Mondo Pop

O pop de ontem, hoje, e amanhã...

Category: Grandes nomes esquecidos (page 1 of 5)

Bill Withers, cantor e compositor avesso ao glamour do showbizz

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Por Fabian Chacur

Quando lançou seu primeiro álbum, Just As I Am (1971), Bill Withers já tinha passado por poucas e não tão boas em seus 31 anos de vida. Talvez por isso, e por uma simplicidade de alma que poucos possuem, ele nunca se deslumbrou com o mundo da música. Tanto que, em 1985, decidiu não mais lançar discos ou fazer shows. Preferiu ser feliz com seus entes queridos. Esse grande cantor, compositor e músico americano nos deixou no dia 30 de março, embora sua família só tenha divulgado o óbito nesta sexta (3).

Curiosamente, a música Lean On Me, maior hit de sua carreira e um verdadeiro alento à superação das dificuldades que a vida nos impõe, vinha sendo usada por muitas pessoas pelo mundo afora como uma espécie de hino informal na luta contra o novo coronavírus. Ainda segundo seus familiares, ele, aos 81 anos de idade, foi vítima de problemas cardíacos.

Bill Withers nasceu em 4 de julho de 1938, e perdeu o pai quando ainda era criança. Teve na mãe e na avó um forte apoio em sua criação. Aos 17 anos, entrou na Marinha, a qual serviu por nove anos. Ao sair, em 1965, resolveu se dividir entre empregos que lhe permitissem a sobrevivência e a aposta no sonho de se tornar um compositor de sucesso, morando em Los Angeles.

Assentos de privadas para aviões

Nesse período, gravava fitas-demo com suas canções. Entre outros trabalhos, ele fazia assentos para privadas a serem instaladas em aviões Boeing 747. Certa vez, em entrevista ao jornalista Leonard Feather para o jornal Los Angeles Times, ele não só mostrou orgulho por esse trabalho, como também o avaliou de forma mais importante do que sua atuação como músico:

“Mesmo quando eu trabalhava com assentos de privadas, era algo no mínimo construtivo. Desafio qualquer um: eu ficarei um mês sem cantar, e você ficará sem ir ao banheiro por um mês, e veremos quem sofrerá mais…”

Em 1970, uma de seus fitas chegou às mãos de Clarence Avant, com longa experiência no meio do show business musical e na época dono da gravadora Sussex. Ele gostou do que ouviu, contratou Withers e deu a missão de produzir seu disco de estreia ao experiente Booker T. Jones, do grupo Booker T. And The MG’s. O resultado foi matador.

Lançado em 1971, Just As I Am mostrou ao mundo um cantor de voz de veludo e envolvente, dando vida a canções simplesmente maravilhosas. Uma delas, Ain’t No Sunshine, tornou-se seu primeiro grande hit, atingindo o 3º lugar na parada americana e lhe rendendo posteriormente um Grammy. Essa canção mereceu uma releitura arrepiante por conta de Michael Jackson pouco tempo depois.

Outra faixa deste álbum, Grandma’s Hands, homenagem à sua querida avó, chegou ao 42º lugar entre os singles mais vendidos nos EUA. Na década de 1990, o Simply Red fez uma belíssima regravação dessa música, gravada ao vivo e lançada no CD Montreux EP (1992). Um dos músicos que marcam presença neste álbum, que chegou ao nª 38 nos EUA, é Stephen Stills, tocando guitarra.

Lean On Me e o auge em termos comerciais

Embalado pela boa repercussão de seu trabalho de estreia, Withers foi além em seu álbum seguinte, Still Bill (1972) foi não só seu único LP a atingir o top ten (foi nº 4, para ser mais preciso) como também aquele único que liderou a parada de r&b. Teve como impulso o single Lean On Me, que de quebra levou o artista ao primeiro lugar na parada pop de singles, onde ficaria por três semanas.

Outro sucesso do LP foi a deliciosa Use Me, que quase repete a façanha de Lean On Me, chegando ao 2º lugar entre os singles. Lean On Me voltaria ao topo da parada americana em 1987, desta vez com o grupo de r&b Club Noveau.

O astro lançaria em 1973 o maravilhoso álbum ao vivo Live At Carnegie Hall, registro de um momento histórico na carreira do artista ao cantar em um dos locais mais nobres do show business americano (e, por que não dizer, mundial), e no ano seguinte +’Justments . Mas, aí, seu relacionamento com a Sussex já havia se deteriorado, com direito a brigas judiciais. A gravadora iria à falência em 1975.

Vale o registro: Clarence Avant é o mesmo que lançou por seu selo os dois discos de Sixto Rodriguez, Cold Fact (1970) e Coming From Reality (1971), artista que teria a carreira reavivada em 2012 graças ao incrível documentário Searching For Sugar Man, do saudoso Malik Bendjelloul. Ele aparece no filme, no qual também é acusado de ter extorquido Rodriguez. Que fama a desse cara…

Columbia Records e show no antigo Zaire

Nesse período, em 1974, ele participou ao lado de Etta James, B.B.King e James Brown do histórico show no antigo Zaire prévio à luta não menos histórica entre George Foreman e Muhammed Ali. Cenas de suas performances podem ser vistas nos documentários When We Were Kings (1996) e Soul Power (2008).

Em 1975, Bill Withers assina com a Columbia Records, pela qual lançou Making Music (1975), Naked & Warm (1976), Menagerie (1977) e ‘Bout Love (1978), que infelizmente não tiveram muito sucesso comercial, rendendo apenas um hit. Trata-se da deliciosa Lovely Day, de 1977, que atingiu o posto de nº 30 entre os singles nos EUA e conta, na guitarra, com um ainda emergente Ray Parker Jr..

Após ‘Bout Love, teria início um longo período sem que Withers lançasse um novo álbum, especialmente pelo fato de a Columbia Records recusar as canções que o artista apresentava a eles. Nesse meio tempo, ele gravou um single simplesmente antológico com Grover Washington Jr., incluída em um álbum do saudoso saxofonista americano, Winelight (1980).

A música em questão, Just The Two Of Us, com vocais a cargo de Withers, ficou durante três semanas no 2º lugar na parada americana de singles em 1981, impedida de atingir o topo por três grandes hits daquele ano, respectivamente Kiss On My List (Daryl Hall & John Oates), Morning Train (Nive to Five) (Sheena Easton) e Bette Davis Eyes (Kim Carnes). O consolo ficou com a conquista de mais um Grammy, na categoria melhor canção de rhythm and blues.

O retorno que virou despedida

Em 1985, finalmente sai Watching You Watching Me, mas poucos poderiam imaginar que, ao invés de um retorno glorioso, aquele LP seria a sua despedida do cenário musical como artista-solo. Cansado das discussões com os diretores artísticos da gravadora, que ele rotulava ironicamente de “blaxperts”, Bill radicalizou e anunciou que deixaria de gravar novos discos ou fazer shows.

A partir daí, Bill Withers sumiu de cena, dedicando-se à vida familiar. Raras aparições ocorreram quando ele venceu prêmios por sua obra como as entradas no Songwriters Hall Of Fame em 2005 e no Rock And Roll Hall Of Fame em 2015. Em 2004, surpreendeu ao participar do álbum License To Chill, do cantor e compositor Jimmy Buffett. Ele escreveu e cantou em dueto com Buffett Playin’ The Loser Again e assina com o amigo a faixa Simply Complicated. O álbum foi o único de Jimmy Buffett a atingir o primeiro lugar na parada americana.

Em 1987, Bill ganhou, como compositor, o terceiro Grammy de sua carreira graças à bem-sucedida releitura do Club Noveau. Bill Withers: The Complete Sussex & Columbia Albums Collection (2013), que reúne os oito álbuns de estúdio e o ao vivo lançados pelo artista em edição caprichada luxuosa, rendeu a seus produtores outro Grammy.

Sua vida e obra inspiraram o elogiado documentário Still Bill (2009), dirigido por Damani Baker e Alex Vlack, que conta com depoimentos dele especialmente gravados para esta ocasião e material de arquivo.

Após mergulhar na trajetória desse grande artista, fica bem claro que ele pode ter sido importante ao produzir assentos de privadas para aviões, mas sempre nos lembraremos dele por causa de suas maravilhosas canções que ele interpretava de forma tão classuda. Nisso, nós divergimos, meu caro Bill Withers.

Lovely Day– Bill Withers:

Adam Schlesinger, do sucesso That Thing You Do! e muito mais

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Por Fabian Chacur

A composição That Thing You Do!, tema principal do filme That Thing You Do! O Sonho Não Acabou (1996), é um belo cartão de apresentação para o produtor, músico e compositor americano Adam Schlesinger. Ele, infelizmente, nos deixou nesta quarta-feira (1º), mais uma vítima do meio musical deste terrível covid-19, conforme divulgado pelo New York Times em comunicado do advogado do músico, Josh Grier. Mas o currículo do agora saudoso artista americano vai muito além dessa música deliciosa.

Ironicamente, o filme conta a história de uma banda fictícia que acaba quando ainda curtia o estouro de seu único hit. Schlesinger concorreu ao Oscar pela canção, e não o venceu. No entanto, conseguiu faturar três EMIs, o Oscar da TV americana, e um Grammy, prêmio máximo da indústria fonográfica mundial. E ele também fez música para espetáculos teatrais badalados. Menos mal.

Adam Lyons Schlesinger nasceu em 31 de outubro de 1967 em Manhattan. Sua carreira musical começou a engrenar na primeira metade dos anos 1990, quando, por falta de uma, criou logo duas bandas. A primeira foi a Ivy, ao lado de Andy Chase e Dominique Durand, em 1994. A segunda veio logo a seguir, a Fountains of Wayne, que tinha como núcleo ele e Chris Collingwood. Ambas tiveram trajetórias bem bacanas em termos musicais.

A Ivy lançou o seu álbum de estreia, Realistic, em 1995. Apostando em um pop-rock melódico com influências como The Smiths, Burt Bacharach, The Go-Betweens e The Beatles, conseguiram emplacar diversas músicas em trilhas de filmes, entre os quais There’s Something About Mary (1998), Me, Myself & Irene (2000) e Shallow Hall (2001).

Dessas canções, This Is The Day (ouça aqui), de There’s Something About Mary, é uma das mais legais. Seu álbum Apartment Life (1997) teve como coprodutor ninguém menos do que o britânico Lloyd Cole (ex-líder dos Commotions). Seu 6º e último álbum, All Hours, saiu em 2011.

Em termos de popularidade, o Fountains Of Wayne foi um pouco além da Ivy. Embora muito bons e merecedores de elogios por parte dos críticos, seus dois primeiros álbuns, Fountains Of Wayne (1996) e Utopia Parkway (1999), ambos lançados pela Warner, não tiveram bom retorno em termos comerciais, tanto que eles acabaram levando o cartão vermelho da gravadora.

Sem baixar a guarda, Schlesinger e Collingwood foram à luta e conseguiram assinar com o selo indie S-Curve. Com o álbum de estreia nesta gravadora, Welcome Interstate Managers (2003), eles emplacaram o hit Stacy’s Mon (seu maior hit, chegou ao 21º lugar nos EUA, ouça aqui). Com pegada power pop, a canção os impulsionou a uma façanha meio curiosa. Bem curiosa, por sinal.

Na edição de número 46 do Grammy, cuja cerimônia de premiação ocorreu em fevereiro de 2004, a banda concorreu na categoria….banda revelação! Isso, mesmo com três álbuns e oito anos de estrada no currículo. Perderam para o grupo Evanescence. A banda lançaria mais três álbuns, sendo que o último deles, Sky Full Of Holes (2011) acabou sendo o mais bem-sucedido em termos comerciais, atingindo o 37º na parada pop americana.

Schlesinger também integrou uma “superbanda”, formações que trazem músicos já famosos por trabalhos anteriores. No caso, foi a Tinted Windows, que reuniu, além do líder do Ivy e Fountains Of Wayne, James Iha (ex-Smashing Pumpkins), Taylor Hanson (do grupo Hanson) e Bun E. Carlos (baterista do Cheap Trick). A banda fez alguns shows e lançou um álbum, Tinted Windows (2009).

E respire mais um pouco, pois o currículo de Adam ainda não acabou. Ele compôs muita coisa para teatro e TV nesses anos todos. Um desses trabalhos gerou um álbum, A Colbert Christmas: The Greatest Gift Of All (2010), gravado por Stephen Colbert e com músicas de Schlesinger em parceria com David Javerbaum. Pois foi graças a esse trabalho que ele finalmente ganhou um Grammy, após duas derrotas com o Fountains Of Wayne.

Vários artistas famosos gravaram composições de Adam. Os Monkees, por exemplo, incluíram canções dele (que também atua como músico) em seus álbuns mais recentes, os ótimos Good Times! (2016) e Christmas Party (2018). Katy Perry, Jonas Brother, America, Elvis Costello e Willie Nelson também gravaram músicas do artista, que produziu discos de The Verve Pipe, David Mead e They Might Be Giants. Além da música-tema de That Thing You Do!, ele também escreveu várias das canções do filme Josie And The Pussycats.

A parceria com David Javerbaum rendeu músicas para musicais de teatro de bastante sucesso, entre os quais vale citar Cry-Baby (2008) e An Act Of God (2015). Com outros parceiros, também fez coisas bem legais.

A atriz e comediante Sarah Silverman escolheu Adam para escrever com ela as canções de seu espetáculo The Bedwetter, que deveria ter estreado há pouco, mas cuja exibição foi adiada pela pandemia do novo coronavírus. No momento, Schlesinger estava escrevendo com Rachel Bloom músicas para uma adaptação teatral da série de TV The Nanny. Ou seja, ele nos deixou em momento dos mais produtivos de sua intensa carreira. Uma pena!

That Thing You Do! (clipe)- The Wonders:

Earl Slick e Bernard Fowler em documentário sobre os sidemen

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Por Fabian Chacur

Sideman é o termo criado para designar os músicos de apoio, profissionais cuja função básica é dar a base artística suficiente para que seus patrões, sejam eles quem forem (cantores solo, duplas, grupos etc) brilhem. Até por isso mesmo, frequentemente são pouco conhecidos do grande público. O documentário Rock ‘N’ Roll Guns For Hire- The Story Of Sidemen (2017), de Francis Whately (o mesmo diretor de The Last Five Years, de David Bowie), que está sendo exibido pelo Canal Bis e disponível em sua plataforma de streaming (bisplay), enfoca alguns dos grandes craques dessa área.

Com o selo de qualidade da BBC, o documentário tem como narrador e principal personagem o guitarrista americano Earl Slick, que atuou ao lado de David Bowie de 1974 a 2016, entre idas e vindas, e também gravou com John Lennon e com o trio Phantom, Rocker & Slick. Carismático, ele interage com outro craque do setor, o cantor americano Bernard Fowler, que há 30 anos faz parte com destaque da banda de apoio dos Rolling Stones.

Durante os 90 minutos de duração do filme, temos a oportunidade de conhecer as experiências dos dois protagonistas e também de músicos de currículos importantes do porte de Wendy Melvoin & Lisa Coleman (da banda Revolution, que acompanhou Prince em Purple Rain e outros discos de sucesso), Steve Cropper (lendário compositor e guitarrista que trabalhou com Otis Redding) e Crystal Taliefero (tocou com Billy Joel).

O termo sideman é mais usado para o músico que integra bandas de shows, mas em diversos casos esses profissionais também atuam como músicos de estúdio também, e a razão é simples: sobrevivência. Afinal de contas, eles são realmente “pistoleiros de aluguel” (tradução do título do documentário), que só ganham enquanto estão em uma turnê ou em uma sessão de gravação. E sempre dependem do humor ou da mudança de rota de seus patrões.

Um dos diversos pontos positivos do filme fica por conta de vários depoimentos de alguns desses chefões famosos, entre eles Mick Jagger, Keith Richards e Billy Joel. Fica claro que os sidemen (e sidewomen) vivem o tempo todo na corda bamba, pois não podem aparecer mais do que os astros para os quais trabalham, mas ao mesmo tempo precisam acrescentar o suficiente nos shows e gravações para serem considerados úteis.

Vários episódios interessantes ocorridos nessa área são revividos por eles. Slick, por exemplo, lembra que em algumas ocasiões era demitido por Bowie e, não muito tempo depois, readmitido para entrar no lugar de quem o havia substituído. “E é assim que as coisas funcionam, não tem jeito”, relembra o músico, que mostra no filme uma tentativa que fez para ganhar algum dinheiro fora da música, customizando jaquetas de couro.

Rock ‘N’ Roll Guns For Hire é uma bela amostra da difícil vida fácil de pessoas extremamente talentosas que, no entanto, não tiveram cacife suficiente para atingir o estrelato por conta própria. Uns se frustram um pouco com isso, como admite Wendy Melvoin. Outros, pelo contrário, como garante Steve Cropper, satisfeito em deixar os holofotes para os patrões e se divertindo ao tocar, produzir e compor para eles.

No final do doc, Slick e Fowler se unem, montam uma banda e fazem um show no qual tocam basicamente hits de Bowie, fechando com chave de ouro um belo retrato desses caras geniais sem os quais muitos pop stars não passariam de meros vagalumes no meio do mato. É como no futebol: o que seria dos artilheiros e meio-campistas se não tivessem os zagueiros, volantes e goleiros para garantir as coisas para eles?

Veja o documentário sem legendas:

Alan Merrill e Joe Diffie, duas vítimas musicais do covid-19

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Por Fabian Chacur

Alan Merril (foto) e Joe Diffie provavelmente não se conheciam, pelo fato de atuarem em áreas bem distintas da música. No entanto, agora eles tem duas coisas em comum, e não das mais agradáveis: nos deixaram neste domingo (29), e ambos foram vítimas do novo coronavírus, o temível covid-19. Eles tiveram trajetórias artísticas das mais significativas respectivamente no glam rock e na música country, e se mantinham na ativa, com longas e vitoriosas carreiras.

Nascido em 19 de fevereiro de 1951 nos EUA, Alan Merrill se aproximou da cena musical no final dos anos 1960 ao ser aprovado para integrar a banda The Left Banke, que havia estourado com os singles Walk Away Renee e Pretty Ballerina. No entanto, não chegou nem a estrear, pois o grupo encerrou suas atividades logo a seguir, para sua frustração. Ele, então, resolveu se mudar para o Japão.

Naquele país, uniu-se a três músicos locais e criou em 1971 a banda Vodka Collins, que em pouco tempo se tornou a grande expressão do glam rock local. Seu álbum Tokyo-New York (1973- ouça um hit deles aqui ). Ele era o baixista e vocalista do grupo. No auge de seu sucesso, naquele mesmo 1973, Merrill descobriu que eles estavam sendo surrupiados por seus empresários, e resolveu fugir dali, rumo à Inglaterra, tentar nova sorte.

No Reino Unido, conheceu Paul Varley (baterista-1952-2008) e Jake Hooker (guitarrista-1953-2014) e montou com eles a banda The Arrows, que lançou em 1974 o seu single de estreia e seu maior hit, Touch Too Much (ouça aqui).

Até 1976, a banda lançaria um álbum e seis singles, e atraiu as atenções da britânica TV Granada, que ofereceu a eles a apresentação de um programa semanal. A atração rendeu 28 episódios entre 1976 e 1977, mas curiosamente eles não conseguiram capitalizar o sucesso televisivo em vendas de discos, pois uma briga entre seu empresário Ian Wright e o produtor musical Mickie Most os impediu de lançar novos trabalhos naquele período.

O resgate de I Love Rock ‘n Roll por Joan Jett

Em 1975, os Arrows lançaram um compacto com a música Broken Down Heart no lado A e outra no lado B, uma tal de I Love Rock ‘n’ Roll. Mesmo sendo muito boa, esta última não conseguiu bons resultados em termos de vendas, mas a composição de Merrill em parceria com Jake Hooker ganharia outro destino quando a banda a tocou na TV em 1976, e uma espectadora especial a ouviu.

Joan Jett, então integrante do grupo The Runaways, estava em turnê pela Inglaterra, e ao ver os Arrows tocando aquele rockão na TV viu na hora que aquilo tinha potencial para hit. Seu grupo não concordou, mas ela manteve a ideia de regravá-la, e isso ocorreu pela primeira vez após sua separação, em 1979, quando a roqueira fez um registro em estúdio ao lado de Steve Jones e Paul Cook, dos Sex Pistols, que só saiu em 1993 (ouça aqui).

Persistente, Joan resolveu gravar novamente I Love Rock ‘n’ Roll, desta vez com sua nova banda, The Blackhearts, e aí, tirou a sorte grande. O single com esta música (ouça aqui) atingiu o topo da parada americana em 1982, ficando lá por sete semanas e elevando de vez a roqueira ao estrelato. E isso também ajudou e muito Alan Merrill a ser relembrado na cena rocker.

A separação dos Arrows e o que veio depois

Após o fim dos Arrows, Merrill integrou brevemente uma nova banda, a Runner, que lançou um álbum autointitulado em 1977 e logo saiu de cena. Em 1980, integrou como cantor e baixista a banda do guitarrista Rick Derringer, conhecido como autor de hits como Hang On Sloopy e Rock And Roll Hoochie Koo, e gravou com ele três álbuns.

Em 1983, o célebre cantor de r&b e jazz Lou Rawls gostou tanto de uma composição da dupla Alan Merrill-Jake Hooker, When The Night Comes (ouça aqui) que não só a gravou como ainda a tornou a faixa-título do álbum que lançou naquele mesmo ano.

A essa altura dos acontecimentos, parecia estranho Merrill ainda não ter lançado um trabalho solo, e isso ocorreu finalmente em 1985. Autointitulado, o álbum trouxe participações especiais de Steve Winwood, Mick Taylor e Dallas Taylor. Ele lançaria dezenas de outros trabalhos individuais nos anos que se seguiriam.

Além de integrar a banda do roqueiro Meat Loaf de 1986 até o fim daquela década, Merrill também participou de uma reunião da sua banda japonesa, a Vodka Collins, que voltou a ser badalada após o relançamento no formato CD de seu álbum Tokyo-New York, o que ocorreu em 1990. O sucesso no Japão foi tanto que eles lançariam mais quatro álbuns até o final dos anos 1990.

Na carreira-solo, o disco mais recente de Alan Merrill foi Radio Zero (2019). Ele estava preparando um novo trabalho quando foi acometido do novo coronavírus. Sua morte foi anunciada pela filha, Laura, em um comovente post no qual relata a inicial indiferença com que ela e o pai encararam a doença, e como ela se arrepende disso, além de aconselhar as pessoas a se resguardarem nesse momento tão difícil.

A bela carreira country de Joe Diffie

Nascido em Tulsa, Oklahoma (EUA) em 28 de dezembro de 1958, Joe Diffie penou durante alguns anos para se firmar no cenário musical, tendo inclusive de encarar a falência de seu estúdio de gravação. As coisas mudaram de rumo em 1990 quando lançou seu álbum de estreia, A Thousand Winding Roads, álbum que inclui a faixa Home (ouça aqui), seu primeiro single a atingir o topo da parada country americana.

Embora não tenha conseguido fazer o crossover para a parada pop, como contemporâneos do porte de Garth Brooks e Billie Ray Cyrus fizeram, ele marcou presença com muita força nos charts country até 1995.

Outros quatro de seus singles conseguiriam liderar a parada da música rural americana: Pickup Man, Third Rock From The Sun, If The Devil Dances (In Empty Pockets) e a peculiar Bigger Than The Beatles (ouça aqui), na qual brincava que seu amor era maior do que o sucesso da célebre banda britânica.

Seu álbum mais bem-sucedido nas paradas country foi Third Rock From The Sun (1994), que atingiu o 6º lugar naquela parada de sucessos e de quebra vendeu mais de um milhão de cópias. Ele compôs canções de sucesso em parceria com nomes bacanas do cenário country como Tim McGraw, Holly Dunn e Joe Dee Messina, e gravou com outros do mesmo gabarito, entre os quais George Jones, Mary Chapin Carpenter e Marty Stewart.

Se a partir de 1996 suas vendas de discos não repetiram as mesmas performances, ele se manteve lançando novos trabalhos e fazendo shows concorridos. Em 2012, o ídolo country Jason Aldean celebrou o seu legado gravando a canção 1994, escrita em homenagem a Diffie e na qual é citado seu nome e trechos de alguns de seus maiores hits. Ele se preparava para lançar em breve I Got This, seu primeiro álbum em sete anos.

I Love Rock ‘n’ Roll– The Arrows:

Kenny Rogers, embaixador da country music e um astro pop

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strong>Por Fabian Chacur

Um verdadeiro embaixador mundial da country music. Eis uma definição possível para o cantor, músico e eventual compositor Kenny Rogers, que nos deixou na noite desta sexta-feira (20) por causas naturais, conforme comunicado de sua família. Em uma carreira que teve início na segunda metade dos anos 1950 e se manteve até 2018, o astro americano nos deixou uma obra repleta de hits e na qual sempre demonstrou uma inquietude, acrescentando elementos sonoros diversos à música country.

Kenneth Ray Rogers nasceu em Houston, Texas, no dia 21 de agosto de 1938, e demonstrou interesse pela música logo aos quatro anos de idade, quando cantava em troca de moedas. Seu primeiro single solo, That Crazy Feeling, saiu em 1958, mas foi como integrante do grupo de jazz Bobby Doyle Three, no qual cantava e tocava baixo, que ele se destacou inicialmente. Em 1966, entrou no grupo folk New Christy Minstrels, também como baixista e vocalista, e não demorou para ver que, ali, não conseguiria dar vasão à sua criatividade.

Junto com outros integrantes do NCM, ele em 1967 lançou sua própria banda, The First Edition (depois renomeada como Kenny Rogers & The First Edition). E o primeiro hit veio em 1968 com o contundente single Just Dropped In (To See What Condition My Condition Is), um belo rock com pitadas psicodélicas que atingiu o posto de nº 5 na parada americana. Outro rock na mesma linha, Something’s Burning, ajudou a impulsioná-los.

Embora o grupo fizesse boas vocalizações e tivesse muita competência, era Rogers quem ficava com os holofotes, tocando baixo e cantando os principais hits, que também incluem canções de acento country como Ruby (Don’t Take Your Love To Town) e Reuben James. Nessa época, o cantor foi generoso a ponto de ter sido o mentor de um certo cantor, compositor e baterista de nome Don Henley, então um jovem desconhecido em busca de reconhecimento, que viria a partir de 1972 como integrante dos Eagles.

No final de 1975, para tristeza de Kenny, o The First Edition decidiu encerrar sua trajetória, tornando inevitável para ele encarar de uma vez por todas o desafio de uma carreira-solo. Desta vez mais próximo da música country, estourou em 1977 nesse mercado com a canção Lucille, e até o fim daquela década emplacou diversos outros hits, entre os quais The Gambler (que inspirou uma série de filmes de TV estrelados por ele) e Coward Of The Country.

Foram as baladas românticas que o levaram a conquistar o público do mainstream, como She Believes In Me e You Decorated My Life. Em 1980, ele se sentiu repetitivo, e resolveu tentar uma nova experiência. “Nos anos 1960, Ray Charles gravou álbuns nos quais releu canções country com um acento soul; pensei, então, que seria uma boa ideia fazer o contrário, e convidei Lionel Richie para compor algo para mim”, relembrou o astro em entrevista contida no documentário The Journey, de 2006.

A parceria rendeu Lady, canção que atingiu o número 1 da parada americana no formato single e impulsionou o álbum na qual foi incluída, Greatest Hits (1980), a conseguir a mesma façanha. O ex-líder dos Commodores também produziria um álbum completo para o cantor americano, Share Your Love (1981), que atingiu o sexto posto na parada ianque.

Outra parceria bacana fora do universo country ocorreu com os Bee Gees. Barry Gibb foi o produtor de seu álbum Eyes That Seen In The Dark (1983), com direito à participação da banda. O disco gerou hits bacanas como You And I, This Woman e Islands Is The Stream, e atingiu o sexto posto nos EUA. Esta última, dueto com Dolly Parton, o levou de novo ao número 1 em sua terra natal.

Aliás, vale destacar a capacidade dele em gravar belos duetos com cantoras. A escocesa Sheena Easton, por exemplo, marca presença em We’ve Got Tonight (1983), matadora releitura de balada do roqueiro Bob Seger que atingiu o 6º posto nos EUA. Kim Carnes, que como ele também integrou os New Christ Minstrels, gravou com ele Don’t Fall In Love With a Dreamer (1980) e What About Me (1984, também inclui o cantor de r&b James Ingram).

Com a cantora country Dottie West a coisa foi ainda além, pois eles gravaram dois álbuns juntos, Every Time Two Fools Collide (1978) e Classics (1979). Ele repetiria a dose com Dolly Parton em Love Is Strange (1990, hit original de Mickey & Sylvia e regravado por Wings e muitos outros) e You Can’t Make Old Friends (2013). E ele gravou com a maravilhosa Gladys Knight em 1990 a música If I Knew Then What I Know Now.

Sempre inquieto, Kenny tem outros encontros bacanas em seu currículo. Seu álbum The Heart Of The Matter (1985), o último que emplacou no topo da parada country americana, teve produção do lendário George Martin, que produziu uma certa banda de Liverpool. Timepiece (1984) traz a releitura de standards da música americana e acompanhamento orquestral, com produção a cargo do consagrado David Foster.

Kenny Rogers se apresentou no Brasil em janeiro de 1991, no mesmo período em que estava sendo realizado o Rock in Rio, e por estar cobrindo o festival eu não tive a oportunidade de entrevistá-lo, nem de ver seu show em São Paulo.

Em 2006, ele lançou o álbum Waters & Bridges, que o colocou novamente nos primeiros postos da parada americana com hits como The Last Ten Years, I Can’t Unlove You e Calling Me, esta última um dueto com o discípulo Don Henley.

E já que falamos em Brasil há pouco, vale lembrar que I Can’t Unlove You (que o trouxe de volta ao top 20 americano) teve versão em português, Eu Não Sei Dizer Que Eu Não Te Amo, na qual a dupla Edson & Hudson conta com a participação (cantando em inglês) do próprio Kenny.

Os dois últimos álbuns de estúdio de Kenny foram You Can’t Make Old Friends (2013, de material inédito) e Once Again It’s Christmas (2015, álbum natalino, um dos vários que gravou em sua carreira). Em 2016, ele deu início à sua última turnê, intitulada The Gambler’s Last Deal, cujas última datas foram canceladas em abril de 2018 devido a problemas com sua saúde.

O último show dele em Nashville ocorreu em 25 de outubro de 2017, e não poderia ter sido melhor, pois contou com inúmeras participações especiais, incluindo as de Lionel Richie, Travis Tritt, The Judds, Kris Kristofferson, Alison Krauss, Lady Antebelum, Crystal Gayle, Reba McEntire e Dolly Parton.

A voz de Kenny Rogers é uma das mais facilmente reconhecíveis no universo da música pop, e a forma como ele interpretou as músicas que gravou sempre foi de forma muito personalizada e emotiva.

De quebra, seu carisma nos palcos explica o porque ele conseguiu se tornar um astro de proporções mundiais, vendendo milhões de discos e lotando ginásios e casas de shows pelos quatro cantos do planeta.

No já citado documentário The Journey (que saiu em DVD no Brasil via Coqueiro Verde Records), Kenny fez uma espécie de definição de como encarou sua incrível e bem-sucedida trajetória artística:

“Minha mãe me deixou como herança vários pensamentos simples, mas muito interessantes. Um deles fala sobre como é importante você curtir cada momento que vive, mas sem nunca se conformar ou se acomodar. Seria a receita da felicidade, para ela. E posso dizer que, durante a minha carreira, curti cada momento que vivi, mas nunca me conformei ou me acomodei, sempre buscando novos rumos”.

We’ve Got Tonight (live)- Kenny Rogers & Sheena Easton (uma das musicas favoritas da minha saudosa mãe Victoria, a quem dedico este post):

Keith Olsen, o cara que ajudou o Fleetwood Mac a achar seu rumo

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Por Fabian Chacur

Em dezembro de 1974, Mick Fleetwood, líder do Fleetwood Mac, estava perdidinho. Seu guitarrista e cantor, Bob Welch, havia acabado de sair da banda, justo no momento em que o time parecia caminhar para o sucesso comercial. Para sua sorte, surgiu na vida dele um certo Keith Olsen, que lhe abriria as portas para uma nova fase que tornaria o FM uma das bandas de maior sucesso da história do rock. Olsen nos deixou no último dia 9, aos 74 anos, vítima de um ataque cardíaco, mas deixou como herança um currículo dos mais respeitáveis.

Nascido em 12 de maio de 1945, Keith Olsen começou a sua carreira tocando baixo em bandas de folk e rock. Em 1966, entrou na The Music Machine, pioneira formação de garage rock que fez sucesso naquele mesmo ano com o matador single Talk Talk, com uma pegada que influenciaria o punk rock da década seguinte. Após sair do time, em 1967, integrou duas bandas efêmeras, The Millenium e Sagittarius, de pouco sucesso comercial.

As experiências como integrante de bandas o incentivaram a tentar uma outra atividade na área musical, a de engenheiro de som e produtor. Ele já havia trabalhado em um disco da James Gang quando conheceu um jovem e talentoso casal, Lindsey Buckingham e Stevie Nicks, que naquele 1973 atuavam como dupla. Entusiasmado com o talento deles, não só conseguiu atrair as atenções da gravadora Polydor, que os contratou, como de quebra foi o produtor e engenheiro de som de seu álbum de estreia, Buckingham Nicks (1973).

Embora seja excepcional em termos artísticos, o álbum obteve números decepcionantes em termos comerciais, o que deixou o casal roqueiro em uma situação muito difícil. O amigo Olsen, para ajudá-los, chegou a deixá-los morar em sua casa, e também contratou Nicks como empregada doméstica.

É nesse momento que ocorre o encontro entre Keith Olsen e Mick Fleetwood. Este último procurava um estúdio para a gravação de seu próximo álbum, e calhou de Olsen estar por lá. O produtor resolveu mostrar a qualidade do estúdio onde estavam, o hoje lendário Sound City, na Califórnia, tocando uma faixa de Buckingham Nicks. Após a audição, Fleetwood viu a oportunidade de resolver não um, mas três problemas ao mesmo tempo.

Além de definir o Sound City como o lugar onde gravaria seu novo LP, de quebra se interessou e muito pelo guitarrista daquele álbum, e pediu o contato dele para Olsen. Buckingham adorou o convite, mas impôs ao futuro patrão uma condição: sua esposa tinha de ir, também. Pedido aceito, surgia a formação que daria ao Fleetwood Mac fama mundial, com Nicks (vocal) e Buckingham (vocal e guitarra) se juntando a Fleetwood (bateria), John McVie (baixo) e sua então esposa Christine McVie (vocal e teclados).

Keith Olsen produziu Fleetwood Mac (1975), que levou a FM ao primeiro posto da parada ianque pela primeira vez em sua carreira e emplacou clássicos do rock como Rhiannon, Say You Love Me, Landslide, Monday Morning e Over My Head. Se a banda entrou para o primeiro time do rock, o produtor deste álbum também viu as portas da cena rocker se abrirem para ele.

A partir dali, Olsen foi o produtor ou coprodutor de álbuns que ajudaram outros artistas a alcançar o estrelato. O grupo Foreigner, por exemplo, estourou graças ao álbum Double Vision (1978), que traz os hits Hot Blooded e a faixa-título.

A excelente cantora e compositora americana Pat Benatar tornou-se uma estrela do rock graças aos álbuns Crimes Of Passion (1980) e Precious Time (1981), que atingiram respectivamente as posições de nº 2 e nº 1 no mercado americano e emplacaram hits certeiros do porte de Hit Me With Your Best Shot e Hell Is For Children, ambos produzidos por Olsen.

O maior hit da carreira do cantor, compositor e ator americano Rick Springfield, Jessie’s Girl, assim como o álbum no qual a canção está incluída, Working Class Dog (1981), está no currículo de Olsen, assim como Whitesnake (1987), álbum que emplacou de vez a banda de David Coverdale no mercado americano, atingindo o 2º posto na parada da Billboard.

Além desses trabalhos de grande sucesso, Keith Olsen também atuou em discos de artistas e grupos importantes como Scorpions (Crazy World-1980, o que inclui o megahit Winds Of Change), Ozzy Osbourne, Santana, Sammy Hagar, Heart, Kim Carnes, Emerson Lake & Palmer e Kingdom Come. A partir de 1996, Keith Olsen passou a trabalhar no desenvolvimento do surround sound na música para o selo Kore Group e outras empresas

Talk Talk– The Music Machine:

Elis Regina, 75 anos, uma utopia: o sonho mais lindo iremos sonhar

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Por Fabian Chacur

Nesta terça-feira (17), Elis Regina completará 75 anos. Três quartos de século, quem diria! Afinal de contas, ninguém se esquece do susto que o Brasil tomou naquele 19 de janeiro de 1982, quando a grande cantora foi internada às pressas, ficando em estado de coma durante diversas dolorosas semanas. Parecia o ponto final para alguém que, então, tinha apenas 36 anos. Mas não foi isso o que aconteceu. Tivemos um verdadeiro renascimento.

Tudo bem que a recuperação total da mãe de João Marcello, Maria Rita e Pedro demorou um período significativo, gerando insegurança por parte dos fãs, especialmente por ter se criado um mistério em torno das razões que levaram a artista gaúcha a quase nos deixar de forma tão prematura. Uns bons anos depois, foi revelado o fato de ela ter sido vítima de uma overdose, da qual escapou por um verdadeiro milagre, e pelo empenho dos médicos que a trataram.

Portanto, seu retorno aos palcos, ocorrido em 1985, poucos meses após ter completado 40 anos de idade, tornou-se rapidamente um dos grandes momentos daquele conturbado ano, no qual Tancredo Neves nos deixou antes mesmo de assumir a presidência da República. E surpreendeu a todos, pois foi um espetáculo totalmente intimista, no qual ela foi acompanhada apenas pelo piano de Ivan Lins e pelo violão de João Bosco, dois dos compositores que ajudou a lançar e de quem gravou canções antológicas.

Muito elogiados, aqueles shows geraram um álbum ao vivo, Os Sonhos Mais Lindos- Ao Vivo (1986), e deram início a uma nova fase na trajetória artística da nossa amada Pimentinha. Com a voz intacta e controlada de forma primorosa, Elis se mostrou mais disposta do que nunca a dar a volta por cima, e a partir daquele momento, a música voltou a predominar em sua agenda.

Desde então, a intérprete nos proporcionou momentos muito bacanas em termos artísticos. A ansiedade de lançamentos constantes a deixou, e cada nova turnê e disco de inéditas (ou projetos especiais) de Elis Regina tornava-se um evento, atraindo as atenções da mídia e do grande público.

Citada como influência pela maioria das novas cantoras, ela no entanto não se importou mais em ser uma campeã de vendas ou de ocupar os holofotes da fama o tempo todo, mantendo-se reservada e com entrevistas eventuais e sempre concedidas a jornalistas e apresentadores em que confiava bastante.

Desde sempre, Milton Nascimento diz que compõe suas canções pensando na voz de Elis Regina. Logo, pode-se dizer que até demorou o lançamento de Nada Será Como Antes (1995), álbum que reuniu composições inéditas do Bituca interpretadas pelos dois. Tipo do álbum que já saiu clássico, e que gerou uma série de shows pelo Brasil e também com inúmeras datas no exterior.

Embora tenha continuado fiel a compositores que gravou desde os anos 1960 e 1970, como o próprio Milton, Ivan Lins, João Bosco, Belchior e Tomas Roth, a estrela gaúcha também soube escolher canções oriundas de autores de gerações posteriores à sua, entre eles Lenine, possivelmente seu favorito. Afinal, em 1999 ela dedicou um álbum inteiro a suas composições, o brilhante Normal Só Tem Você e Eu, cujo título foi extraído de versos de sua melhor faixa, Acredite Ou Não, que contou com a participação do autor em dobradinha fantástica.

Elis também se mostrou muito feliz ao ver o envolvimento dos filhos com a música, todos bem-sucedidos e com sucesso comercial e de crítica. Lógico que também se criou a expectativa de algum trabalho que os reunisse, mas isso só ocorreu em 2015, quando a intérprete fez o show Como Nossos Pais e Filhos, depois registrado em CD e DVD no qual o clima entre ela, Maria Rita, João Marcello (que também se incumbiu da produção) e Pedro no palco foi simplesmente delicioso, com direito a uma surpreendente releitura de Pais e Filhos, da Legião Urbana como momento mais emocionante.

Desde o fim daquela consagradora turnê, que durou quase dois anos e se encerrou em 2017, Elis deu sua habitual saída de cena. Não há informações sobre algum evento (show, álbum ou coisa que o valha) para celebrar seus 75 anos, e quem sabe ela, desta vez, prefira soprar as velinhas ao lado dos filhos e dos netos, além dos amigos, discos e livros, e nada mais.

Casa no Campo (ao vivo)- Pedro Mariano e Elis Regina:

Smokey Robinson, 80 anos, um dos grandes gênios da música pop

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Por Fabian Chacur

Smokey Robinson completou 80 anos de idade nesta quarta-feira (19). É o tipo da efeméride que os fãs da boa música devem celebrar com muita alegria e gratidão. Afinal de contas, poucos caras nessa área possuem um currículo desse naipe. Cantor, compositor, produtor e executivo de gravadora, ele construiu uma obra repleta de grandes momentos, com uma excelência poucas vezes vista. É gênio que se fala? Este cara é!

Nascido em Detroit (EUA) em 19 de fevereiro de 1940, William Robinson Jr. iniciou sua trajetória na música em 1955 ao criar um grupo vocal com os amigos Ronnie White, Pete Moore, Bobby Rogers e Claudette Rogers, contando depois com o guitarrista Marv Taplin como músico de apoio. Depois de alguns anos na estrada, eles conseguiram uma audição com o manager de Jackie Wilson, um grande cantor de r&b e soul na época na crista da onda.

Para decepção dos amigos, o empresário não viu muito valor no trabalho deles, encarando-os como uma mera cópia dos Platters. No entanto, alguém que participou desta mesma reunião teve outro pensamento em relação ao que ouviu. Era Berry Gordy, um jovem compositor que tentava se firmar na cena musical, escrevendo hits para Jack Wilson como Reet Petite e Lonely Teardrops.

Gordy adorou o grupo, e se propôs a buscar uma gravadora para lançar seus trabalhos. Conseguiu que eles lançassem singles para alguns selos em 1958 e 1959, mas os resultados comerciais eram sempre abaixo do esperado. É nesse momento que Smokey incentiva seu manager a montar uma gravadora própria. Dessa forma, nasceu a Tamla-Motown. E o líder dos Miracles se mostrou decisivo para o sucesso daquela nova empresa discográfica.

Versátil, Smokey Robinson ia além de ter um dos falsetes mais envolventes da história da música pop e de liderar um grupo matador em termos artísticos e comerciais. Ele também era um compositor talentosíssimo, tanto sozinho como com diversos parceiros. Boa parte dos primeiros grandes êxitos da Motown ocorreram com músicas de sua autoria, abrindo caminho para que outros autores também contribuíssem.

Até o fim dos anos 1960, Smokey simplesmente não saiu das paradas de sucesso. Capaz de compor canções românticas e dançantes com várias levadas diferentes, ele de quebra foi considerado o maior poeta da música pop. Sabem por quem? Apenas e tão somente Bob Dylan! De quebra, ainda tinha fãs como os Beatles, por exemplo, que regravaram com muita categorias You Really Got a Hold On Me em seu álbum With The Beatles (1963).

Com os Miracles, ele emplacou hits eternos do porte de The Track Of My Tears, I Second That Emotion, Going To a Go-Go, Shop Around, Ooo Baby Baby, The Tears Of a Clown e More Love, só para citar algumas das faixas mais marcantes.

Como autor, arranjador e produtor, a lista se amplia com clássicos registrados originalmente pelos Temptations (The Way You Do The Things You Do, My Girl, Get Ready), Mary Wells (My Guy) e Marvin Gaye (I’ll Be Doggone e Ain’t That Peculiar). E ele ainda acumulava a função de vice-presidente da Motown, cargo para o qual foi nomeado por Berry Gordy por seu jogo de cintura com os artistas.

Lógico que seria complicado manter esse pique, e em 1972, Smokey anunciou sua saída dos Miracles, com o intuito de se dedicar exclusivamente ao seu lado executivo de gravadora. Isso não teria como dar certo, se levarmos em conta a paixão dele pela música, e em 1973 ele dá início a sua carreira-solo.

No início, ele teve menos sucesso comercial do que seu ex-grupo, que seguiu em frente com Billy Griffin em sua vaga. Mas isso não significa queda de qualidade artística. Um bom exemplo é Quiet Storm (1975), cuja faixa-título teve tanto sucesso nas rádios black que logo denominou um novo estilo de programação radiofônica, incluindo aquelas canções que misturam o romantismo sensual com o swing, uma “tempestade quieta” mesmo.

Em 1979, a má fase acabou quando a maravilhosa Cruisin’, escrita em parceria com o velho amigo Marv Tarplin, invadiu a parada pop e o trouxe com força de novo às paradas pop. Essa balada estilo “quiet storm” também estourou no Brasil, integrando com destaque a trilha da novela global Água Viva em 1980.

Logo a seguir, em 1981, Being With You mostrou que a década de 1980 não passaria em branco para Smokey Robinson. Na voz dele e também na de outros, vide a excelente repercussão da regravação feita pelos Rolling Stones de Going To a Go-Go, incluída no álbum ao vivo Still Life (1981).

Em sua trajetória, Smokey gravou com vários artistas bacanas, como Tammy Wynette, The Manhattan Transfer e Dolly Parton. Um dos maiores hits oriundos deste tipo de parceria veio em 1983 com Ebony Eyes, dueto com o mestre da funk music Rick James e daquelas baladas que se recusam a sair das programações das rádios especializadas em programação de flash back.

Após um período de quatro anos durante os quais teve de superar problemas pessoais, nosso herói voltou ao mercado discográfico de forma vigorosa. Seu álbum One Heartbeat (1987) emplacou duas de suas faixas no Top 10 da parada americana, a deliciosa balada One Heartbeat e a swingada, com influência até de bossa nova, Just To See Her, ambas de outros autores, prova de que Smokey também sabe transformar composições alheias em ouro puro. De quebra, ganhou um disco de ouro e também seu primeiro Grammy.

O reconhecimento a essa trajetória brilhante veio nos anos seguintes. O astro entrou para o Rock And Roll Hall Of Fame em 1987 e no Songwriters Hall Of Fame em 1990, e ainda foi laureado em 2016 com o Gershwin Prize, premiação oferecida pela Biblioteca do Congresso Norte-Americano. E ainda participou do projeto USA For Africa, em 1985, cuja música We Are The World é uma das maiores reuniões de lendas da música jamais realizada. Ele está lá, merecidamente.

As canções de Smokey Robinson foram regravadas por inúmeros artistas, entre os quais Linda Ronstadt, Johnny Rivers, Michael Jackson e Kim Carnes. Ele também teve canções feitas em sua homenagem. Ninguém menos do que George Harrison compôs a belíssima Pure Smokey, lançada por ele em 1976 em seu álbum 33 1/3, enquanto o grupo pop britânico ABC estourou em 1987 com a incrível When Smokey Sings, do álbum Alphabet City (1987).

Na última década, o cantor permaneceu na ativa, fazendo shows e gravando. Ele lançou em 2014 o álbum Smokey & Friends, no qual relê 11 de seus clássicos em parceria com artistas do porte de Elton John, Steven Tyler (do Aerosmith), John Legend, James Taylor e Sheryl Crow. O álbum foi o mais bem-sucedido do artista em muitos anos, atingindo o 12º lugar na parada americana. E em 2019 ele participou do álbum Ventura, do talentoso astro do r&b Anderson.Paak, mais precisamente da faixa Make It Better.

Se você conseguiu chegar até aqui e desconhecia boa parte ou alguns dos momentos dessa trajetória fantástica, duvido que seus ouvidos não estejam coçando para conhecer melhor o trabalho de Smokey Robinson. Para quem gosta de música pop de alta qualidade, é quase obrigatório ouvi-lo. Se isso ocorrer, minha missão está cumprida!

The Track Of My Tears– Smokey Robinson And The Miracles:

Andy Gill, do Gang Of Four, um guitarrista dos mais influentes

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Por Fabian Chacur

Dos grupos surgidos no pós-punk britânico, na segunda metade dos anos 1970, o Gang Of Four certamente foi um dos melhores e mais influentes. Nele, a guitarra de Andy Gill sempre se mostrou um marco, com sua performance agressiva, incisiva e criativa, mesclando influências e sendo várias coisas ao mesmo tempo, de forma original. Não é de se estranhar que tenha influenciado tanta gente. Neste sábado (1º), infelizmente o site oficial da banda anunciou a morte do músico aos 64 anos, vítima de pneumonia. Sua última turnê com o Gang Of Four, que só tinha atualmente ele da formação original, ocorreu em novembro de 2019.

Nascido em Manchester, Inglaterra, em 1º de janeiro de 1956, Andrew James Dalrymple Gill criou sua banda em 1976, quando cursava artes na Leeds University, ao lado de Jon King (vocal e letras), David Allen (baixo) e Hugo Burnham (bateria). Seu primeiro single, Damaged Goods, saiu em 1978, belo e suculento aperitivo para o álbum de estréia, Entertainment! (1979), do qual se destaca a marcante At Home He’s a Tourist.

O rock nervoso, vibrante, altamente urbano e original gerou a seguir o álbum Solid Gold (1981), após o qual David Allen saiu, substituído pela baixista e vocalista Sara Lee. Com a nova formação, veio Songs Of The Free (1982), no qual elementos de funk entraram com mais força na mistura, gerando clássicos do rock oitentista como Call Me Up e I Love a Man In a Uniform.

Após a saída de Hugo Burnham, o grupo voltou ao estúdio e gravou Hard (1983), seu trabalho mais próximo do pop, trazendo o hit Is It Love e a participação nos vocais de apoio de Alfa Anderson (do grupo Chic) e Brenda White King (que participou de discos do Chic, Luther Vandross e muitos outros). Aliás, na época havia um boato (não confirmado) de que Nile Rodgers produziria esse álbum.

Depois desse disco, o grupo ficaria sete anos fora de cena. O retorno rolou em 1991 com Gill e King e outros parceiros, no álbum Mall. A partir daí, a banda teria idas e vindas, com direito a alguns lançamentos e a shows. Entre 2004 e 2006, sua formação original voltou a se reunir, e foi exatamente nesta época que eles tocaram no Brasil pela primeira vez, em 2006 (leia a resenha do show aqui).

O grupo voltaria a se apresentar em nosso país em 2011 (no Cultura Inglesa Festival) e 2018. Em 2012, Gill veio a São Paulo para participar de um show ao lado de integrantes da Legião Urbana, que nunca esconderam a influência que o trabalho do Gang Of Four teve em seu som.

Titãs, Ira! e diversas outras bandas brasileiras foram influenciadas por eles, e o Ultraje a Rigor regravou uma das músicas da banda britânica, I Found That Essence Rare, em seu disco de releituras Por Que Ultraje a Rigor? (1990).

Além de músico, Andy Gill também produziu trabalhos de diversos grupos e artistas importantes, entre os quais o Red Hot Chili Peppers (seu autointitulado álbum de estreia, de 1984), Killing Joke (um autointitulado álbum de 2003) e Michael Hutchence (seu autointitulado álbum póstumo, lançado em 1999).

Call Me Up (live)- Gang Of Four:

Michael Hutchence, o INXS e suas três diferentes visitas ao Brasil

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Por Fabian Chacur

Michael Hutchence teria completado 60 anos de idade no dia 22 (quarta-feira). Infelizmente, o cantor e compositor australiano não chegou nem perto disso, pois nos deixou aos 37 anos em 1997, tirando sua própria vida em um quarto de hotel na cidade de Sidney, na antevéspera do início da turnê que divulgaria Elegantly Wasted, o então mais recente álbum de sua banda, a INXS. Resta aos fãs curtir suas lembranças. No caso dos brasileiros, as três passagens do sexteto por aqui durante seus 20 anos de carreira.

O grupo, que iniciou sua carreira em 1977 e lançou o primeiro álbum em 1980, não se tornou conhecido internacionalmente do dia para a noite. Após dois álbuns inicialmente lançados apenas na Austrália, eles chegaram ao mercado internacional com Shabooh Shoobah (1983). The Swing (1984), o álbum seguinte, trouxe como destaque Original Sin, produzida por Nile Rodgers.

Foi lá pelos idos do lançamento de Listen Like Thieves (1985), um belo passo do grupo rumo ao estrelato, que o INXS esteve no Brasil pela primeira vez. Foi uma discreta viagem promocional, durante a qual o grupo concedeu entrevistas e fez ações promocionais. Da próxima vez, a coisa seria bem diferente.

Michael Hutchence e seus colegas tocaram pela primeira vez em nosso país como uma das atrações principais da segunda edição do Rock in Rio. Foi no dia 19 de janeiro de 1991. Na verdade, eles entraram em cena já na madrugada do dia 20, mas de forma apoteótica, tocando a impactante Suicide Blonde.

Eles estavam no início da turnê de divulgação do álbum X (1990), que tinha a difícil tarefa de suceder o trabalho que os catapultou rumo à primeira divisão do rock mundial, o excelente Kick (1987), e provaram sua grande capacidade ao vivo, com direito ao carisma de Hutchence e o pique dos músicos. Um dos melhores grupos para animar festinhas de todos os tempos.

A consagradora tour mundial que passou pelo Brasil gerou um belo álbum ao vivo, Live Baby Live, lançado em novembro daquele mesmo ano de 1991 e com faixas gravadas em diversos países, incluindo uma por aqui.

Entre essa performance consagradora, uma das melhores daquele festival repleto de grandes nomes (Prince, George Michael, Santana etc) e a próxima visita da banda ao Brasil, muita coisa mudaria na vida de Michael Hutchence, e infelizmente não para melhor. Tudo começou com um violento acidente ocorrido em agosto de 1992.

Hutchence estava em Copenhague, Dinamarca, com a modelo internacional Helena Christensen, com quem namorou entre 1991 e 1994. Eles estavam saindo de um taxi, o taxista se enfezou com o roqueiro e enfiou um soco em seu rosto. O cantor caiu de costas no chão, batendo a parte de trás de sua cabeça.

O cantor foi negligente em termos de se cuidar, e passou um mês no apartamento da namorada, vomitando, alimentando-se mal e se comportando de forma inconveniente. Só após esse período o casal resolveu procurar um especialista em Paris, e naquele momento ficou clara a gravidade do seu estado de saúde. Ele perdeu para sempre os sentidos de paladar e olfato, além de outras contusões que o afetaram de forma intensa.

O acidente certamente explica o porque o INXS não saiu em turnê para divulgar o álbum que havia lançado na mesma época, agosto de 1992, Welcome To Wherever You Are, algo até então inédito na trajetória da banda. A justificativa divulgada então referia-se ao desejo de o grupo dar uma descansada para, logo a seguir, começar a preparar um novo trabalho, que seria lançado em 1993 com o título Full Moon, Dirty Hearts.

Embora interessantes e com momentos muito bons, os dois álbuns fizeram bem menos sucesso do que os anteriores, especialmente nos EUA. É nesse contexto que eles voltam ao Brasil em 1994, para shows no Rio de Janeiro (estádio da Gávea) no dia 10 de março, em São Paulo (estacionamento do Anhembi) no dia 11 de março e 12 de março em Curitiba (Pedreira Paulo Leminski).

Com abertura da banda americana Soul Asylum, o show em São Paulo reuniu por volta de metade da capacidade do espaço, fato possivelmente motivado pelo tempo chuvoso. Hutchence aparentava muito menos energia do que na performance anterior, mas mesmo assim conseguiu comandar um show profissional e competente, com direito aos hits e a canções boas da safra recente como Heaven Sent e Please (You Got That…), esta última gravada no álbum Full Moon Dirty Hearts com a participação especialíssima de Ray Charles.

Dali em diante, Michael Hutchence passou a frequentar mais as páginas da imprensa sensacionalista do que as musicais. Ele, que namorou famosas como a cantora Kylie Minogue, deixou a modelo Helena Christensen para se envolver em um romance controverso com a apresentadora de TV e escritora Paula Yates, que desde 1976 estava comprometida com o cantor Bob Geldof, do grupo Boontown Rats e criador do Live Aid.

Dizem os boatos (possivelmente verdadeiros) da época que Yates estava interessada em Hutchence desde que o entrevistou para um programa de TV britânico em 1985. Em 1994, em outra entrevista, o fogo aparentemente acendeu de vez, e a consequência foi não só o fim de um casamento de quase trinta anos como também o nascimento em 22 de julho de 1996 de Tiger Lily, primeira e única filha do casal.

Envolto com os problemas de saúde e o consumo cada vez mais alto de drogas e barbitúricos, além da distância da filha, Hutchence ainda mostrou disposição para o trabalho, pois, paralelamente ao início das gravações de um disco solo, ainda gravou um último álbum com o INXS, o mediano Elegantly Wasted.

O disco-solo estava sendo feito por Hutchence em parceria com Andy Gill, guitarrista da banda britânica Gang Of Four e coautor de boa parte das músicas. Como forma de homenagear o amigo, o músico arregaçou as mangas e conseguiu finalizar as gravações, contando com a participação de Bono na faixa Slide Away. O resultado é o álbum intitulado Michael Hutchence, lançado em 1999 e digno da bela trajetória do astro australiano.

Conhecido por ter trabalhado durante muito tempo com a banda e ser o diretor de clipes de hit singles como Need You Tonight, Never Tear Us Apart e Suicide Blonde, o diretor australiano Richard Lowenstein lançou em 2019 o documentário Mistify Michael Hutchence.

Ele se valeu de raros registros da banda e do cantor (incluindo alguns com Kylie Minogue e Helena Christensen) para ilustrar depoimentos em áudio de integrantes do INXS e de outros nomes importantes na trajetória do astro do rock. Um dos destaques fica por conta dos detalhes do acidente de agosto de 1992 e sobre as terríveis consequências com as quais Hutchence teve de conviver em seus anos finais de vida.

Sem seu principal integrante, o INXS tentou seguir adiante, com substitutos que não deram conta do recado, incluindo um selecionado em um reality show televisivo. Em 2012, resolveram sair de cena, e um retorno parece improvável, embora não impossível. Com Jon Stevens no vocal, o grupo voltou a se apresentar no Brasil em 2002, com shows dia 15 de maio no ATL Hall, no Rio de Janeiro, e 17 de maio em São Paulo, na Via Funchal.

Se não revolucionou o mundo da música, Michael Hutchence e sua banda certamente criaram uma obra dançante e pra cima, com direito a boas baladas no meio e repleta de momentos bacanas que merecem ser reverenciados pelos fãs de pop rock consistente e com personalidade forte.

Veja o trailer de Mistify Michael Hutchence:

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