Na década de 1970, existia uma linhagem de rock que apostava em guitarras ardidas, andamentos compassados e letras rebeldes. Entre outros, seguiam essa postura sonora, de forma frequente ou eventual, T.Rex, Free, Made In Brazil, Tutti Frutti, Rolling Stones e Raul Seixas. Na atual geração do rock brazuca, temos uma boa banda seguidora desta assinatura rocker. É a Saída de Emergência, que acaba de lançar seu 2º CD, o ótimo Nova Velha Era.
Na estrada desde 2010, o grupo paulistano tem como líder o vocalista, guitarrista e compositor Dino Chaves. Estão a seu lado Leandro de Castro (guitarra), Lelo Carvalho (baixo) e Loks Rasmussen (bateria, este também conhecido por integrar a excelente banda Pop Javali). Neste novo CD, eles contam com a participação especialíssima dos solos do endiabrado guitarrista Rick Ferreira, conhecido por seu trabalho com Raul Seixas e Erasmo Carlos, entre inúmeros outros.
Também marcam presença no trabalho, que sucede O Importante é o Principal (2011, que marcou a estreia discográfica do quarteto), os experientes Petch Calazans (órgão Hammond), Bruno Oliveira (backing vocals) e Thiago Espírito Santo (baixo). As gravações tiveram como cenário o Estúdio Mosh (SP), um dos mais modernos e famosos do Brasil.
Com uma voz poderosa e agressiva, Dino solta o verbo em letras contestadoras que abordam temas sociais, políticos e existenciais sem muitas papas na língua. O ritmo mescla o rock and roll com doses bacanas de blues, sempre com execução competente, sem rebuscamento excessivo nem simplismo banalizante. E o principal: com muita energia e ya-yas pra fora.
Entre as 14 faixas que integram o álbum, destacam-se Salve-se Quem Puder, Subestimação, Roupa Suja, Nova Era, Eu Sou Brasileiro e Velório de Indigente, mas no geral o repertório é bem equilibrado. E a capa, encarte e apresentação gráfica e visual do CD são simplesmente espetaculares, uma verdadeira obra de arte. Se a sua praia é o chamado rock na veia, este CD pode ser receitado sem nenhum risco de efeitos colaterais.
O trabalho do cantor, compositor e músico americano Daryl Hall nunca foi levado muito a sério pela crítica especializada. Um lamentável erro de julgamento, pois o cara é um verdadeiro gênio. Sua extensa e consistente obra em dupla com o cantor, compositor e músico americano John Oates rendeu belíssimos frutos em seus mais de 40 anos de atividade. Ele é o tema de Rock Icons 8, que o Canal Bis exibe nesta 2ª (16) às 12h30, 3ª (17) às 3h e 8h05 e 4ª (18) às 16h30. Saiba mais aqui.
Normalmente voltado a nomes do heavy/hard rock, desta vez este ótimo programa, dirigido por Sam Dunn e Scott McFadyen, prefere se render a um desses artistas capazes de superar barreiras e criar um trabalho ao mesmo tempo consistente em termos artísticos e bem-sucedido comercialmente. São apenas 22 minutos, mas absurdamente bem aproveitados, com direito a entrevistas feitas especialmente para a atração com o artista enfocado, o parceiro Oates e Kathy Phillips, irmã de Hall, além de excelente material de arquivo.
Neles, o autor de Maneater, I Can’t Go For That (No Can Do), Rich Girl, Kiss On My List e tantos outros hits fala sobre o início de sua carreira, na mitológica cidade da Filadélfia, quanto montou um grupo vocal, os Temptones, influenciado pelos Temptations. Uma foto reunindo os dois grupos é uma das surpresas que o expectador terá durante o programa.
Ele comenta sobre não admitir barreiras entre estilos musicais, dizendo-se à vontade ao fazer música influenciada pelos negros artistas e repelindo acusações do tipo “apropriação cultural” que alguns radicais desferem a brancos que fazem “black music”.
Com muita franqueza e sem papas na língua, ele lembra de suas experiências no meio musical, que o levaram a “odiar o negócio da música, pois eles não são amigos dos músicos, nunca foram meus amigos”, e de como descobriu ser a autoprodução o melhor caminho para viabilizar a sonoridade que sonhava em criar, após trabalhar com inúmeros produtores nos anos 1970.
As experiências com os videoclipes são lamentadas pelos dois parceiros, que detonam os diretores com os quais trabalharam e também a utilização de um visual nos clipes que nada tinha a ver com as letras das canções que as ilustravam. Oates, em um momento particularmente divertido, reflete que seus clipes equivalem a aqueles álbuns de fotos com visuais constrangedores que as pessoas tem nas gavetas de suas casas. Só que, no caso deles, totalmente acessíveis a todos e sempre os assombrando, com seu mal gosto.
Durante as entrevistas, temos cenas de ótimas apresentações ao vivo nos anos 1970 e 1980, trechos de clipes como Out Of Touch (o que eles mais detonam, de forma detalhada). Hall explica o seu processo de criação, sobre a mistura de soul music e folk que ele e Oates fizeram, e de como conseguiram se consolidar no cenário musical mundial.
Ele também fala de seu incrível programa Live From Daryl’s House, criado em 2007 inicialmente para exibições apenas via internet e que depois também entrou na programação de uma emissora de TV americana. A ideia era mostra-lo de forma mais informal e honesta, ao lado de músicos que admira, como forma de divulgar uma imagem sua mais próxima do real. O curioso é que em nenhum momento ele aborda os bons trabalhos que lançou como artista solo. Mas isso não tira a alta qualidade desta atração, que faz jus a esse craque da música pop.
Rock Icons 8- Daryl Hall (veja em streaming, sem legendas):
Com 42 anos de carreira-solo, Guilherme Arantes se mostra um artista com muita fome de palco. Isso ficou evidente na noite desta sexta (6), quanto, perante aproximadamente três mil pessoas, no Sesi de Jaú (SP), o cantor, compositor e músico paulistano esbanjou energia, carisma, descontração e talento em quase duas horas de performance, que o público presente demonstrou ter adorado, dançando, cantando e se emocionando com cada canção.
Guilherme viveu o seu auge em termos comerciais nas décadas de 1970 e 1980. Se não invade mais as paradas de sucesso com a mesma frequência, este artista sempre inquieto se manteve ativo, com direito a shows pelos quatro cantos do país e do mundo e também discos de ótima qualidade artística, sendo os mais recentes os elogiados Condição Humana (2013) e Flores e Cores (2017). “Nem sempre ganhando, nem sempre perdendo, mas aprendendo a jogar”, como diz trecho de sua clássica Aprendendo a Jogar.
Em momento realmente alto dessa sua trajetória brilhante, o artista trouxe a Jaú uma banda de apoio simplesmente iluminada, integrada por Luiz Carlini (guitarra), Willy Verdaguer (baixo), Alexandre Blanc (guitarra) e Gabriel Martini (bateria). No comando, ele, nos vocais e teclados. Um time que esbanja entrosamento, vibração e desenvoltura. Também, não é para menos.
Luiz Carlini tocou com Rita Lee nos anos 1970, liderando o grupo Tutti Frutti e sendo parceiro da maior roqueira brasileira em clássicos do porte de Agora Só Falta Você, Corista de Rock e Sem Cerimônia, além de ter feito o antológico solo de guitarra na gravação original de estúdio de Ovelha Negra. Ele já tocou com Guilherme em outras ocasiões, e também com Erasmo Carlos. Um dos grandes da guitarra rock brasileira.
Por sua vez, o baixista argentino Willy Verdaguer é radicado no Brasil desde 1967, e tocou e gravou ao lado de Caetano Veloso (em Alegria, Alegria, por exemplo), Gilberto Gil, Raul Seixas e Secos & Molhados, além de ter criado os grupos Raices de América e Humauaca (este de música instrumental e ainda ativo). Blanc e Martini mostram envergadura para tocar com o trio, o que nos permite considerar essa uma espécie de Guilherme Arantes All Stars.
O show não poderia ter sido melhor. Arantes começou com músicas de seus mais recentes álbuns, e depois nos ofereceu um hit atrás do outro. Ouvir em um mesmo show maravilhas do naipe de Êxtase, Amanhã, Deixa Chover, Meu Mundo e Nada Mais, A Cidade e a Neblina, Cheia de Charme, Um Dia Um Adeus, Coisas do Brasil, Cuide-se Bem, Brincar de Viver e Lindo Balão Azul (só para citar algumas), todas apresentadas com alto teor de performance, não é coisa que se veja/ouça todo o dia em um espetáculo. Imagine ainda gratuito!
Como forma de dar um tempero bem particular, o sempre verborrágico astro paulistano nos proporcionou deliciosos depoimentos sobre algumas das músicas, e também sobre suas experiências de vida, para deleite do público. Como em todo show ótimo que se preze, as duas horas pareceram dois minutos, de tão rápido que passaram. E vale elogiar a organização do Sesi de Jaú, que ofereceu um espaço e equipamento à altura do espetáculo.
Uma experiência surreal e deliciosa
Desde 1987, tive a oportunidade, como jornalista e crítico musical, de entrevistar Guilherme Arantes uma dezena (ou mais) de vezes. Acabamos criando um vínculo de amizade muito forte nesse tempo todo, com direito a franqueza, elogios e também eventuais críticas construtivas. Em 2012, ele me deu a honra de me dedicar, durante um show, minha música favorita de seu fantástico repertório, Cuide-se Bem (leia essa história aqui). Mas agora, ele me “quebrou as pernas”.
Ao ar livre, o show possuía uma área com cadeiras. Eu fiquei exatamente atrás dessa área, junto com a minha esposa, Virgínia (que ficou sentada em uma cadeira, mas fora daquela área). A visão do palco era boa, mas não estava tão perto assim. Pelo menos, assim pensava esta besta que voz tecla. Porque depois de algumas músicas, no fim de uma delas, eis que a estrela da noite me solta esta frase, apontando de longe para mim: “você é quem eu estou pensando que você é?”
Obviamente surpreso, eu acenei, de forma afirmativa. Aí, ele me apresentou à plateia de forma gentil e elogiosa, com a generosidade que lhe é peculiar. De quebra, me ofereceu a música que iria tocar logo a seguir, “apenas” Meu Mundo e Nada Mais, a canção que, em 1976, abriu-lhe as portas das rádios e da grande mídia e do público como tema da novela global Anjo Mau.
Imaginem só a minha cara, perante aquela multidão toda, com os holofotes voltados para mim… De quebra, o cidadão ainda dedicou Deixa Chover à minha mãe e, antes de começar o pot-pourry que encerrou o show, Fã-Número 1/Lindo Balão Azul, afirmou ser “meu fã”. Até parece, não é, seo Guilherme? Eu, sim, sou seu fã, e dos grandes. Você não tem a ideia de como tanta generosidade me fez bem, além de me dar a certeza de que, quem sabe, na minha vida, o melhor esteja para começar, como diz uma de suas canções (leia a homenagem que fiz quando ele completou 60 anos de idade aqui).
Muitas pessoas questionam a idoneidade de documentários sobre artistas que contam com a autorização dos mesmos para serem realizados, pois teoricamente permitiriam a eles ocultar fatos de suas vidas que achassem convenientes serem escondidos. No caso de George Michael, fica difícil contestar Freedom, que ele codirigiu e criou em parceria com o diretor David Austin. Lançado na Inglaterra em outubro de 2017, ele será exibido nesta sexta (6) às 7h e neste sábado (7) às 11h50 no canal a cabo Bis (saiba mais aqui).
O documentário estava praticamente concluído quando o cantor, compositor e músico britânico nos deixou, no dia de natal de 2016. Esse fato é revelado em seus primeiros minutos, pela modelo Kate Moss. Acabou se tornando uma espécie de despedida do astro, e de uma forma franca, aberta e abrangente. Temos entrevistas antigas e outras feitas especialmente para a atração por ele, além de depoimentos de celebridades como Elton John, Stevie Wonder, Ricky Gervais, Liam Gallagher, Nile Rodgers, Clive Davis, Mary J. Blige e diversos outros.
Valendo-se de vasto material de arquivo, o filme mostra George desde seus tempos de Wham!, duo criado com o amigo de infância/adolescência Andrew Ridgeley que o emplacou no primeiro escalão da música pop na primeira metade dos anos 1980, passando pelo megaestouro na carreira solo logo com seu primeiro álbum nessa fase, Faith (1987), que vendeu mais de 20 milhões de cópias em todo o planeta e permitiu a ele encarar Madonna, Michael Jackson e Prince na época, em termos de popularidade e prestígio.
Sem papas na língua, o autor de Father Figure admite que após os dez meses de duração da turnê que divulgou Faith, em 1988, ficou no “limite da sanidade”, e que, por isso, resolveu tomar uma opção radical para seu próximo álbum, Listen Without Prejudice Vol.1 (1990): não teria sua foto na capa do disco, não apareceria em seus videoclipes e também não promoveria o álbum com entrevistas.
O escritório americano da gravadora Sony, com a qual ele tinha contrato, não aceitou a proposta, e passou de forma velada a sabotar a divulgação do trabalho. Isso gerou uma extensa briga jurídica que levou o astro e a gravadora aos tribunais, em um processo que durou anos e se encerrou de forma desvantajosa para Michael. Esse embate é ilustrado com depoimentos do cantor e também de integrantes da sua equipe e da direção da gravadora naquele período, dando uma visão bem abrangente das posições dos lados envolvidos. Bem democrático.
Se depois conseguiu dar continuidade à sua carreira, esse lado profissional conturbado teve outro ponto a agravar a vida do artista na primeira metade da década de 1990: seu breve, porém marcante relacionamento com o brasileiro Anselmo Feleppa (1956-1993), que conheceu quando se apresentou no Rock in Rio, em janeiro de 1991. “Fui feliz com ele como nunca havia sido antes na minha vida”, afirma. Ele dedicou a música Jesus To a Child e o álbum Older (1996) ao ex-companheiro, além de definir esse CD como sobre luto (sua mãe morreu na mesma época, outro duro golpe sofrido por ele) e recomeço.
Bem franco ao falar sobre sua vida pessoal e profissional, Michael também é bem descrito por seus amigos e parceiros. Uma boa surpresa é saber o quanto o sempre ácido e irreverente Liam Gallagher, ex-vocalista do Oasis, era fã dele, elogiando-o de forma entusiástica. Stevie Wonder comenta sobre a química existente entre ele e George, que regravou e cantou em shows diversas músicas do autor de You Are The Sunshine Of My Life: “é algo que não dá para fingir”.
Um ponto bacana da personalidade de George Michael descrita pelo ator Ricky Gervais é a sua capacidade de nunca fugir de um assunto, mesmo os mais constrangedores ou polêmicos, como sua homossexualidade ou escândalos protagonizados por ele. O videoclipe da sensacional Freedom 90, protagonizado pelas cinco supermodelos mais badaladas da época, também é destrinchado de forma minuciosa, com depoimentos das beldades envolvidas.
Lógico que, em meio a tudo isso, a obra do astro pop aparece com destaque, ficando claro o como esse cara nos deixou um legado muito precioso em termos musicais, passando por pop, rock, black music, jazz etc, sempre com uma voz poderosa e recheada de alma. Compositor talentoso, ele também sabia como poucos interpretar material alheio, como suas expressivas e vibrantes releituras de Somebody To Love (Queen) e As (Stevie Wonder) deixam bem claro.
Franco, direto e sem maquiar incoerências e fraquezas, Freedom (o documentário) nos mostra um ser humano contraditório, mas repleto de pontos positivos, e que merece ser relembrado por tudo o que fez de bom durante seus 53 anos de vida. Um filme que nos faz rir, refletir, chorar e principalmente querer ouvir cada vez mais os ótimos trabalhos que George Michael nos deixou, um legado mais do que precioso.
Freedom ainda não foi lançado em DVD/Blu-ray, só estando disponível na programação de canais a cabo ou de streaming por demanda. Se sair em formato físico, compre na hora, se for fã do artista, pois valerá cada centavo que você pagar por ele. E uma dica: prepare o lenço na parte final de seus 95 minutos de duração, pois fica difícil não verter lágrimas, muitas lágrimas, nesses instantes finais.
A expressão “rock clássico” era inicialmente usada para denominar trabalhos roqueiros com influência erudita, um sinônimo de rock progressivo. Nos últimos 20 e tantos anos, passou a designar o melhor do rock das décadas de 1950 a 1970, e também artistas atuais influenciados por essa sonoridade de Beatles, Led Zeppelin, Deep Purple e quetais. Ouvir Ohblackbagual Canção Contaminada, álbum capitaneado pelo gaúcho Bebeto Alves, nos remete ao que há de melhor nesse conceito tão amplo e vago.
Com 40 anos de carreira discográfica, o cantor, compositor e músico oriundo de Uruguaiana (RS) nos oferece em sua discografia composta por mais de 25 títulos um trabalho essencialmente roqueiro, mas repleto de outras influências muito bem digeridas, entre as quais o folk, a milonga e as diversas variações da música gaúcha, e a música portenha. Autor da deliciosa 433, um dos destaques do álbum de 1983 de Kleiton & Kledir (aquele que inclui Nem Pensar, Tô Que Tô e Viva), Bebeto é um cara extremamente gregário e aberto a parcerias.
Canção Contaminada é creditado ao Blackbagual, espécie de “alter ego coletivo” que já havia nos oferecido em 2004/2006 o CD/DVD Blackbagualnegoveio. Além de Bebeto (vocal, guitarra e violões), temos no time Rodrigo Reinheimer (baixo e vocais), Marcelo Corsetti (guitarras) e Luke Faro (bateria). Trata-se de um time coeso ao extremo, que esbanja virulência, tesão e qualidade técnica durante todo o álbum.
O conceito em torno do qual o músico gaúcho criou o repertório deste disco é o novo tempo em que vivemos, no qual a ilusão de que o mundo digital/internético nos deixaria mais livres e próximos se tornou um verdadeiro pesadelo que deixa livros futuristas sombrios como 1984 e Admirável Mundo Novo com cara de contos de carochinhas. Mas Bebeto prefere enxergar esperança em meio a uma verdadeira nuvem de poeira escura que nos circunda.
Bebeto é o autor de todas as faixas do álbum, mas se vale de parceiros certeiros em algumas delas. Humberto Gessinger, por exemplo, que já havia composto e gravado com ele em 2014 a incrível Milonga Orientao (ouça aqui), agora retoma a parceria com seu mestre na incrível e virulenta Outro Nada, um dos destaques do álbum.
O excelente cantor e compositor uruguaio Walter Bordoni é o coautor de Quimera e Bajo La Misma Ciudad, que escancaram essa adorável proximidade do som de Bebeto Alves com o rock uruguaio e argentino. E André Bolívar, que conheceu o rocker gaúcho através da internet, é o parceiro na ótima Águas Barrentas.
Nada melhor do que ouvir um CD (também disponível nas plataformas digitais) conciso como este, no qual nenhuma nota está fora do lugar, e nenhuma música está ali para tapar buracos ou encher linguiça. Aqui, meus amigos, é som pra cabeça, como diriam os antigos, petardo atrás de petardo, e quando você vê, já iniciou novamente a audição.
Com um jeitão meio dylaniano, O Espírito Santo abre o álbum com forte sabor folk-rock. É o início de uma verdadeira festa roqueira, que nos oferece maravilhas como a incrivelmente filosófica Religar, a potente Outro Nada, a deliciosa Quimera, a intensa faixa-título, a radiofônica Tira Mancha e o mantra Você, canto de esperança que encerra um álbum brilhante. Do alto de seus 63 anos de pura sabedoria, Bebeto Alves nos mostra que vale a pena perseverar, mesmo em tempos bicudos. Se existe rock clássico no Brasil, este álbum merece tal rótulo.
Pode um cidadão com 65 anos de idade entrar em um festival no qual estão escaladas atrações com integrantes que poderiam ser seus netos, e brilhar intensamente? Se o nome desse sujeito for David Byrne, a resposta é um retumbante sim. No fim da tarde deste sábado (24), no Lollapalooza Brasil 2018, o cantor, compositor e músico escocês criado nos EUA deu um verdadeiro banho de carisma, musicalidade, teatralidade e vitalidade. Uma apresentação brilhante.
O show, que teve início às 17h15, trazia como cenário uma cortina gigante feita de tirinhas, daquelas baratinhas que você usa para separar ambientes ou salas de forma mais informal. Além disso, os 12 músicos em cena (incluindo a estrela principal) usavam ternos cinza e tocavam seus instrumentos de pé, mesmo o tecladista. Isso possibilitava a eles participar de coreografias ao lado de Byrne, em um estilo ao mesmo tempo teatral e descontraído.
A banda, da qual faziam parte seis percussionistas, mostrou muita personalidade e entrosamento para ao mesmo tempo tocar e dividir os holofotes com seu chefe. A habilidade deles permitiu manter o clima dançante e para cima durante toda a performance, além de o apelo visual ajudar a cativar o público. Seja como for, certamente esse tipo de performance será ainda melhor apreciada em shows realizados em teatro ou mesmo visto em TV ou DVD/Blu-ray, embora o beat dançante seja bem adequado a grandes festivais.
O repertório escolhido por David Byrne trouxe 13 canções, sendo sete da banda que o tornou conhecido mundialmente nos anos 1970 e 1980, os Talking Heads, duas de sua parceria realizada em 2009 e 2010 com Fatboy Slim e quatro de seu mais recente trabalho solo, o elogiado American Utopia, lançado há pouco e o primeiro de toda a sua trajetória de mais de 40 anos a chegar ao Top 5 da parada americana, vendendo mais de 63 mil cópias na semana de lançamento e atingindo o número 3 na sempre muito disputada parada da Billboard.
A costura das músicas se mostrou incrível, com clássicos dos Talking Heads do porte de This Must Be The Place (Naive Melody), Once In a Lifetime e Slippery People se encaixando feito luva nas novas Everybody’s Coming To My House e I Dance Like This e nas ótimas parcerias com Fatboy Slim Toe Jam e Dancing Together.
Com sua simpática timidez, Byrne ganhou a plateia com pouco minutos de apresentação, e não demorou três canções para tirar os chinelos que usava na parte inicial, ficando também descalço. O misto de funk, soul, pop e música latina presente no set list se mostrou uma boa amostra do que esse grande artista fez em sua brilhante carreira, e o fato de as músicas novas serem bem legais mostra que o cara ainda tem muita lenha para queimar. O fim da apresentação, às 18h17, deixou aquele delicioso gostinho de quero mais. Que ele volte logo ao Brasil!
Conheça o repertório completo do show de David Byrne:
– Here (American Utopia)
– I Zimbra (Talking Heads)
– Slippery People (Talking Heads)
– Everybody’s Coming To My House (American Utopia)
– This Must Be The Place (Naive Melody) (Talking Heads)
– Once In a Lifetime (Talking Heads)
– Toe Jam (parceria com Fatboy Slim- 2009)
– I Dance Like This (American Utopia)
– Everyday Is a Miracle (American Utopia)
– Blind (Talking Heads)
– Dancing Together (parceria com Fatboy Slim- 2010)
– The Great Curve (Talking Heads)
– Burning Down The House (Talking Heads) final: 18h17 (sem bis)
Everybody’s Coming To My House (ao vivo)- David Byrne:
O escritor, compositor e pianista Caetano Júnior escolheu uma forma bastante peculiar de desenvolver a sua carreira musical. Ao invés de interpretar ele próprio as suas canções, faz parcerias com cantoras, que se incumbem dessa missão. O primeiro álbum nesse formato teve Larissa Cavalcanti no papel de intérprete, Pele Morena e Azul- Larissa Cavalcanti Canta Caetano Júnior (2015- leia entrevista com ela aqui). O segundo acaba de sair: Novo Rumo- Glau Piva Canta Caetano Júnior, com distribuição da Tratore.
O cenário sonoro, desta vez, soa um pouco diferente. No CD anterior, o repertório tinha como base a MPB, especialmente samba e música nordestina. Como a cantora, compositora e musicista paulista Glau Piva, envereda por um lado mais pop-rock com tempero MPB, sendo Novo Rumo um título bem apropriado. Com sete trabalhos anteriores, nos quais também explorou seu lado compositora, a artista desta vez dedicou-se exclusivamente a suas facetas de cantora e musicista.
Mais uma vez a produção ficou a cargo do talentoso e experiente Alexandre Fontanetti, conhecido por seu trabalho com Rita Lee e inúmeros outros artistas e que também se incumbe de tocar guitarra, da mixagem e da engenharia de gravação. No elenco, músicos do porte de Thadeu Romano, Ubaldo Versolato, Gerson Tatini e o genial Mario Manga (do Premê), este último responsável por dois belíssimos arranjos de cordas. Glau toca violão, cavaquinho e guitarra, enquanto Caetano se incumbe de piano acústico e teclados.
O repertório de 13 composições de Caetano Júnior envereda por um pop-rock bem próximo da MPB, com direito a letras líricas e românticas, melodias delicadas e boas variações rítmicas. O clima ora soa como o dos tempos iniciais do rock brasileiro, ora como do pop-rock dos anos 80 em sua vertente baixos teores. Com voz suave e bem colocada, Glau se incumbe com eficiência da função de “porta-voz” do compositor, especialmente em faixas como Novo Dia, Nuvem Branca, Serenata e Entre Meias Palavras, Soluços. Uma boa parceria. E fica a curiosidade para saber como será o próximo trabalho deste inquieto Caetano Júnior.
Saiba mais sobre o álbum Novo Rumo, de Glau Piva e Caetano Junior:
A cantora, compositora e pianista paulistana Vitoria Maldonado iniciou a sua carreira musical na segunda metade da década de 1980, após se formar na conceituada Berklee College of Music, nos EUA. Madura artisticamente e esbanjando categoria, ela atinge um ponto incrível nessa trajetória ao lançar pela gravadora americana Summit Records (com distribuição no Brasil a cargo da Tratore) o CD Brasil L.I.K.E. (Love, Inspiration, Knowledge, Energy) ao lado do Ron Quartet Quartet e da Ruriá Duprat’s Brasilian Orchestra.
Ron Carter é um dos melhores contrabaixistas da história da música, sem nenhum exagero. Um dos recordistas mundiais em sessões de gravação, o músico de 80 anos de idade já tocou com Miles Davis, Roberta Flack, Tom Jobim e inúmeros outros. Detalhe: escolhe a dedo os seus projetos. Fã incondicional da música brasileira, ele convidou Vitoria para gravar com ele e seu quarteto, hoje integrado por ele, a consagrada pianista canadense Renee Rosnes (piano) e os também feras Payton Crossley (bateria) e Rolando Morales-Matos (percussão).
O time é completado por uma orquestra comandada pelo maestro e arranjador brasileiro Ruriá Duprat e composta por mais de 20 músicos de cordas e sopros. De quebra, ainda temos participações especiais de Roberto Menescal (violão), Proveta (sax), Randy Brecker (flugelhorn), Marcos Mincov (english horn), Toninho Ferragutti (acordeon) e Omar Izar (harmônica). Dá pra encarar? Cantar com uma escalação dessas não é para qualquer uma.
Vitoria Maldonado tem bagagem suficiente para encarar tamanho desafio. Além de ter acompanhado Marisa Monte (logo no início de sua carreira) e a dupla Sá & Guarabira, ela desenvolveu uma carreira repleta de shows, mas com poucos álbuns próprios. O primeiro, Vitoria (1994), foi lançado pela gravadora Warner e indicado ao prêmio Sharp.
Em 2011, ela nos ofereceu sua segunda obra, o excelente O Que Está Acontecendo Comigo, álbum disponível em luxuosa edição com direito a CD e a DVD no qual a artista interpreta as onze faixas do álbum (com cenas de estúdio), todas de sua autoria, sendo quatro instrumentais (com adoráveis vocalizes) e sete com letras. Um trabalho calcado na bossa nova, MPB e jazz e com um requinte melódico e harmônico impecáveis, destacando Oração, Desconhecido e My Deepest Love.
A colaboração entre Vitoria e Ron Carter traz um repertório de 13 faixas. Duas delas são da própria artista brasileira, Adoro Seu Sorriso e Saudade (esta uma parceria com Carter). As outras se dividem entre standards do jazz, bossa nova, MPB e doo-wop. O requintado tratamento instrumental não tira o aspecto cativante das melodias, todas muito valorizadas. E a forma suave e doce que Vitoria as interpreta faz toda a diferença. Seu lado pianista ficou reservado para uma única faixa, a já citada (e bela) Saudade.
Os músicos aproveitam os espaços proporcionados a eles para belas intervenções, mas as canções ditam o rumo de cada gravação. Uma delicia o resultado obtido em faixas como Night And Day, I Only Have Eyes For You, Saudade, Lugar Comum e They Can’t Take That Away From Me. Brasil L.I.K.E. equivale a um momento mágico na carreira de Vitoria Maldonado, e tomara que possa impulsioná-la rumo a um público maior no Brasil e, porque não, também no exterior.
Night And Day– Ron Carter Quartet & Vitoria Maldonado:
Em 2014, com apenas dois anos de estrada, a banda campineira Threesome lançou Get Naked, seu primeiro álbum. Com a saída do vocalista Bruno Baptista, substituído pela cantora Juh Leidl, o quinteto agora nos proporciona um novo lançamento. Trata-se do EP Keep On Naked, que traz três faixas nervosas, vibrantes e que mostram o time afiadíssimo em sua proposta.
A sonoridade defendida pelo grupo que traz Juh Leidl (vocal), Fred Leidl (guitarra, piano e vocal), Bruno Manfrinato (guitarra), Bob Rocha (baixo) e Henrique Matos (bateria) é um rock ardido, com riffs simples e agressivos que beiram o hard rock e denotam influências bacanas dos anos 1960 e 1970. Os músicos atuam de forma coesa, com solos convivendo pacificamente com as canções, sem exibicionismos. A simplicidade é a tônica aqui, mas sem cair no banal.
O nome Threesome (termo em inglês equivalente ao ménage a trois francês) dá uma dica sobre as letras (todas em inglês) das suas composições, que enfocam as relações sexuais e afetivas de forma aberta e sem muitas amarras. A entrada da carismática Juh e a boa voz de Fred abrem perspectivas vocais muito bacanas para a banda que podem se tornar um belo diferencial, se continuarem sendo desenvolvidas conforme o material deste novo EP nos indica.
Duas das faixas, Sweet Anger e ERW, são releituras de canções presentes no álbum de estreia, só que reestruturadas para a nova configuração do time, sendo My Eyes totalmente inédita. A gravação analógica e a captação, mixagem e masterização feitas em Campinas (SP) pelo experiente Maurício Cajueiro (que trabalho com nomes gigantes do porte de Stephen Stills, Steve Vai, Glenn Hughes, Gene Simmons e Linkin Park) proporcionaram ao material um impacto sonoro comparável ao das melhores formações gringas, em termos técnicos.
Keep On Naked e seu ótimo conteúdo equivalem a uma bela amostra do que a Threesome poderá nos proporcionar nos próximos anos, e certamente deixará os admiradores de um rock ardido e bem concatenado extremamente curiosos para acompanhar os próximos passos dessa trajetória musical. E tomara que eles saibam aproveitar com inteligência e sensibilidade as possibilidades que a combinação das vozes dos seus dois cantores poderão lhes proporcionar.
Quem acompanha atentamente a carreira do A-ha sabe que, em meio aos teclados proeminentes e elementos eletrônicos presentes em seus trabalhos, sempre existiram canções altamente melódicas, e com um teor lírico/melancólico, ambientação tipicamente nórdica. Para quem os encara como “apenas mais uma bandinha pop”, recomendo a audição atenta de MTV Unplugged Summer Solstice, álbum duplo gravado ao vivo na sua Noruega natal, em formato acústico.
A ligação A-ha/MTV foi marcante, especialmente pelo fato de seu primeiro grande hit, Take on Me, ter sido divulgado por um dos videoclipes mais populares de todos os tempos. Curiosamente, só agora a banda se propôs a gravar um álbum acústico com o apoio da emissora, quando o formato tão popular nos anos 1990 e 2000 já nem tem mais toda essa força comercial. Ou, quem sabe, seja exatamente por isso que o trio resolveu encarar o desafio apenas agora.
Morten Harket (vocal), Magne Furuholmen (teclados) e Paul Waaktaar-Savoy (guitarra), ao contrário de outros contemporâneos do synth-pop/tecnopop dos anos 80, sempre souberam cuidar bem de suas composições, investindo em boas melodias e soluções harmônicas e de arranjos que iam além de simplesmente se valer dos timbres e batidas eletrônicas para invadir as paradas de sucesso. Quem sabe isso justifique a maior durabilidade de seu repertório.
Com bastante inteligência, o trio selecionou suas canções que mais se adaptassem não só ao formato acústico, mas também a um clima mais intimista que pretendiam imprimir neste trabalho. Isso explica a ausência de hits mais “solares”, digamos assim, como Cry Wolf, You Are The One e Touchy. No entanto, boa parte de suas canções mais conhecidas está aqui, como I’ve Been Losing You, Take on Me, Living Daylights, The Sun Always Shine On TV, Scoundrel Days e Memorial Beach.
O álbum duplo traz 21 faixas. Temos 17, entre hits e outras menos conhecidas (mas também muito boas), extraídas de praticamente todos os álbuns da banda (só dois- East Of The Sun West Of The Moon, de 1990, e o recente Cast In Steel, de 2015, ficaram de fora). Entre as restantes, duas são inéditas, as ótimas This Is Our Home e A Break In The Clouds, e duas são regravações.
Uma das releituras resgata o passado de dois integrantes, Paul e Magne, pois é uma música da banda Brigdes (Sox Of The Fox), projeto deles anterior ao A-ha. A outra é The Killing Moon, um dos maiores sucessos do grupo britânico Echo & The Bunnymen, que conta com a participação especialíssima de seu cantor e líder, Ian McCulloch, também presente na ótima releitura de Scoundrel Days.
Três cantoras também estão neste MTV Unplugged ao lado do grupo norueguês. São elas Lissie (em I’ve Been Losing You), Ingrid Helene Hávik (em The Sun Always Shine On TV) e Alison Moyet (ex-integrante do duo oitentista Yazoo, em Summer Moved On). O grupo também conta com a presença de uma sessão de cordas e de quatro músicos de apoio. O resultado é uma sonoridade delicada, envolvente e que dá ótima moldura às belas melodias de cada música.
Gravado em dois shows realizados em 22 e 23 de junho de 2017 no Giske Harbour Hall, espaço intimista que abrigou apenas 250 pessoas em cada apresentação, o show como um todo demonstra que Morten Harket continua com a mesma potência de voz dos bons tempos, enquanto os colegas de time permanecem com a mesma categoria e postura discreta que sempre os marcou.
MTV Unplugged Summers Solstice equivale a um verdadeiro atestado de relevância artística de uma banda que sempre ofereceu ao seu público um som pop ao mesmo tempo acessível e com o requinte artístico típico de quem gosta do que faz e não o faz apenas para encher suas contas bancárias. Não reinventaram a roda nem revolucionaram a música, mas ofereceram biscoitos finos para as massas. E esse álbum duplo (também disponível em DVD) é mais um deles.
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