seus próprios objetos de consumo, ídolos e sonhos.

Como as ideias não são inesgotáveis, o que ocorre com uma certa frequência é o cancelamento e o, digamos, “descancelamento” dos costumes conforma a conveniência do dia. Os cabelos com estilo mullet dos anos 1980 popularizados por cantores como Bono (U2) foram totalmente ridicularizados a partir dos anos 1990, mas reapareceram recentemente no visual de cantoras como Miley Cyrus, por exemplo.

O punk já foi oposição e virou moda. O visual hippie foi tido como “visual bicho grilo” de forma pejorativa a partir dos anos 1980, mas voltou com tudo anos depois. A disco music foi execrada por muitos a partir do início dos anos 1980, mas teve sua reabilitação a partir de meados dos 1990. Admitir ser fã do grupo sueco Abba era atestado de suicídio para quem queria ser respeitado na cena musical durante a década de 1980, e hoje é sinal de bom gosto. E por aí vai.

Ser cringe é basicamente não estar nos holofotes da moda atual, seja ela qual for e em que setor for- música, roupas, cinema, TV etc. Algo obviamente intensificado ao máximo pela rapidez da era da internet. Ou seja, a garotada que hoje, no auge de sua juventude, cai na gargalhada kkkk para ironizar seus irmãos mais velhos não perde por esperar o dia de se tornarem eles próprios os cringes da próxima geração, obviamente com o surgimento de um novo termo pejorativo-preconceituoso para denominá-los. E assim a vida segue.

Agora é Moda– Rita Lee:

Bob Dylan celebra 80 anos ainda muito relevante e bastante ativo

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Por Fabian Chacur

No dia 19 de novembro de 1995, Bob Dylan participou de um show que celebrou os 80 anos de vida de Frank Sinatra. Ele interpretou a canção Restless Farewell no palco do The Shrine Auditorium, de Los Angeles. Posteriormente, regravaria algumas das canções que consagraram The Voice no álbum Shadows In The Night (2015). Agora, chega a vez dele, autor de clássicos como Blowin’ In the Wind, comemorar oito décadas de vida nesta segunda-feira (24) ainda se mantendo bastante relevante e produtivo.

O termo lenda vida (living legend, em inglês) de certa forma se banalizou nas últimas décadas, mas cabe feito luva se nos referirmos a Bob Dylan. Afinal de contas, não faltam elementos para se justificar chamá-lo dessa forma. Para começo de conversa, trata-se da única pessoa a ter em sua estante de troféus ao menos um exemplar de Grammy, Oscar, Globo de Ouro, Pulitzer e Nobel. E isso não ocorreu por acaso ou protecionismo.

Nascido em 24 de maio de 1941, Robert Allen Zimmerman tinha como ídolos Little Richard e Woody Guthrie, dois artistas teoricamente incompatíveis em termos de estilos musicais. Coube a ele ser um dos pioneiros na mistura desses dois caminhos musicais, e ajudou de forma decisiva o rock a ganhar respeitabilidade cultural, graças a letras profundas e com forte conteúdo social.

Inicialmente, Dylan tornou-se conhecido graças a canções folk de temática social como Blowin’ In The Wind e The Times They Are-a-Changing. Em seu 5º álbum, Bringing It All Back Home, surpreendeu os fãs ao injetar fortes doses de rock and roll naquela sonoridade, caminho aprofundado no seminal álbum seguinte, Highway 61 Revisited, lançado naquele mesmo 1965 e incluindo um dos hinos máximos da música popular, a fantástica Like a Rolling Stone.

Nos shows que realizou entre o final de 1965 e a primeira metade de 1966, explicitou essa adesão ao rock, embora sem abandonar sua veia folk. Parte dos fãs, especialmente os seguidores xiitas do folk, passaram a vaiá-lo, com alguns o chamando de Judas, como se estivesse traindo um movimento. Radicalismo purista. Na verdade, Dylan nunca traiu seus princípios, e nem a si mesmo.

Nesses shows, foi acompanhado por um time de músicos que, oriundos do Canadá, ficariam conhecido mundialmente a partir de 1968 como The Band, um dos melhores e mais importantes grupos de rock de todos os tempos. Em 1967, quando o músico americano se recuperava de um grave acidente de moto sofrido no ano anterior, ele gravaria com os amigos um repertório de músicas que só seria lançado em 1975 com o título The Basement Tapes.

A partir deste momento, a trajetória de Bob Dylan se mostra sempre repleta de elementos imprevisíveis. Lançou discos com pegada country. Investiu em sonoridade próxima do gospel. Quando era tido como decadente, voltou em 1974 com Planet Waves, álbum que o colocou no 1º lugar da parada americana pela primeira vez. A turnê que realizou para divulgá-lo, novamente acompanhado pelo The Band, rendeu um dos melhores álbuns ao vivo de todos os tempos, o sublime Before The Flood, lançado naquele mesmo 1974 e atingindo o 3º lugar nos charts.

Daí pra frente, o autor de Like a Rolling Stone sempre surpreendeu. Lançou uma polêmica trilogia de discos para celebrar sua adesão ao cristianismo. Voltou às paradas de sucesso com mais força com Infidels (1983). Nos anos 1980, fez concorridos shows ao lado do Grateful Dead e também com Tom Petty And The Heartbreakers.

Em 1988, integrou um verdadeiro super grupo, The Traveling Wilburys, ao lado de Roy Orbison, George Harrison, Tom Petty e Jeff Lynne, com o qual lançou dois festejados álbuns. Nos anos 1990, foi um dos vários artistas a lançar um álbum Unplugged em parceria com a MTV. O público brasileiro teve, enfim, a chance de vê-lo em shows, que ocorreram no Hollywood Rock em 1990 e abrindo para os Rolling Stones em 1998, entre outras ocasiões, sempre festejadas pelo público e crítica especializada.

Em 2006, mais uma façanha para seu currículo: conseguiu novamente atingir o primeiro lugar na parada americana, desta vez com o álbum Modern Times, 30 anos após ter obtido tal posicionamento com Desire (1976). E seus discos continuam atraindo ótimas vendagens, vide o mais recente, Rough And Rowdy Days (2020), que atingiu o 2º posto nos charts americanos.

E vale lembrar que, nesses anos todos, Dylan se manteve permanentemente na estrada, cantando pelos quatro cantos do mundo. Um artista que nunca se dobrou ao comercialismo, que sempre impôs o seu modo de cantar, tocar e compor às gravadoras e aos contratantes de shows, e que permanece um modelo a ser seguido por quem pensa em fazer um trabalho que possa ser relevante. Ah, ele também celebra neste ano 60 anos do lançamento de seu primeiro álbum. Ou seja, há muito a se comemorar, por ele e por seus milhões de fãs.

Ouça Highway 61 Revisited na íntegra em streaming:

Tina Turner, os 80 anos de uma rainha da música pop mundial

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Por Fabian Chacur

É infalível. Toda vez que ouço a bela introdução da música What’s Love Got To Do With It as lágrimas começam a brotar dos meus olhos. Tem a ver com a emotividade que herdei da minha saudosa mãe, mas também pode ser explicado pelo significado dessa incrível canção escrita por Terry Britten e Graham Lyle. Ela marca o momento em que Tina Turner, em 1984, atingiu o primeiro lugar na parada americana de singles e sacramentou uma das mais espetaculares voltas por cima da história da música.

Aos 45 anos de idade na época, essa verdadeira guerreira superava quase dez anos de uma luta intensa para recuperar sua relevância no cenário da música, após sair literalmente sem nada de um turbulento casamento musical e pessoal com o talentoso, mas detestável e truculento Ike Turner, com quem conviveu por quase duas décadas. O que essa mulher sofreu nas mãos desse sujeitinho ultrapassa os limites do humanamente suportável.

Mas Anna Mae Bullock, que neste 26 de novembro de 2019 completa 80 anos de idade, não só suportou como teve a coragem de dar um basta naquela situação. Além do lado pessoal, também tinha a ditadura musical, que o marido barra pesada lhe impunha. Tudo bem, ele foi muito importante para que aquela jovem e ingênua garota de Nutbush, Tennessee, conseguisse aparecer com sucesso no cenário da música, no finalzinho dos anos 1950.

Com shows eletrizantes e gravações valorizadas por sua voz potente, Ike & Tina Turner se tornaram uma das atrações mais empolgantes do circuito da soul music nos anos 1960. No entanto, a partir da segunda metade dos anos 1960, o formato de seus shows e gravações foi ficando mais padronizado, e só mesmo a incrível energia da cantora conseguia atrair as atenções do público.

Percebendo esse potencial imenso e mal utilizado, o genial produtor Phil Spector propôs trabalhar com Tina em um trabalho-solo, que Ike autorizou sem muita convicção. O resultado foi a incrível River Deep Mountain High (1966), uma das grandes gravações protagonizadas por ela. A repercussão abaixo do esperado no mercado americano deu uma arrefecida nessa promissora carreira-solo.

Até 1976, Ike & Tina Turner tiveram bons momentos em termos de shows e discos, mas não é de se estranhar que o maior sucesso desse período tenha sido uma impressionante releitura de Proud Mary, do Creedence Clearwater Revival. Tina queria ter a liberdade de cantar o que quisesse. E essa liberdade veio quando a violência de Ike tomou proporções tamanhas que só restou à artista sair fora, com a roupa do corpo e não muito mais.

Demorou um pouco para conseguir um rumo, mas contou com a ajuda de amigos famosos como os Rolling Stones e Rod Stewart, para quem abriu shows. A entrada em sua vida do empresário Roger Davies, no início de 1980, marcou o momento em que as coisas começaram a se encaminhar de forma positiva. E, em 1984, enfim aquele projeto de megadiva do rock se concretizou. E veio com tudo, para tirar o atraso com juros e correção monetária sonora.

A partir de então, todos sabem o que aconteceu. Novos hits, como Private Dancer, Typical Male, Paradise Is Here e dezenas de outros, milhões de discos vendidos, shows em estádios pelos quatro cantos do mundo (Brasil inclusive, com direito a Pacaembu e Maracanã lotados, em 1988) e as pernas mais elogiadas da cena pop como uma espécie de bônus em meio a tanto talento artístico e musical.

Tina Turner virou um dos exemplos mais fortes do poder da mulher, e de como a violência doméstica em relações afetivas é um câncer que precisa ser combatido de forma veemente. Ela sofreu, mas sobreviveu, e colheu os mais belos frutos. Nada mais merecido. Viva essa maravilhosa Acid Queen! Tudo de bom pra ela, sempre. E que venham novas lágrimas ao ouvir What’s Love Got To Do With It. São lágrimas de felicidade e admiração!

What’s Love Got To Do With It (clipe)- Tina Turner:

Dia da Consciência Negra, dia da celebração a guerreiros geniais

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Por Fabian Chacur

“Porque Dia da Consciência Negra, e não Dia da Consciência Humana?” Você certamente já ouviu alguém aparecer com esse argumento, sempre que o dia 20 de novembro está próximo. Como em inúmeras situações análogas, a origem dessa ideia pode até não ser mal intencionada, pode até tentar pregar uma “união de todas as raças” ou coisa do gênero. Mas, no fim das contas, é uma ideia péssima. Lamentável. Se bem que, sejamos sinceros, Dia da Consciência Negra deveria ser não só hoje, mas amanhã, depois de amanhã… Sempre, sempre, sempre!

A dívida que o Brasil tem com os afrodescendentes é do tamanho de uma galáxia, e teve início de forma deprimente. Afinal de contas, tente imaginar algo pior do que ser tirado à força de seu lugar de origem, perder sua liberdade, ser enviado para o outro lado do oceano nas piores condições possíveis e, ao chegar, ter de servir a pessoas de temperamento péssimo, gananciosas e incapazes de ter qualquer noção de dignidade e empatia em relação ao outro.

De passar séculos sendo humilhado, usado como mercadoria de terceira qualidade, fazendo o serviço que ninguém queria fazer, alimentando-se mal e tendo como perspectiva de vida subsistir, se tanto. O que poderia se esperar de pessoas tratadas dessa forma aviltante durante tanto tempo? Rigorosamente nada de bom. No entanto, essas pessoas deram em troca ao país em que foram obrigados a viver um tesouro inestimável.

Dá para imaginar como teria sido o Brasil se os afrodescendentes não tivessem aportado por aqui? Sua presença forte e criativa se espalhou para todos os setores deste país, com ênfase na parte cultural. Nossa identidade cultural e o melhor de nossa produção nessa área tem forte sotaque negro. A miscigenação também ajudou a moldar o brasileiro, que se tornou um povo capaz de driblar as piores condições humanas e culturais, sempre.

No icônico filme Queimada, do diretor italiano Gilo Pontecorvo e lançado há exatos 60 anos, o personagem William Walker (vivido de forma esplêndida por Marlon Brando) se torna uma espécie de conselheiro de um líder popular que comanda uma revolução, tomando o poder. E um de seus conselhos parece muito coerente com o que ocorreu por aqui, no dia 13 de maio de 1888.

“Dê aos escravos a liberdade. Será a melhor alternativa. Como escravo, você é obrigado a sustentá-los, a dar a eles um lar. Como trabalhador, basta pagar um salário, e ele que se vire”. Parece com algo que você já viu por aqui? Ou melhor, vê até hoje, mais de um século após a tal da libertação dos escravos?

Mas, insisto em ressaltar, os afrodescendentes não se transformaram no que poderiam ter sido, de forma até compreensível, vale dizer. Tipo assassinos cruéis, seres violentos dispostos a se vingar de qualquer jeito dos brancos opressores. No geral, o negro no Brasil nos ofereceu os mais comoventes e inspiradores exemplos de superação, de criatividade, de dignidade e superação.

Em um dia como o de hoje, penso mais do que nunca nos incríveis Cartola, Dona Ivone Lara, Paulinho da Viola, Milton Nascimento, Racionais MC’s, Tim Maia, Tony Tornado, Clemente (dos Inocentes), Elza Soares, Pelé, Milton Santos, Jair Rodrigues, Seu Jorge, os fundadores do Olodum, Jairzinho, Luiz Pereira, Nei Lopes, Luis Gama, Milton Gonçalves… Ah, essa lista vai longe, muito longe e muito além da minha tacanha capacidade de reconhecimento.

Sim, hoje é o Dia da Consciência Negra, e se nunca conseguiremos saldar o nosso saldo negativo em relação a essa gente tão maravilhosa, o que nos resta é não só louvar a sua cultura, como, e principalmente, tratá-los com o respeito, admiração e dignidade que tanto merecem. Viva o afrodescendente brasileiro!

Texto dedicado a Oswaldo Faustino, meu mestre e uma das pessoas mais sábias e generosas com quem tive a honra de conviver nesses meus 58 anos de vida!

Sorriso Negro– Dona Ivone Lara:

O fim do Skank e a ditadura dos eternos fiscais de carreira alheia

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Por Fabian Chacur

A notícia mais bombástica do último fim de semana não teve relação com a política, como na maior parte do tempo no Brasil e no mundo atual. Trata-se da divulgação da futura separação de uma banda. Em comunicado oficial publicado em seu site (leia aqui), o Skank anunciou que sairá de cena, após a realização, em 2020, de uma turnê de despedida, intitulada 30 Anos. Será, portanto, o ponto final em uma das mais bem-sucedidas trajetórias do pop-rock brasileiro.

O anúncio, seguido por extensa entrevista publicada neste fim de semana do vocalista e guitarrista do grupo mineiro, Samuel Rosa, à coluna de Mônica Bergamo na Folha de S.Paulo, causou rebuliço nos “tribunais de feicebuque” da vida. Claro que cada um tem o direito de opinar da forma que achar melhor. Mas fica difícil encarar aqueles que exprimem frases como “já deveriam ter acabado há muito tempo” ou mesmo “já deram o que tinham que dar”.

Cada dia fica mais claro para mim que o tempo de duração de uma carreira, seja lá qual for, deve ser definido única e exclusivamente por quem está envolvido com ela. Se é relevante, se tem público, se tem boa repercussão, se é decadente, cada um que pague o preço por suas decisões. Não há um único caminho para te levar à felicidade. Por que esse desejo de impor uma regra rígida para todos os casos? Que cada um trabalhe naquilo que quiser pelo tempo que quiser. Quem somos nós para definir isso?

E esse pito vale até para o próprio Samuel Rosa, que durante a entrevista à Folha sugeriu que diria aos cantores Dinho Ouro Preto, do Capital Inicial, e Rogério Flausino, do Jota Quest, para fazerem o mesmo, deixando suas bandas para se dedicar a outros projetos. Se esse é o desejo dele, que vá em frente, mas sem querer dar uma de fiscal de carreira alheia.

O anúncio logicamente tem um ar oportunista, pois não se concretizará de imediato. Antes, teremos uma turnê celebrando os 30 anos de carreira do quarteto. Normalmente, esse tipo de tour costuma render uma baita de uma grana, atraindo fãs de todos os cantos devidamente atraídos pelo teor de “um dia, um adeus” criado nessas situações. Ainda mais se levarmos em conta que o repertório terá 30 hits e uma canção inédita, reunidas em um álbum que servirá como uma espécie de souvenir.

Pelas declarações dadas pelos outros integrantes do time a ser desfeito- Henrique Portugal (teclados), Lelo Zaneti (baixo) e Haroldo Ferretti (bateria), a coisa está sendo feita de comum acordo, e ninguém pensa em dar continuidade ao Skank sem seu vocalista e guitarrista, obviamente o detonador desse processo de separação.

Eles decidiram o que era melhor para eles. Nada mais legítimo. Isso não precisa ser modelo para outros grupos ou artistas. Uns duram pouco, outros tem carreiras longas. Uns estouram e ficam trilionários, outras catam moedinhas nas ruas. Uns concebem obras inesquecíveis e indispensáveis, outros vomitam porcarias inomináveis. É assim que a vida é.

E tem também aqueles que se despedem com toda a pompa e que, depois de alguns anos, acabam voltando à ativa. Como será, no caso específico do Skank, só saberemos com o tempo. Mas que também ninguém os avacalhe se por ventura tivermos futuramente uma turnê com o título Te Ver de Novo ou coisa que o valha. Afinal, nada como ter algum trabalho que te permita pagar as contas. Quem me dera que eu tivesse um desse mesmo tipo…

Te Ver (clipe original)- Skank:

Anitta não cabia em um show de total excelência artística

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Por Fabian Chacur

Repercute e ainda repercutirá por muito tempo a participação da cantora carioca Anitta no show de abertura dos Jogos Olímpicos Rio 2016, realizado na noite desta sexta-feira (6) no estádio do Maracanã. Uns dizem que ela não poderia estar presente no show. Outros, que ela representa o que há de mais moderno e popular na música brasileira atual. Os fãs vibraram; os detratores baixaram a lenha. E aí, qual seria a posição mais sensata para essa análise?

Para mim, o xis da questão reside no fato de que a abertura de um evento de proporções mundiais e visto por bilhões de pessoa via TV pelo mundo afora só deveria comportar a excelência do país em todos os aspectos. Incluindo a parte artística. E é aí que a coisa pega em relação à escalação da jovem cantora e compositora de 23 anos para atuar ao lado de dois gênios da arte brasileira, Caetano Veloso e Gilberto Gil.

É preciso respeitar Anitta, antes de tudo. Não é fácil chegar ao topo das paradas de sucesso e se manter por lá por tipo três anos, como a intérprete de Bang e Show das Poderosas está conseguindo. Isso é fruto do trabalho da gravadora Warner e de quem gerencia a sua carreira, claro, mas se ela não tivesse talento algum, obviamente não daria certo por tanto tempo. E para quem acha três anos pouco, isso é uma eternidade no mundo do show business, no qual reputações e carreiras começam e terminam mais rápido que o tempo para ler este parágrafo.

No entanto, é nítido que Anitta é ainda uma artista em formação. Não se trata de uma espécie de talento inato que surgiu de forma rápida e se consolidou a jato. São raríssimos os artistas com esse dom. E não há problemas em relação a isso, pois cada um amadurece no seu tempo. No entanto, quando se trata de escolher alguém que represente não só uma nação, mas uma cultura que é repleta de grandes talentos, não dá para escolher alguém com esse status.

Para vestir a camisa de um elenco de cantoras que já teve Elis Regina, Elizeth Cardoso, Dalva de Oliveira e tantos outros talentos absurdos, não dá para se colocar uma novata promissora. Era missão para Gal Costa, Ivete Sangalo, Maria Bethânia, alguém com essa estatura. Ou, se fosse o caso de colocar alguém mais jovem cronologicamente, que se optasse por Vanessa da Mata, Céu ou Maria Rita, essas, sim, novas, mas já com trajetórias sólidas.

Anitta não se saiu mal interpretando Isso Aqui o Que É, clássico de Ary Barroso, ao lado de Caetano e Gil. Não desafinou, não errou letra, nada desse gênero. Merecia uma nota seis, seis e meio, algo assim. Mas, pelo amor de Deus, esse show era coisa para nota dez! Se você tem quem possa ganhar a medalha de ouro, pra que apostar em alguém que só pode nos proporcionar a de bronze, ou nem isso? É simples assim. Valeu, Anitta, mas não deu pra você, com todo o respeito.

Isso Aqui o Que É– Caetano Veloso:

Isso Aqui o Que É– Joyce Moreno:

Isso Aqui o Que É– Emilio Santiago:

Ruy Castro, esqueça do rock, para o bem de todo o mundo!

2015 Coachella Valley Music And Arts Festival - Weekend 2 - Day 1

Por Fabian Chacur

Sou leitor assíduo do jornalista e escritor Ruy Castro. Adoro seu texto classudo e fluente e suas informações sempre bacanas sobre bossa nova, música brasileira em geral e jazz. Então, é com muita tristeza que serei obrigado a lhe dedicar umas linhas não muito alegres, tendo como motivação a crônica Música e Tiroteio, publicada na edição desta quarta-feira (27) da Folha de S.Paulo. Na verdade, foi uma espécie de gota d’água.

Quem acompanha a coluna do autor de tantos livros essenciais sabe que, quando ele se mete a opinar sobre rock, a coisa fica feia. Sai de lado o profissional criterioso, pesquisador, bom de texto, e entra em cena o fanfarrão, que obviamente odeia esse gênero musical e faz o possível para deprecia-lo, mesmo que tenha de se valer de argumentos inconsistentes e rasos e de gracinhas bobocas que não cabem em alguém de seu porte profissional. Um horror.

Na verdade, ele já publicou asneiras sobre Beatles, Bob Dylan e muitos outros, e sempre me irrito muito pela falta de argumentos consistentes. Mas agora, o cara se excedeu. Então, vamos lá, começando por dois erros factuais crassos: a banda AC/DC é obviamente australiana, e não canadense, como está na edição impressa. Já corrigiram na online. Outro erro permanece na online: o grupo americano de rock chama-se Eagles Of Death Metal, não Eagles Of The Death Metal. Começou mal a coisa, e só vai piorar daqui pra frente, acreditem.

Em seu texto, Castro comenta sobre a aposentadoria de Brian Johnson, vocalista do AC/DC. E vem com aquele conceito arcaico de que rock não passa de barulho. Meu Deus do céu, em pleno século XXI, ainda existe quem defenda essa bandeira furada? Socorro! Em seguida, ele cita a idade do cantor, 68 anos, que ele acha alta demais para roqueiros. E diz que ele deveria se dedicar a “matar palavras cruzadas ou colecionar selos”. De quebra, ainda manda isso: “O rock é- ou era- uma música jovem e rebelde, e não fica bem ter como um de seus expoentes um hippie velho e de boina”.

Dá para encarar o preconceito contido nessa frase de Castro? Acho que ele certamente não viu ao menos alguns segundos dos shows atuais dos setentões Paul McCartney, Mick Jagger e Keith Richards, entre outros “velhinhos” que continuam mandando ver. E vale lembrar que, há muito, mas há muito tempo mesmo, o rock é considerado música para jovens, sim, mas para jovens de alma, não necessariamente de idade cronológica, que, convenhamos, nesses casos não vale muita coisa.

Para o colunista da Folha, “hoje, o rock é a música mais velha do mundo”. Ah, é? E como o senhor explica a incrível afluência de uma garotada composta por adolescentes e jovens adultos nos shows de artistas veteranos de rock, misturando-se com pais e até avôs para curtir esse estilo musical? Seria anomalia isso? Ou apenas a constatação de que música boa não tem idade, seja ela rock and roll, bossa nova ou seja lá o que for? Acorde, Castro!

E a coisa vai piorando. A seguir, ele diz que Brian Johnson não é o único a ficar surdo, e cita como afetados pela enfermidade Neil Young, Ozzy Osbourne, Eric Clapton, Brian Wilson (dos Beach Boys, pelo menos o nome desse grupo ele acertou…), Pete Townshend (do The Who) e George Martin. E aí, manda a asneira mor, digo, essa frase: “Exceto por Martin, morto há pouco, você não ouviu falar muito deles ultimamente. Devem estar em casa, afinando os aparelhos de ouvido”.

Como? Seu Castro (seria parente de Fidel e Raul Castro?), só se o senhor estiver, também, ficando surdo, pois todos os nomes citados por Vossa Excelência estão ativos, lançando discos, fazendo shows e plenamente relevantes, mesmo com décadas e décadas de carreira. Ou seja, só não ouviu falar muito deles ultimamente quem não se informou nos grandes meios de comunicação impressa, televisiva, radiofônica e virtual.

Aí, ele finaliza citando o triste incidente do atentado na casa de shows Bataclan, em Paris, durante um show do grupo Eagles Of Death Metal. Aí, novamente vem o preconceito (esse, sim, vetusto e empoeirado) de que rock não passaria de barulho, na frase lamentável: “pelo áudio, não é possível distinguir entre a música e o tiroteio. Parece uma coisa só”.

Sr. Castro, nada contra sua aversão ao rock. É um direito, em um mundo democrático em termos de gostos. Mas justificar sua opinião de forma tão tosca não cabe em um profissional tão gabaritado. Especialmente pelo fato de que nem mesmo a maior parte dos artistas que você tanto admira, da bossa nova, bolero, jazz etc, concorda contigo, todos respeitando e admirando Beatles, Rolling Stones, AC/DC etc. Cada um na sua praia musical. Até Sinatra gravou Beatles!

Então, fica a dica: por favor, Señor Castro, continue se dedicando com o talento habitual aos seus estilos preferidos, e nos poupe de suas tolices anti-rock, que soam como a daqueles que, lá pelos idos de 1963-1964, consideravam o rock um modismo passageiro, que não deixaria traços. No entanto….E já dizia Neil Young, citado de passagem pelo senhor: hey, hey, my, my, rock and roll will never die. Não adianta torcer contra. Música boa é para sempre. Grande abraço, sou seu fã!

For Those About To Rock We Salute You– AC/DC:

Hells Bells– AC/DC:

You Shook Me All Night Long– AC/DC:

As várias faces do Lobão Mau e do Lobão Bobo

Por Fabian Chacur

Mais uma vez o glorioso João Luiz Woerdenbag Filho, 55 anos, mais conhecido pelo nome artístico Lobão, consegue criar uma grande polêmica em torno de declarações incisivas e agressivas dirigidas aos mais diferentes nomes da música, política e cultura brasileira. Não por acaso, está lançando um novo produto, no caso o livro Manifesto do Nada na Terra do Nunca, onde tais declarações estão inseridas.

Conheço muito bem a figura. A primeira entrevista que fiz com ele foi no já longínquo ano de 1986, quando ele lançou o que eu reputo ser seu melhor trabalho, o álbum O Rock Errou. Desde então, tive a oportunidade de participar de entrevistas coletivas ou fazer exclusivas com ele em pelo menos mais dez ocasiões nesses quase 30 anos.

Em cada uma delas surge um Lobão. Ora mais simpático e tranquilo, ora agressivo, ora até mesmo com jeito de quem tomou umas e outras, para dizer o mínimo. Mas algumas características se mantiveram sempre: a verborragia, as opiniões contundentes, a inteligência, o jeitão de manipulador e de quem diz as tais “verdades”. Sempre dá ótimas entrevistas.

Desta vez, as vítimas de sua língua ferina são Mano Brown, a produtora cultural Paula Lavigne, a presidente Dilma Roussef o Rei Roberto Carlos…Sobrou até para Sérgio Reis, quem diria… E, como de costume, a metralhadora giratória do cantor, compositor e músico carioca angariou apoios e ataques das pessoas mais diferentes possíveis.

Nem vou entrar no mérito das coisas que ele disse nesta nova blitzkrieg opinativa, embora a forma como ele as faz tenha esse abominável formato de “não tenho medo de dizer as verdades”, ou seja, como se tudo o que o autor de Me Chama afirma fosse a verdade absoluta e tudo o que os outros falam são mentiras covardes e imperdoáveis. Ninguém é detentor absoluto das tais “verdades”, Big Wolf. E você sabe bem disso.

Apoiar ou criticar integralmente aquilo que Woerdenbag Filho diz é entrar em uma fria. Ao ler suas declarações, sempre dá para concordar e discordar de muita coisa. O mais ponderado, sempre, é analisar cada opinião dele e tirar suas próprias conclusões. Agora, uma coisa é fato: ele adora atirar nas chamadas “vacas sagradas”.

Se desta vez são Mano Brown, a Doutora Dilma, “Reiberto” Carlos e Paula Lavigne os principais atingidos, em outras ocasiões os alvos foram Caetano Veloso, Gilberto Gil, Herbert Vianna e tantos outros. Nada de novo no front. E isso costuma ocorrer com mais frequência quando ele lança novos trabalhos.

A obra do artista Lobão é altamente relevante, mas repleta de altos e baixos, o que o torna um fantástico proprietário de telhado de vidro. Vasculhem suas entrevistas nesses anos todos e descubram incoerências em praticamente todas elas. Em uma das coletivas de que partipei, por exemplo, ele detonou os próprios fãs, dizendo que eles “só sabem pedir autógrafos”.

Durante outra entrevista concedida a mim, desta vez uma exclusiva feita em um final de tarde, a assessoria de imprensa da gravadora perguntou se ele poderia conceder mais uma. A resposta: “claro, eu faço tudo o que precisar, pois preciso divulgar muito esse show para lotar o Olympia (extinta casa de espetáculos onde ele iria cantar)”.

Portanto, meus caros, esse filme é bem idoso, e no fim, o Big Bad (or Good) Wolf sempre ganha no final. Seus trabalhos são bem divulgados, alguns artistas estendem as polêmicas e o nome de Lobão circula forte na mídia durante um bom período de tempo. Quer saber? “Eu não quero mais nenhuma chance, eu não quero mais revanche”.

Ah, e não pretendo comprar esse novo livro, não, como não comprei a autobiografia dele. Fiquei satisfeito em ler trechos do mesmo, que já me deram uma boa amostra do que se tratava. Está de bom tamanho. Afinal, tal qual ele, também tenho de pagar minhas contas, que não são poucas. Se um dia ganhar de presente…

Ouça Revanche, com Lobão, do álbum O Rock Errou:

Não encham o saco do Tom Zé, please!

Por Fabian Chacur

Esse tema até já saiu de pauta (felizmente), mas não me sentiria bem se não desse minha opinião sobre o mesmo. A confusão envolveu o cantor, compositor e músico baiano Tom Zé e o fato de ele ter feito a locução de um dos inúmeros comerciais de uma célebre marca de refrigerantes tendo como foco a Copa do Mundo de Futebol da Fifa de 2014.

Nele, o eterno tropicalista lê um texto absolutamente normal, no qual são enfocados diversos aspectos do Brasil e de seu povo no intuito de conseguir superar o desafio de recepcionar um evento tão importante e divulgado nos quatro cantos do mundo como um mundial de futebol, sem dúvidas o esporte mais popular do planeta.

Algumas pessoas começaram a cornetar Tom Zé, naquele velho esquema de considerá-lo como “vendendo sua credibilidade para uma causa ruim só para encher os bolsos de dinheiro”. Para começo de conversa, o fato de a Copa do Mundo da Fifa de 2014 ser realizada no Brasil não é um problema, e sim a forma como os políticos usam desse tipo de evento para encher seus bolsos e beneficiar seus interesses escusos.

Mas o torneio em si é um dos mais bacanas do meio esportivo. E qual seria o problema de Tom Zé ganhar um dinheiro honesto para ser o locutor de um texto correto e sem nada que o pudesse desabonar? É o tipo de patrulhamento ideológico detestável, exercido por alguns seres metidos a campeões do “politicamente correto” em seus piores aspectos.

Quem acompanha a carreira do genial criador baiano sabe as dificuldades que ele já enfrentou em sua longa carreira. Nos anos 80, por exemplo, ele quase largou mão da música para trabalhar em um posto de gasolina na sua cidade natal, Irará, na Bahia, como forma de sobreviver. Onde estavam esses “patrulheiros” nessa época? Enchendo o saco de outro infeliz?

De quebra, Tom Zé ainda afirmou que usará esse dinheiro honesto e ganho com seu trabalho digno e honrado para gravar seu proximo disco. Ele poderia até usá-lo para viajar para Aruba, se preferisse, pois a bolada é dele. Mas dizer que o investirá em um trabalho artístico dá boa prova de sua integridade artística e humana. Deixem esse jovem senhor de 76 anos em paz e vão encher as Doutoras Dilmas e os Lulas da vida, please!

Ouça na íntegra o brilhante álbum Estudando o Samba, de Tom Zé:

Comercial da Coca-cola com locução de Tom Zé:

Clara Nunes e a falta que faz uma Guerreira

Por Fabian Chacur

Em 2 de abril de 1983, o Brasil perdeu Clara Nunes. Com apenas 40 anos de idade, partia de forma prematura para o outro lado do mistério uma das melhores cantoras da história da nossa música, intérprete de grandes recursos vocais e performáticos e de uma personalidade artística simplesmente imbatível.

A bela mineira nascida em Caetanópolis em 12 de agosto de 1942 não teve vida fácil, e passou por muitas e não tão boas até chegar ao estrelato. Foi operária, venceu concursos de rádio, gravou discos irregulares nos quais investiu em diversos estilos musicais, teve o apoio do impagável Carlos Imperial, sofreu com a vida amorosa…

Clara pegou no breu mesmo na década de 70, quando descobriu que, embora tivesse talento para cantar o que quisesse, era no samba que conseguiria ampliar de forma incomensurável os seus horizontes artísticos e de popularidade. E graças a seu mergulho apaixonado nesse gênero musical, tornou-se a nossa Guerreira, repleta de graça, carisma e talento.

A voz de Clara era poderosa, forte, agressiva, mas impressionantemente melódica, ao mesmo tempo. Daqueles gogós com assinatura, que nas primeiras notas ouvidas já se fazia reconhecida por todos. Em sucessos como Conto de Areia, O Canto das Três Raças, Meu Sapato Já Furou, Tristeza Pé No Chão e O Mar Serenou, ela provava que dava para fazer sucesso e cantar música relevante em termos artísticos ao mesmo tempo.

Nunca deixou de ser versátil, mesmo depois de vestir o manto da sambista clássica. Gravou com categoria forró, música baiana, samba-canção, bolero e o que mais pintasse, sempre esbanjando categoria e personalidade- vide Feira de Mangaio, Basta Um Dia, Fado Tropical e Lama,bons exemplos dessa vertente musical de Clara.

Como herança, Clara Nunes nos deixou uma discografia repleta de grandes momentos e a certeza de que poderemos ter novas cantoras bem interessantes, mas nenhuma com o seu perfil. Chega a ser hilariante ouvir algumas intérpretes que tentam regravar ou cantar ao vivo seus sucessos, pois raríssimas (uma delas é a ótima Aline Calixto) conseguem dar conta do recado. Seria melhor escolherem outras canções, pois as que a Guerreira eternizou são dela e de ninguém mais. Uma diva de verdade!

O Canto das Três Raças, com Clara Nunes:

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