Em meados dos anos 1990, Marcos Maynard, um dos mais bem-sucedidos executivos da história da indústria fonográfica no Brasil, teve a ideia de fazer um projeto tendo a bossa nova, ritmo que curte desde a sua adolescência, como mote. Os anos se passaram, e quando ele viu um show de Toquinho, ficou encantado com uma cantora que fez uma participação especial. Era Camilla Faustino, que ele logo sentiu ser a protagonista ideal para sua empreitada. O resultado é o DVD Bossa Sempre Nova (Maynard Music, distribuição Radar Records), disponível também nas plataformas digitais.
A jovem intérprete goiana mostra o repertório desse trabalho em show nesta terça (10) às 22h30 em São Paulo no Blue Note São Paulo (avenida Paulista, nº 2.073- 2º andar- fone 0xx11-3179-0050), com ingressos a R$ 70,00. No repertório, as canções do DVD e também outras releituras bacanas, entre as quais Sina (Djavan) e Isn’t She Lovely (Stevie Wonder).
Na verdade, a descoberta de Camilla foi a metade do caminho para a viabilização de Bossa Sempre Bossa. A parte final veio curiosamente uma semana depois, quando Maynard foi apresentado ao Trio Guará, integrado por Flavio Iannuzzi (piano), Noa Stroeter (contrabaixo acústico) e Marcos Magaldi (bateria e percussão). Era a dose adicional de juventude e talento que faltava.
Com direção artística de Maynard (ex-integrante do grupo setentista brasileiro Lee Jackson) e produção de Luiz Carlos Maluly (outro ex-Lee Jackson e produtor de álbuns de RPM e Bruno & Marrone entre muitos outros), Camilla Faustino & Trio Guará interpretaram com muita classe, energia e personalidade clássicos do repertório bossa-novístico, com destaque para O Morro Não Tem Vez, Samba de Verão, Canto de Ossanha/Berimbau e Deixa/Deixa Isso Pra Lá.
O DVD foi gravado ao vivo no estúdio Mosh, em São Paulo, nos dias 3 e 4 de dezembro de 2018 sem a presença de plateia, mas como se fosse um show. O registro em preto e branco dá um tom altamente classudo à apresentação, sendo que Camilla esbanja expressividade, sensualidade e senso de interpretação. O acompanhamento do Trio Guará é preciso, sem arestas a serem aparadas.
Alguém pode até fazer a pergunta que não quer calar: “mas por que mais um projeto dedicado a clássicos da bossa nova?”. E a resposta é simples: por que não? Ainda mais se for feito com a evidente competência e prazer desses quatro jovens músicos, que provavelmente atrairão gente da sua faixa etária para um repertório que merece ser ouvido e reouvido para todo o sempre.
Canto de Ossanha/Berimbau– Camilla Faustino & Trio Guará:
Participei, em 1986, do que deve ter sido a primeira entrevista coletiva da carreira dos Engenheiros do Hawaii, realizada na denominada “sala de lazer” da gravadora BMG, em São Paulo. O grupo divulgava seu álbum de estreia, Longe Demais das Capitais. Tenho fotos do evento, por sinal. O que mais me chamou a atenção, na época, foi o vocalista e então guitarrista da banda, um certo Humberto Gessinger, citar entre as suas principais influências Pink Floyd e Rush.
Não fazia sentido, se levássemos em conta a sonoridade pop-rock, com elementos de ska, que aquele primeiro trabalho revelava, com os hits Toda Forma de Poder, Sopa de Letrinhas e Longe Demais das Capitais. Estaria ele brincando com os jornalistas, ou mesmo dando a entender de que gostava de uma coisa, mas fazia outra na hora do trabalho? Ficou a dúvida no ar.
Que se encerrou de forma categórica no ano seguinte (1987), com o lançamento de A Revolta dos Dândis, segundo LP do trio que agora trazia Humberto no baixo e vocal, Carlos Maltz ainda na bateria e o jovem veterano Augusto Licks na guitarra, substituindo o baixista Marcelo Pitz. Ali, essas fontes se mostravam de forma cristalina, em uma mistura de rock progressivo, folk e pop-rock ousada e personalizada e temperada por letras inteligentes.
Desde então, muita água passou por debaixo da ponte. Mudaram formatos de se comercializar música, mudaram as gravadoras (muitas acabaram, na verdade), mudaram estilos, mudaram ídolos… Humberto Gessinger, no entanto, manteve-se fiel ao universo musical que escolheu para si, seja como líder dos Engenheiros do Hawaii, integrante do duo Pouca Vogal ou, a partir de 2013, como artista-solo.
Não Vejo a Hora, que a gravadora Deck disponibilizou em CD, LP de vinil, fita cassete e nas plataformas digitais, é o segundo álbum de estúdio completo que Gessinger lança nos últimos seis anos, sucedendo Insular (2013). Nesse meio-tempo, nos ofereceu singles e trabalhos ao vivo bem bacanas, além de shows lotados pelos quatro cantos do país.
Este novo álbum traz onze canções, sendo cinco só dele e seis assinadas com os parceiros Tavares, Felipe Rotta, Nando Peters (duas), Bebeto Alves (um dos monstros sagrados do rock gaúcho) e Duca Leindecker (do grupo Cidadão Quem e parceiro de Humberto no Poca Vogal).
Em oito, atua o power trio integrado por Gessinger (vocal, teclados e baixo), Felipe Rotta (guitarra) e Rafael Bisogno (bateria), e em três, estão em cena Gessinger (viola caipira, violão e voz), Nando Peters (baixo) e Paulinho Goulart (acordeon), com abordagem acústica. Duas formações coesas e certeiras.
Para quem procura novidades escandalosas ou novos rumos sonoros, Não Vejo a Hora pode soar como um “mais do mesmo”, ou “variações sobre um mesmo tema”. E é mesmo, pois o ex-líder dos Engenheiros do Hawaii não abre mão de seus conceitos musicais e poéticos (a tal de “zona de conforto”) neste álbum. E quer saber? Ele está absolutamente certo nessa opção.
Nem sempre mudar de rumo significa algo bom ou positivo em termos artísticos. Aliás, com uma certa frequência, pode gerar frutos nada interessantes, especialmente se a motivação levar em conta objetivos comerciais ou mesmo de tentar agradar a crítica especializada. Convicção e personalidade são elementos muito importantes para quaisquer profissionais, e estão entre os grandes méritos do autor de Infinita Highway.
Atuar dentro de um mesmo universo sonoro não significa, no entanto, necessariamente se repetir de forma tediosa e sem imaginação. Não Vejo a Hora é uma prova disso. Nele, Humberto Gessinger se vale de suas armas habituais com muita inspiração, inteligência e sutileza.
A forma como Gessinger compõe se vale de colagens, bricolagens, citações de outros autores, aproveitamento de elementos poéticos e musicais de obras próprias ou alheias e observações do cotidiano e existenciais. Tem muito parentesco com o estilo de Belchior, que por sinal é citado na deliciosa Estranho Fetiche, prima-irmã de Fetiche Estranho, deste mesmo trabalho.
O cantor, compositor e músico gaúcho demonstra um profundo respeito ao seu público, e isso aparece nas sutilezas que cada faixa nos oferece. Audições repetidas nos levam a observar novos detalhes. Nada parece ser por acaso.
Partiu, por exemplo, que abre o disco, dialoga com Missão, sua faixa de encerramento, nessa perspectiva de seguir em frente, sempre, apesar dos pesares. A vida é assim, e só nos resta encará-la da melhor forma possível.
Um Dia de Cada Vez dá outro toque simples, que é de tentar encarar cada problema no seu tempo, um por vez, sem querer abraçar o mundo com os braços, além de observar que “a cada dia sua agonia, seus prazeres também”.
Bem a Fim, com sua sonoridade acústica, traz como grande sacada os versos “a highway to hell faz a curva e vai pro céu quando a resposta vem do outro lado alguém dizendo que está tudo bem”. Viva as parcerias!
Algum Algoritmo é uma divertida divagação sobre um relacionamento afetivo improvável, que no entanto se firma mesmo assim: “somos muito diferentes, improvável par, algoritmo algum ousaria nos ligar”.
Calma em Estocolmo aborda os turbulentos tempos dos dias atuais, repletos de incertezas que Humberto ressalta bem em versos como “o preço da pressa atropela a tua timeline, atrás do troll elétrico só não cai quem já morreu”.
O clima soturno de vigilância totalitária no melhor estilo 1984, de George Orwell, pontua Olhou Pro Lado, Viu.
As canções acústicas e irmãs Fetiche Estranho e Estranho Fetiche trazem como mote os versos “tudo depende da hora, fruto, semente e flor, mas o sonho de mudar o mundo, ao menos muda o sonhador”. Bem por aí: muitos deixam de sonhar, mas outros tantos pegam o bastão e seguem adiante nessas esperanças utópicas, mas necessárias. E mudam, no fim das contas.
Maioral é a minha favorita do álbum, um belo tapa com luva de pelica na cara de quem se acha o máximo, o dono da cocada preta, ou, enfim, o maioral, com versos sensacionais como “um dinossauro e uma ficha telefônica tem o mesmo tamanho pois agora tanto faz, não faz sentido pensar que é o maioral”.
Outro Nada é mais um biscoito fino sonoro escrito por Humberto em parceria com o genial Bebeto Alves, e outro petardo, prova de que não estranharei se em um futuro próximo os dois gravarem um disco juntos. Missão, da dobradinha Gessinger-Leindecker, fecha a tampa arredondando o conceito inicial.
Em termos sonoros, temos canções melódicas, simples e muito bem concatenadas, interpretadas por um cara que está cantando melhor do que nunca, a caminho de completar 56 anos no dia 24 de dezembro. Sabe valorizar cada palavra e o timbre agradável de sua voz, jogando sempre a favor de cada faixa. Craque, é assim que se define alguém assim?
Não Vejo a Hora é uma profissão de fé no formato álbum, pois suas canções podem perfeitamente ser curtidas individualmente, mas fazem muito mais sentido se ouvidas na sequência que nos é oferecida aqui. Um trabalho sólido de um artista que merece ser levado a sério.
Muitos músicos e grupos brasileiros se metem a tocar os clássicos do rock internacional. Alguns conseguem interpretações muito próximas das originais, no melhor estilo copiar nota por nota. Nada contra. Agora, reler essas canções e colocar sua assinatura musical própria nelas, sem as descaracterizar, aí é tarefa para poucos e bons. E Victor Biglione já provou há muito que integra essa restrita confraria, como fica evidente mais uma vez em seu mais recente álbum, o excelente Classic Rocks From Brazil, distribuído pela Tratore e disponível nos formatos CD e digital. É coisa de quem entende do assunto e tem ferramental técnico e artístico para realizar tal tarefa de forma impecável.
Nascido na Argentina em 22 de fevereiro de 1958 e radicado no Brasil desde 1964 (naturalizou-se brasileiro nos anos 1980), este guitarrista, cantor, compositor e produtor tem um currículo profissional do tipo lista telefônica de antigamente. Já acompanhou em shows e em CDs gente da estirpe de Belchior, Beto Guedes, Caetano Veloso, Cássia Eller, Chico Buarque, Gal Costa, Elis Regina, Ivan Lins e muitos, mas muitos outros mesmo.
Além de ter integrado de 1982 a 1984 o grupo A Cor do Som, Biglione gravou álbuns em parceria com Andy Summers, Wagner Tiso e Marcos Valle, além de desenvolver uma carreira-solo repleta de momentos significativos.
Antes de realizar tudo isso, estudou nos EUA e também com alguns dos melhores guitarristas brasileiros, o que lhe deu uma bagagem teórica que se mostrou bastante valiosa na hora de encarar as mais diversas sonoridades durante essas mais de quatro décadas de estrada.
Nessa sua incursão pelo chamado classic rock, Victor nos dá uma verdadeira aula de guitarra, esbanjando timbres belíssimos de instrumentos e indo desde solos velozes e agressivos até aquelas notas choradas e bem sustentadas, típicas do blues. O nível de execução dele é simplesmente brilhante, sem se limitar a apenas uma forma de atuar. E seu bom gosto é também admirável, nunca se permitindo o tecnicismo puro e respeitando a beleza de cada canção que toca.
O repertório de Classic Rocks From Brazil inclui 12 faixas, sendo duas de Jimi Hendrix, duas dos Rolling Stones (de seu antológico álbum Beggars Banquet, de 1968), uma de Peter Green/Billy Cobham, três autorais, uma do Deep Purple, uma do jazzista Larry Corryell e uma de cada dos seminais bluesmen John Lee Hooker e Johnny Winter. As suas são fantásticas, e a escolha das releituras busca pérolas nada óbvias dos repertórios de cada artista selecionado.
Nas faixas Stray Cat Blues, No Expectations, Serves To Right To Suffer e I Love Everybody, o vocal principal fica a cargo da poderosíssima Vera Negri, que solta a voz sem medo de ser feliz e faz um belo contraponto com a guitarra do mestre de cerimônias deste álbum. Parceria que merece um CD completo um dia desses.
Jam Back At The House/We Gotta Live Together tem o próprio Victor no vocal principal, sendo que as outras sete gravações são centradas na parte instrumental. O velho amigo e parceiro Andy Summers marca presença em um belo duelo de violões na faixa 1+2 Blues. O elenco de músicos, todos ótimos, varia de faixa para faixa, incluindo feras como Sérgio Della Mônica, André Tandeta e Roberto Alemão, entre outros.
As composições próprias Copacabana Balcony Bar Blues, Latin Texas e Psychodelic Frisco 67 se encaixam muito bem dentro desse contexto, e mostram como Biglione se sente à vontade tocando rock com forte tempero de blues.
Classic Rocks From Brazil é daqueles trabalhos para se curtir a todo momento, especialmente por quem deseja ouvir novas nuances de grandes músicas de classic rock internacional, além de algumas novidades nessa mesma área. Além de deixar o ouvinte muito a fim de ouvir Victor Biglione tocando esse repertório ao vivo, onde as faíscas certamente incendiarão o público sedento por rock visceral e de qualidade incontestável.
Neil Young sempre teve como marca registrada a imprevisibilidade. Em seus mais de 50 anos de trajetória artística, este cantor, compositor e músico canadense nunca teve medo de arriscar mudanças repentinas nos rumos de sua música. Muito produtivo e com uma quantidade enorme de itens em sua discografia, ele tem alguns trabalhos que se sobressaem por sua importância artística e estilística, e um deles, Freedom, está celebrando 30 anos de seu lançamento.
A década de 1980 foi certamente o período mais conturbado e menos popular da carreira do astro canadense. Ele iniciou essa era com um álbum bastante irregular, Re-Ac-Tor (1981). Logo após, saiu da gravadora Reprise para entrar na Geffen Records, onde ficou até 1987. Logo na estreia, assustou a todos ao apresentar Trans (1982), um mergulho inusitado na música eletrônica que não atraiu a atenção do público e não entusiasmou a crítica.
A partir daí, Young atirou para diferentes direções musicais. Rockabilly em Everybody’s Rockin’ (1983), country tradicional em Old Ways (1985) e rock básico com sonoridade modernosa em Landing On Water (1986) e Life (1987). O resultado comercial piorou de disco pra disco, o que gerou uma reação absolutamente absurda por parte da gravadora criada e dirigida pelo polêmico e bem-sucedido empresário David Geffen.
Ele simplesmente resolveu processar Neil Young, alegando que o artista estaria lançando discos totalmente fora de sua sonoridade habitual simplesmente para prejudicar a Geffen Records. O executivo perdeu a disputa, mas ficou nítido que não havia mais clima para que o criador de Harvest (1972) ficasse por lá.
Em 1987, de volta à Reprise (parte do conglomerado Warner), Neil reestreia na gravadora com outro disco improvável, This Note’s For You, no qual é acompanhado por uma banda de sonoridade blues/rhythm and blues com direito a sessão de metais e tudo. A faixa-título, ironizando o mundo da música e da relação com seus patrocinadores, consegue alguma repercussão, mas mantém o artista na parte mais baixa das paradas de sucesso.
Volta às raízes e bom resultado comercial
É neste cenário que Neil Young começa a trabalhar em um novo álbum. Em entrevistas dadas na época de lançamento, ele explicou suas intenções com esse lançamento: “Eu quis fazer um álbum Neil Young per se, sem assumir nenhum outro personagem que não eu mesmo; o produto final é quase como ouvir o rádio, que se mantém mudando e indo de uma coisa para outra”.
E foi exatamente isso o que ele fez. Trata-se do primeiro álbum de Neil Young evidentemente concebido especialmente para o formato CD, pois ultrapassa os 60 minutos de duração em suas 12 faixas. Nele, nada de incursões em sonoridades nunca antes experimentadas pelo artista.
No entanto, a diversidade de sons e de climas prevalece, assim como a inspiração das composições, prova de que valeu a pena ficar um tempão longe de sua “casa musical”, pois quando enfim voltou, o cara sentia saudades…
Fórmulas são reutilizadas em todo o álbum, sendo a mais evidente usar a mesma música na abertura e no encerramento, em versões acústica e elétrica, tal qual havia feito em Rust Never Sleeps (1979). Só que, desta vez, Rockin’ In The Free World se mostra mais maleável para a tarefa do que Hey Hey My My/My My Hey Hey, ficando ótima tanto na leitura voz e violão (gravada ao vivo em show em Long Island, EUA) quanto na elétrica e visceral que fecha o disco.
Rockin’ in The Free World tem uma letra que flagra o horror do mundo moderno em cenas como a de uma jovem mãe, que odeia o que fez com sua própria vida, abandonando o filho recém-nascido em uma lata de lixo, “mais uma criança que nunca irá à escola, nunca se apaixonará, nunca será cool”.
Rapidamente, tornou-se um verdadeiro hino do rock, e provavelmente a canção mais popular da carreira de Neil Young, sendo tocada ao vivo por artistas tão distintos como Pearl Jam, Bon Jovi, Suzy Quatro e G3.
Do folk romântico ao rock ardido
Duas das faixas incluídas em Freedom haviam sido gravadas para This Note’s For You, mas ficaram de fora. A hipnótica e longa Crime In The City (Sixty To Zero Part I) equivale a outra polaroide urbana, com direito a uma visão irônica de um produtor de discos que pede a seu assistente que lhe arrume um compositor “que tenha fome e seja solitário, e também me traga um cheeseburger e a nova edição da revista Rolling Stone”.
A outra dessa origem é a maravilhosa Someday, uma balada com tempero r&b cuja letra explora as várias possibilidades de finalizar uma situação que seu título (algum dia, em tradução livre) sugere, sendo o mais belo o da estrofe final: “abrace-me, querida, ponha seus braços em volta de mim, dê-me todo o amor que você tiver para me dar, amanhã poderá ser tarde, nós não temos de esperar por algum dia, não temos que esperar por algum dia”.
Vale registrar que mesmo em uma faixa tão bela e lírica, Young guarda lugar para pequenas passagens irônicas, como em uma estrofe sobre pregadores religiosos de TV e outra refente a trabalhadores em gasodutos, ambas com direito a corais, um reproduzindo a alucinada pregação dos pastores e outro o canto dos trabalhadores. O efeito é delicioso. A rádio Eldorado FM, em São Paulo, tocava Someday em sua programação, naquela época.
Ecos de Harvest e Comes a Time
Freedom oferece aos fãs de Neil Young algumas canções com ecos do trabalho mais melódico do artista em álbuns clássicos como Harvest (1972) e Comes a Time (1978). A estrela Linda Ronstadt, que participou dos megahits Heart Of Gold e Old Man, marca presença em duas maravilhas deste álbum.
No melhor esquema vozes e violão, Young e Ronstadt nos oferecem harmonizações vocais deliciosas e muita delicadeza na puramente folk Hangin’ on a Limb. Com outros músicos no acompanhamento, The Ways Of Love tem uma pegada mais country e traz como marca genial o arranjo baseado no Bolero de Ravel para o refrão, além da pedal steel guitar do iluminado Ben Keith.
Músicos que fizeram toda a diferença
Para acompanhá-lo neste álbum seminal, Neil Young convocou gente do mais alto gabarito. A cozinha rítmica é integrada por Chad Cronwell (bateria) e o saudoso Rick The Bass Player Rosas (baixo-1949-2014), que se mostram uma parceria sólida, consistente e versátil, encarando com categoria as diferenças rítmicas existentes durante todo o álbum.
Quando precisou de um segundo guitarrista, Young se valeu do talentoso Frank Poncho Sampedro, do grupo Crazy Horse, que também se incumbiu dos teclados. E temos também outro cara saudoso, Ben Keith (1937-2010), que além de sua marca registrada, a pedal steel guitar, também se incumbe do sax alto.
Completa o time o produtor e técnico de som Niko Bolas, que ao lado de Neil Young forma uma dobradinha batizada por eles como The Volume Dealers, com direito a logotipo próprio e tudo, parceria que rendeu muita coisa boa.
Faixas longas, homenagem a Jimi Hendrix…
Uma das grandes virtudes de Freedom é não entediar o ouvinte em momento algum. Na pesadíssima Don’t Cry, por exemplo, temos uma intencional ou não homenagem a Jimi Hendrix, pelo fato de o andamento e o arranjo lembrarem o de Voodoo Chile (Slight Return), do genial guitarrista. Uma porrada!
Longa e elaborada, Eldorado demonstra influência flamenca e traz ecos de faixas do artista dos anos 1970 como Cortez The Killer. Aliás, Eldorado saiu inicialmente em um EP que leva seu nome lançado apenas no Japão e na Austrália em abril de 1989, que trazia as faixas Don’t Cry, On Broadway e Eldorado e duas que não entraram em Freedom, Heavy Love e Cocaine Eyes.
No More também possui longa duração, por volta de seis minutos, e uma sonoridade intrigante, algo como um rock levemente ardido com um delicioso e cristalino riff de guitarra. A letra envolve a questão das drogas e da dificuldade não só de abandoná-las como também de substituir o lado bom de seu efeito por algo mais saudável e melhor.
Um belo cover e o momento mais rural
A única faixa que não leva a assinatura de Neil Young é a clássica On Broadway, obra dos lendários compositores Jerry Leiber, Mike Stoller, Barry Man e Cynthia Weil, lançada com sucesso pelo grupo vocal The Drifters em 1963 e cuja melhor gravação foi feita por George Benson no ao vivo Weekend In L.A. (1978).
A versão de Young é pesadíssima, com o apoio preciso de Rosas e Sampedro na cozinha e ele soltando o verbo na guitarra, em uma das melhores performances dele nesse instrumento durante todo o álbum.
A delicada Wrecking Ball, em tom menor, equivale a um momento no qual o astro canadense de certa forma investe em uma levada próxima da bossa nova, com um resultado incrível. E o lado mais caipira do álbum fica por conta de Too Far Gone, com todo aquele jeitão de country de Nashville dos tempos mais antigos.
Um disco de ouro após dez longos anos
Em termos de posição na parada de sucessos Freedom não voou tão alto, atingindo apenas o 35º lugar na lista apurada pela revista Billboard. Mas sua vendagem foi sólida, proporcionando ao roqueiro o seu primeiro disco de ouro em dez anos. O último havia sido em 1979, com o álbum ao vivo Live Rust.
Um grande e influente retorno à forma
Se as experiências que fez com outros ritmos e sons no período entre 1981 e 1988 foram extremamente válidas e com alguns momentos interessantes, elas também lhe renderam um certo descaso por parte de crítica e público. Com Freedom, ele ganhou novamente o coração desses dois setores, e iniciou uma nova fase dourada em sua carreira.
Não é de se estranhar que ele logo a seguir tenha sido considerado uma espécie de precursor do grunge, e novamente reverenciado em shows e na compra de discos por uma nova geração. Um reconhecimento merecido.
Nada melhor do que quando o artista consegue ser fiel a seus princípios artísticos e ao mesmo tempo obter um bom resultado comercial, e este é o grande mérito de Freedom, um dos melhores trabalhos da carreira desse nome indiscutível da história do rock and roll.
Faixas de Freedom:
Rockin’ In The Free World
Crime In The City (Sixty To Zero Part 1)
Don’t Cry
Hangin’ On a Limb
Eldorado
The Ways Of Love
Someday
On Broadway
Wrecking Ball
No More
Too Far Gone
Rockin’ In The Free World
Há quase 20 anos (segundo ela), Evinha recebeu de Guilherme Arantes uma composição inédita do consagrado artista paulistano, Sou o Que Ele Quer. Desde então, havia a vontade de gravá-la. Pois enfim chegou a hora, e não poderia ter sido de forma melhor. Além desta, a cantora carioca registrou outras 11 desse mesmo autor no álbum Evinha Canta Guilherme Arantes (Kuarup), disponível em CD físico e nas plataformas digitais. Ela, há 40 anos radicada na França, mostra o repertório deste trabalho com shows nesta terça (12) em São Paulo e no dia 16 (sábado) no Rio de Janeiro.
O álbum traz Evinha acompanhada apenas por seu marido, o experiente pianista francês Gérard Gambus, que também se incumbiu da produção artística, com a executiva ficando a cargo do brilhante Thiago Marques Luiz. As gravações, mixagem e masterização do álbum foram feitos na França.
O repertório traz canções lançadas entre 1976 e 1989, sendo seis na década de 1970 e cinco na de 1980. Curiosidade: quatro delas- Antes da Chuva Chegar, A Cidade e a Neblina, Águas Passadas e Cuide-se Bem integram o álbum de estreia da carreira-solo de Guilherme, autointitulado e considerado por muita gente como o mais inspirado em seus mais de 40 anos de ótima trajetória musical.
Celebrando 50 anos do início de sua carreira como solista, após ter saído do Trio Esperança, Evinha se mostra em plena forma vocal aos 68 anos de idade. Ela está à vontade trabalhando com o repertório de Guilherme Arantes, e o bacana fica por conta de não ter se concentrado apenas no lado mais baladeiro e romântico do artista, aventurando-se também em faixas mais balançadas ou roqueiras como Deixa Chover e A Cidade e a Neblina.
Afora algumas vocalizações adicionais feitas provavelmente por ela própria em momentos pontuais de algumas das faixas, o que temos aqui é o melhor voz e piano. E a coisa só poderia dar certo com um músico de primeira, o que Gérard Gambus se mostra, dialogando de forma elegante e fluente com a voz de Evinha.
Como já tive a honra de ver alguns shows de Guilherme Arantes no formato voz e piano, foi muito divertido comparar suas performances com as de Evinha, notando as características próprias de cada um. E não é de se estranhar que o compositor tenha feito no encarte do CD um texto tão reverente e de gratidão à cantora por ter gravado este álbum. Ela merece.
Sou o Que Ele Quer, canção inédita que acabou gerando o álbum, é um belo acréscimo ao songbook do autor de Meu Mundo e Nada Mais, gravada com uma levada mezzo latina, mezzo jazzy que envolve o ouvinte sem muita dificuldade.
Outro ponto bacana do repertório foi equilibrar clássicos mais conhecidos do astro paulistano, como Êxtase, Brincar de Viver, Pedacinhos (Bye Bye So Long) e Amanhã, com resgates elogiáveis de outras menos conhecidas do grande público, entre as quais Antes da Chuva Chegar e Águas Passadas, esta última interpretada de forma tão vigorosa e feliz que se tornou totalmente dela. Merecia virar hit!
Evinha Canta Guilherme Arantes é aquela parceria perfeita, pois ajuda a divulgar a ótima e essencial obra de Guilherme Arantes, além de nos oferecer um pouco mais de uma cantora simplesmente brilhante, e que não tem tantos itens em sua discografia. Se vier um volume 2, garanto que ninguém irá reclamar.
Serviço dos shows:
São Paulo
Dia 12 de novembro (terça-feira) às 21h
Teatro Itália (avenida Ipiranga, nº 344- Edifício Itália- República- fone 0xx11-3255-1979)
Ingressos a R$ 50,00 (meia) e R$ 100,00 (inteira)
Rio de Janeiro
Dia 16 de novembro (sábado) às 19h30
Teatro Rival Petrobrás (Rua Álvaro Alvim, nº 33-37- Centro- fone 0xx21-2240-4469)
Ingressos a R$ 70,00
Taiguara Chalar da Silva (1945-1996) nasceu no Uruguai, mas foi criado no Brasil, e se tornou um dos cantores, compositores e músicos que mais refletiu a beleza, o lirismo e a militância política na canção brasileira. Ao nos deixar precocemente aos 50 anos, deixou um legado musical de qualidade inquestionável. E é com muita alegria que celebramos o lançamento nas plataformas digitais do EP Como Lima Barreto, feito em parceria pelas gravadoras Kuarup e Saravá Discos e com quatro gravações inéditas do autor de Universo no Teu Corpo.
A gênese deste novo trabalho de Taiguara encontra-se em fitas cassete do acervo do jornalista e pesquisador musical Marcello Pereira Borghi. As gravações, provavelmente feitas durante a década de 1980, foram recuperadas de forma minuciosa pelo engenheiro de som Leonardo Nakabayashi.
Em três delas, tivemos o acréscimo de refinados acompanhamentos vocais e instrumentais dos quais participaram Zeca Baleiro (dono da Saravá Discos), Adriano Magoo, Swami Jr. e Tatiana Parra, entre outros.
A faixa que abre o EP é a mais impactante. Trata-se de uma gravação ao vivo do provavelmente maior clássico da canção de teor político da nossa música, Pra Que Não Dizer Que Não Falei das Flores (Caminhando), de Geraldo Vandré.
Com quase 10 minutos de duração, a gravação tem uma extensa fala em sua introdução na qual Taiguara fala sobre o mal que a ditadura militar fez à música brasileira e a importância de Vandré nesse contexto.
A plateia participa de forma vibrante da canção, que Taiguara emenda, na parte final, com a sua composição Voz do Leste, cuja versão de estúdio (com participação da dupla Cacique e Pajé) integra seu álbum Canções de Amor e Liberdade, lançado em 1983 e que marcou seu retorno discográfico após sete longos anos durante os quais foi perseguido pela censura.
Por dedução, dá para se imaginar que esta gravação tenha sido extraída de um show de divulgação deste álbum, na época. Das quatro faixas, é nesta que a voz do saudoso artista aparece mais cristalina e nítida.
Paulistana é uma bonita balada romântica com evidente influência de Tom Jobim e tempero quase erudito. Ave Maria também exemplifica a veia dedicada aos temas relacionados ao amor, só que com uma pegada mais pra fora.
Autor do livro Triste Fim de Policarpo Quaresma e figura importante da cultura brasileira, Lima Barreto é o tema da faixa que dá título ao EP, um samba-enredo composto com o intuito de ser utilizado em desfile da escola de samba carioca Unidos da Tijuca, o que infelizmente não ocorreu. O pique contagiante é ressaltado por violão sete cordas, percussão e coral acrescentados aqui.
Como Lima Barreto é um belo acréscimo à obra de Taiguara, um cantor de voz doce e compositor de algumas das mais expressivas e apaixonantes canções da nossa música durante as décadas de 1960 e 1970. Seu nome merece ser reverenciado, ainda mais em tempos tão obscuros e inseguros como os que vivemos na atualidade. Viva Taiguara!
Pra Não Dizer Que Não Falei das Flores/Voz do Leste (ao vivo)- Taiguara:
Um certo Ayrton Mugnaini Jr. investe em sua carreira-solo há 35 anos, desde que nos proporcionou o seu primeiro lançamento, a fita-cassete Brega’s Banquet. Em seu currículo, integrou os célebres grupos Língua de Trapo e Magazine, além de ter músicas gravadas por muita gente boa (leia mais sobre ele e seu álbum anterior aqui). Agora, o cantor, compositor, jornalista e uma lista telefônica de outras coisas mais nos oferece um novo lançamento, Sujeito Determinado. E bota determinado nisso!
Certa vez, Mugnaini se definiu como um “pasteleiro de canções”. A comparação, típica de seu humor ácido, faz todo o sentido do mundo para quem acompanha sua trajetória há 37 anos. Sua capacidade de compor é similar ao de um pasteleiro em seu ofício, e até a questão dos sabores se encaixa feito luva. Não temos pastéis com os mais diferentes recheios? Pois esse cara também é capaz de escrever sobre qualquer tema, e valendo-se dos mais distintos ritmos musicais. E em quantidades industriais!
Querem um bom exemplo? A divertida Sou Lixeiro saiu da crítica publicada em um jornal mineiro sobre o ótimo álbum Na Honestidade (2002), do Magazine. O autor do texto ironizou a faixa Sou Flanelinha como se fosse uma medíocre (que não é, creiam) sucessora de Sou Boy, o maior hit da banda liderada pelo saudoso Kid Vinil. E aí, lá pelas tantas, o escriba soltou a pérola: “O Magazine agora vai falar de todos os subempregos. Qual vai ser o próximo? Sou Lixeiro?”.
Não deu outra. O Mug anotou a sugestão e agora nos oferece uma canção com o tema sugerido de forma irônica pelo cri-crítico mineiro. Provavelmente esse cara não irá saber, mas a música ficou sensacional, um retrato irônico e ácido sobre a relação entre nós e os lixeiros, importantes profissionais que deveriam ganhar muito mais e serem muito mais respeitados do que na verdade são.
O repertório de 18 músicas traz outros bons exemplos desses temas inesperados e improváveis que Mr. Mug, com sua alma pasteleira, transforma em biscoitos, digo, pasteis finos para quem curte música boa e inventiva. Eu Sei Que Vou Estar Lá, por exemplo, com uma levada no melhor estilo jovem guarda, tem como inspiração os discos ao vivo, mais especificamente o público que participa como plateia e as maracutaias feitas durante suas gravações.
O rock-balada Amor no Metrô flagra seu personagem em meio ao encontro com sua namorada. Aliás, já que falamos em parceira, Eu Fui Pego Pela Loira do Banheiro, outro rock-balada matador, usa como mote a lenda urbana da loira do banheiro para homenagear de forma delicada a atual companheira de Ayrton, Martha Maria Zimbarg, que é a autora de encantadora capa do CD e de quebra ainda é coautora e intérprete de A Mila, adorável homenagem a uma cachorrinha.
Se há uma canção neste álbum que tem cara de hit instantâneo, ela atende pelo título Você é o Zé Mané. Trata-se de um rock básico de tempero sessentista que gruda no seu ouvido e te leva a repetir o refrão ad infinitum. Se o saudoso Kid Vinil ainda estivesse entre nós, entraria como luva em seu repertório.
O cordel musical Peleja da Feminista Mal-humorada com o Galanteador é um registro sensacional de uma situação recorrente em redes sociais: o cara tentando ser gentil e a moça pé na porta encarando aquilo como assédio. Nem todo homem é assediador e nem toda mulher é gentil, sabemos todos nós.
E temos também a sensacional Palhaça, na qual Mug aparece acompanhado por seus parceiros Carlinhos Machado (bateria) e Marcos Mamuth (guitarra) no trio Los Interesantes Hombres Sin Nombre (que merecem seu próprio álbum, por sinal) e mais Chico Mar na flauta, gerando uma espécie de híbrido de Stray Cats com Jethro Tull que ficou uma delícia sonora.
Mas o momento mais surpreendente fica por conta de uma mistura mais do que improvável: Queen com Demônios da Garoa. Acha possível? Pois o Mugão, com ajuda do seu filho Ivo, conseguiu ao versionar Another One Bites The Dust (John Deacon) com um arranjo no qual o riff de baixo chupado de Good Times pela banda britânica virou um quás-quás-quás nas mãos dessa figura aqui.
Sujeito Determinado é divertido, inventivo e repleto de surpresas, e altamente recomendável para quem gosta de música feita com conhecimento de causa. Para conferir letras e texto do Ayrton sobre o álbum entre aqui. Saiba como conseguir sua cópia em CD via e-mail: mugayr@hotmail.com .
Há exatos 30 anos, Sylvia Patricia lançou um disco autointitulado pela gravadora Sony Music. A partir dali, esta cantora, compositora e instrumentista baiana desenvolveu uma carreira impecável, com direito a discos de estúdio deliciosos, um DVD ao vivo retrospectivo de primeira linha e shows sempre encantadores. Como forma de celebrar essas três décadas de muita qualidade e coerência artística, ela nos oferece o EP Piel (Speciarias Musicais), outra delícia auditiva.
Quem acompanha Mondo Pop há mais tempo sabe que tenho um carinho todo especial pela obra de Sylvia Patricia (leia mais matérias sobre a artista aqui). E não é para menos. Ouvir sua voz calorosa e doce vicia, aquele tipo de vício que não tem contra-indicação. Afinal, nada melhor do que prazer auditivo intenso.
Piel (pele, em castelhano) é uma espécie de cartão de visitas do lado mais latino da sonoridade de Sylvia. Temos aqui seis faixas. Besame Mucho, grande clássico da música latina escrito pela compositora mexicana Consuelo Velásquez nos anos 1940 e regravada até, pasmem, pelos Beatles, aparece em duas releituras no melhor estilo bossa nova, uma com letra em português e outra com alguns versos em catalão escritos pelo músico dessa origem Daniel Cros.
Un Beso, de Sylvia em parceria com Paulo Rafael, também é oferecida em duas gravações diferentes, ambas em castelhano. Uma é a versão original, lançada originalmente no álbum No Rádio da Minha Cabeça (2006), e a outra se trata de um remix feito pelo baiano DJ Titoxossi. Ambas são calientes e com uma levada bem espanhola, bem flamenca.
Lançada originalmente em 2014 em outro EP, De Vuelta (Sylvia Patricia-Cecelo Froni) reaparece agora em uma versão denominada Rio-Barcelona Mix.
A faixa mais interessante é Resistiré (Carlos Toro e Manuel de La Calva), da trilha sonora do filme Ata-me (1989), de Pedro Almodóvar. Sylvia já a havia regravado em seu álbum Andante (2010), mas nesta nova versão ele teve uma bela sacada: acrescentou trechos do clássico disco I Will Survive (Dino Fekaris-Freddie Perren), estouro mundial em 1979 na voz da americana Gloria Gaynor. Como as músicas tem boas semelhanças entre si, ficou um mix dos mais encantadores.
Este novo EP funciona como um delicioso aperitivo para quem estava sedento por novas gravações de Sylvia Patricia, e também pode ser um bom cartão de apresentação ou porta de entrada para novos fãs.
Em 1986, sete músicos com um currículo invejável resolveram se unir com o intuito de criar um grupo para desenvolver uma sonoridade própria, baseada em uma mistura de jazz rock (ou fusion, rótulo muito usado naquele tempo para denominar tal sonoridade), bossa nova, Clube da Esquina, folk e muito mais. Surgia a Banda Zil, que lançou o álbum Zil (1987- Continental) e fez alguns shows concorridos, incluindo participação no Free Jazz Festival de 1988. Em 1991, saíram de cena, mas um possível retorno sempre ficou no ar.
E isso enfim ocorreu em 2016. Para felicidade dos fãs da melhor música brasileira, foi devidamente registrado no DVD Zil Ao Vivo (MP,B-Som Livre-Canal Brasil), também disponível em áudio nas plataformas digitais.
Fortes laços unem os integrantes da banda Zil. Zé Renato (vocal e violão) e Claudio Nucci (vocal e violão) integraram a formação do Boca Livre que lançou em 1979 seu icônico e autointitulado trabalho de estreia, além de terem gravado em 1985 pela gravadora CBS um bem-sucedido álbum em dupla.
Marcos Ariel (teclados) integrou nos anos 1970 o grupo Cantares ao lado de Zé Renato, além de ter sólida carreira solo. João Baptista (baixo e vocais) foi baixista da célebre e cultuada banda gaúcha Almôndegas (que revelou os irmãos Kleiton e Kledir Ramil), e depois tocou com João Bosco e Milton Nascimento.
Jurim Moreira (bateria) foi parceiro de Baptista na gravação e na turnê de divulgação de O Rock Errou (1986), excelente LP de vinil (nunca lançado em CD) e subestimado até pelo próprio autor, o polêmico Lobão, e integrou as bandas de apoio de Alceu Valença, Gilberto Gil, Edu Lobo, Gal Costa e Chico Buarque.
Ricardo Silveira (guitarra e vocais) estudou nos EUA, tocou na banda do consagrado jazzista americano Herbie Mann e tem no currículo trabalhos com gente do porte de Elis Regina, Gilberto Gil, Milton Nascimento, Ivan Lins e Ney Matogrosso, além de manter elogiada carreira solo. Em seu tempo na banda de João Bosco, foi colega de João Baptista, por sinal.
Vale também registrar que em 2007 Marcos Ariel, João Baptista, Ricardo Silveira e Jurim Moreira lançaram o CD 4 Friends. Completa o time o virtuoso Zé Nogueira (sax, flauta, duduk e vocais), que emprestou seu talento a Edu Lobo, Djavan e Chico Buarque, só para ficar em alguns dos mais conhecidos.
Entrosamento, bom repertório, inspiração…
Com currículos como esses, e vale ressaltar que estão mega-resumidos nesta resenha, não é de se estranhar que tenha demorado tanto para que esses músicos conseguissem se reunir novamente. A agenda deles é mais do que cheia, e com toda justiça. Mas isso finalmente ocorreu no dia 19 de maio de 2016, no palco do Cultural Bar, em Juiz de Fora (MG).
Lógico que só a belíssima trajetória de seus integrantes não seria garantia de qualidade superior para a Banda Zil. Não são poucos os exemplos de formações deste gênero que sucumbiram, no melhor estilo “óleo e água”, sem dar liga. Aqui, no entanto, a combinação se mostrou das melhores, e quem sabe a amizade e as grandes afinidades sonoras tenham feito a diferença para tal resultado.
O repertório de Zil Ao Vivo traz as oito faixas do álbum original (sete no vinil e uma a mais nas versões em CD lançadas nos EUA, Europa e Japão) e mais seis adicionais. Oito delas são instrumentais, e seis seguem o formato canção. Das 14 faixas, só três não levam a assinatura de algum dos integrantes. Duas tem como coautor Milton Nascimento: Anima (parceria com Zé Renato) e Portal da Cor (escrita com Ricardo Silveira).
O som do grupo soube incorporar com sabedoria e bom gosto o background dos músicos, como as vocalizações a la Boca Livre, as improvisações típicas da fusion, as sofisticadas harmonias musicais da bossa nova etc.
O bacana é que eles encaixam seus talentos de forma generosa, sem cair em duelo de egos para ver quem sola de forma mais criativa ou tecnicamente mais difícil. Todos jogam a favor da música, e o resultado é muito bom de se ouvir, embora sofisticado e criativo ao extremo.
Preto e branco dá um tom vintage à festa
Se a enorme qualidade da performance dos músicos já não fosse suficiente, o DVD se torna ainda mais clássico pela opção de registrá-lo em preto em branco, com uma iluminação ressaltando o clima de barzinho de filme noir dos anos 1940/1950. Durante a música Lua Branca, o registro é feito em cima do palco, enfocando individualmente cada músico, com um efeito esteticamente delicioso.
Em Suite Gaúcha, Nucci e Zé Renato ficam de fora, eles que dividem o palco sem a banda na releitura de Blackbird, dos Beatles. E Calma traz apenas Ariel, Nogueira e Silveira. Os dois cantores se valem de suas vozes em encantadores vocalizes nos momentos de enfoque instrumental, em alguns trechos tendo o acréscimo de Baptista, Nogueira e Silveira.
O DVD é bom como um todo, mas alguns momentos podem ser ressaltados, como a encantadora Anima, as deliciosas Zarabatana e Song For a Rainforest (Tupete) , a ácida Pegadas Frescas (cuja letra permanece mais atual do que nunca) e a quase progressiva Portal da Cor, com seus mais de 10 minutos de duração.
Se fica difícil imaginar muitas reuniões futuras desse time tão requisitado e ocupado, ao menos agora temos um registro de alta qualidade para matarmos a vontade de vê-los juntos. Menos mal. O DVD foi dedicado ao saudoso produtor Paulinho Albuquerque (1942-2006), que teve participação importante na idealização e criação da banda nos anos 1980.
Há 40 anos, chegava às lojas de todo o mundo um disco com uma capa no mínimo estranha. Preta, em formato que mais parecia o de uma lápide, sombria e carrancuda, trazendo apenas os dizeres “Eagles The Long Run”. Era provavelmente o álbum de rock mais esperado pelos fãs do gênero naquele momento, e a prova disso é o resultado comercial proporcionado pelo mesmo. Nove semanas consecutivas no primeiro lugar da parada americana, três hit singles emplacados nos charts, milhões de cópias vendidas. Parecia um recomeço brilhante. Apenas parecia…
Muita coisa aconteceu no universo da banda americana durante a criação do seu 6º álbum de estúdio. O anterior, Hotel California, lançado em dezembro de 1976, rapidamente impulsionou o quinteto rumo ao primeiro time do rock mundial, com sua faixa-título tornando-se um clássico instantâneo.
A massiva turnê de divulgação os levou a estádios e mostrou-se opressiva demais para seu baixista, Randy Meisner, que deu sinais de que não estava mais aguentando o tranco ao se recusar a cantar Take It To The Minute, seu momento de holofotes nos shows, por medo de não dar conta do recado.
Don Henley (vocal e bateria) e Glenn Frey (vocal e guitarra), os líderes da banda, puseram o colega na parede por causa disso, e este pediu as contas, saindo do time em setembro de 1977. Em seu lugar, foi escalado Timothy B. Schmidt, que curiosamente também substituiu Meisner quando este saiu da banda de country rock Poco para integrar os Eagles, em 1972.
Pouco antes da confirmação do nome do novo integrante, o empresário da banda, Irving Azoff, questionou Frey, afirmando ter visto Schmidt bêbado, nos bastidores de um show recente do Poco. “Se você estivesse há muitos anos tocando em uma banda e ganhando exatamente a mesma coisa, também estaria bêbado”, respondeu Frey, confirmando o convite, que foi aceito de imediato.
Temas instrumentais, single natalino e pressão
Com o novo integrante, tão talentoso quanto o antecessor e muito mais afável e seguro, a banda se manteve na estrada e iniciou a seguir, no dia 1º de março de 1978, as gravações de um novo LP, novamente produzido por Bill Szymczyk, que trabalhava com eles desde o álbum On The Border (1974). Seria o início de um verdadeiro parto de dinossauro.
No início, Henley, Frey, Schmidt, Joe Walsh (guitarra e vocal) e Don Felder (guitarra e vocais) gravavam apenas passagens instrumentais, sem letras definidas. O quebra-cabeças foi montado aos poucos, entre uma briga e outra, um show e outro, um bloqueio de ideias e outro.
Nesse meio-tempo, lançaram um single natalino, com Please Come Home For Christmas (Charles Brown & Gene Redd) de um lado e Funky New Year (Henley/Frey) do outro. O disco atingiu o 18º posto na parada de singles no fim de 1978, algo raríssimo para um lançamento sazonal, o que dá a medida da ansiedade do público por novos produtos dos Eagles.
A explicação é simples. Naquela época, era habitual um artista-grupo de sucesso lançar ao menos um álbum de inéditas por ano. As gravadoras contavam com essas vendagens para equilibrar seus balanços fiscais. Logo, a Elektra/Asylum (parte do conglomerado Warner Music) queria para ontem um novo álbum dos Eagles. E a banda tinha de administrar tal pressão e suas crises internas.
O guitarrista Don Felder, por exemplo, queria incluir mais composições suas no repertório da banda. Pior: queria ser vocalista de algumas canções, algo que os colegas não aceitavam por o considerarem inferior aos outros nesse quesito. Joe Walsh estava cada vez mais embrenhado em drogas e bebidas, e mesmo Henley e Frey, os fundadores do grupo, já não se entendiam tão bem como antigamente.
Composições de Don Henley e Glenn Frey prevalecem
É nesse clima pesado do sucesso massivo cobrando o seu preço que The Long Run foi gestado. Nas contas do produtor, o disco foi gravado em 206 dias, durante um período de 18 meses. Para que vocês possam ter uma ideia, o elaborado Hotel California, até então o trabalho mais demorado do quinteto, tinha sido criado durante 87 dias em um período de sete meses!
No peito e na raça, como se dizia antigamente, o álbum foi concluído em 1º de setembro de 1979. Como se tornou norma a partir de um determinado momento de sua história, apenas uma das dez faixas do álbum não trouxe a assinatura de Don Henley e Glenn Frey, In The City (Joe Walsh e Barry De Vorzon). Aliás, esta é a única faixa não inédita do LP, pois Joe Walsh já a havia gravado para a trilha sonora do filme The Warriors (no Brasil, Os Selvagens da Noite), dirigido por Walter Hill, lançado em 1979 e hoje considerado cult.
The Long Run, King Of Hollywood e The Greeks Don’t Want No Freaks são assinadas apenas por Henley e Frey. Don Felder é o parceiro deles em The Disco Strangler e Those Shoes. O estreante Timothy assina com eles I Can’t Tell You Why. Alguns amigos famosos também marcam presença em outras parcerias.
Dois nomes importantes na trajetória de Glenn Frey estão nos créditos de The Long Run. O consagrado roqueiro Bob Seger, com quem Frey participou de sua primeira gravação em 1969 (o single Ramblin’ Gamblin Man), é um dos autores de Heartache Tonight. Também está na parceria deste hit certeiro J.D. Souther, companheiro de Frey na banda Longbranch Pennywhistle, que lançou um álbum em 1969 e logo se dissolveu, embora a amizade entre os dois tenha se mantido.
Souther também participou da composição de Teenage Jail e The Sad Cafe, esta última incluindo Joe Walsh como um dos parceiros. Além de uma cultuada carreira-solo, J.D. Souther teve músicas gravadas por Linda Ronstadt e canta em dueto com James Taylor o maravilhoso hit Her Town Too (de 1981, do álbum Dad Love His Work, de Taylor)
Um mergulho na Los Angeles de 1979
As dez músicas que integram The Long Run equivalem a um mergulho no espírito da Los Angeles de 1979. É um som bastante urbano, por vezes ardido, outras melancólico, e marcado por uma diversidade de levadas rítmicas e arranjos.
O início fica por conta da faixa-título, um country-rock bem no estilo deles com direito a uma slide guitar preciosa de Joe Walsh e uma letra irônica em relação aos críticos da banda, que diz algo do tipo “vamos ver quem vai conseguir realizar os seus objetivos, no final das contas, nessa longa estrada”. E eles venceram essa batalha com louvor, pois continuam relevantes e populares até hoje. No formato single, essa faixa atingiu o 8º lugar nos EUA.
A delicada e introspectiva balada soul I Can’t Tell You Why mostra a beleza e a doçura da voz de Timothy B. Schmidt. O clima da letra é o de um cara de madrugada, deitado ao lado da mulher amada (que dorme), pensando em não discutir a relação para manter um relacionamento que o faz feliz. Chegou ao 8º posto entre os singles, nos EUA.
In The City é um hard rock matador, com Joe Walsh brilhando tanto no vocal como na slide guitar, em uma canção na qual a barra pesada do dia-a-dia nas grandes cidades é o tema, bem no clima de The Warriors.
The Disco Strangler equivale a um fantástico e irônico flerte da banda com a então efervescente disco music, e cuja letra traz como personagem uma garota que sai pras noitadas nas boates e que pode acabar caindo nos braços de um serial killer, no caso o tal do “estrangulador da disco”. Como ninguém pensou em uma versão estendida ou mesmo um remix dessa verdadeira orgia rítmica?
O lado A do vinil é encerrado com a soturna e bluesy King Of Hollywood, relato de um solitário produtor de cinema pensando em pedir um “acompanhante de vida fácil” oriundo de sua agenda, e refletindo sobre os artistas que ele já ajudou a se tornarem astros e estrelas com o seu poder influenciador. O clima decadente do personagem é evidente, e de certa forma comovente.
O início do lado B do vinil vem com aquela música lapidada com capricho e inspiração para se tornar o primeiro single de sucesso do álbum, a contagiante Heartache Tonight, com sua batida marcada e uma letra do tipo “tá todo mundo indo pra noite, pode ter certeza de que vai ter gente se magoando nesta noite”. Com dois refrãos e muito bem construída, atingiu o topo da parada de singles nos EUA, abrindo a porteira para o estouro do álbum.
A hard-funkeada Those Shoes traz como personagem uma garota daquelas de fechar o comércio, e cuja marca registrada é uma daquelas sandálias lindas, com detalhes luxuosos e tudo o mais. Walsh e Felder usam efeito talk box em suas guitarras, aquele que marca o grande hit Show Me The Way, de Peter Frampton.
Dá para imaginar uma faixa dos Eagles com influência de Black Sabbath, a música que deu nome à banda de Ozzy Osbourne? Pois ouça Teenage Jail, com sua levada lenta, na melhor linha “trilha de filme de terror”, com letra que pode ser uma ironia em meio ao mundos dos adolescentes querendo ir para o mundo, mas restritos a seus quartinhos de solteiros.
Como forma de homenagear o frat rock, subgênero do rock de tom festeiro, dançante e desencanado exemplificado por músicas como Louie Louie, Mony Mony, 96 Tears e Wooly Bully, Henley e Frey compuseram The Greks Don’t Want No Freaks, que conta em seus backing vocals com o astro do country-pop Jimmy Buffett, conhecido pelo hit Margaritaville.
Encerra o álbum a belíssima balada jazzística The Sad Cafe, com direito a um delicioso solo de sax do brilhante musico de jazz David Sanborn e cuja letra evoca com ar melancólico e saudosista lembranças dos tempos iniciais da banda, com todos os seus sonhos e dificuldades.
São evocados nas entrelinhas dois locais em especial, o bar Troubadour, onde os Eagles praticamente surgiram, quando Henley e Frey acompanhavam a cantora Linda Ronstadt, e o bar de Dan Tana, ali pertinho, onde eles iam após os shows, nesses anos iniciais. Hoje, percebe-se que era um belo indicativo de que os dias da banda estavam chegando ao fim. Uma canção de despedida.
* O Troubadour é aquele mesmo clube no qual Elton John fez o seu primeiro show nos EUA, e que aparece no recente filme Rocket Man. James Taylor, Carole King e Linda Ronstadt, entre outros, viram suas carreiras serem alavancadas após terem tocado por lá.
Um álbum que merece ser reavaliado
Bill Szymczyk considera The Long Run o melhor dos trabalhos que produziu para os Eagles. Os integrantes da banda não costumam se referir a este álbum de forma muito entusiástica, mas provavelmente isso ocorre pela forma dolorosa e demorada com que este disco foi realizado. As dores do parto…
Analisado dentro da discografia dos Eagles, trata-se de seu LP com mais nuances, mais experimentações e tentativas, e praticamente todas deram certo. O projeto inicial deles era fazer um álbum duplo, e duas amostras das sobras foram incluídas na caixa retrospectiva Selected Works 1972-1999 (2000).
Uma é Born to Boogie, um blues elétrico, agitado e bastante cru. Outra, intitulada Long Run Leftovers, é uma colagem de trechos dessas tentativas de novas faixas. Vale lembrar que várias das músicas dos Eagles surgiam assim, especialmente as parcerias de Henley e Frey com Felder, sendo que este último normalmente enviava aos colegas fitas com diversas passagens instrumentais gravadas por ele que os caras desenvolviam posteriormente.
Hotel California surgiu assim, por exemplo, desenvolvida a partir daquela sequência harmônica inicial criada e dedilhada por Felder em sua guitarra.
O álbum mostra Don Henley assumindo de vez o vocal principal, com Glenn Frey, Timothy B. Schmidt e Joe Walsh aparecendo com solos eventuais e principalmente nas vocalizações, uma das marcas registradas da banda. Isso, além da alta qualidade dos músicos, que em um contexto tão abrangente como o de The Long Run, mostram sua categoria.
Ficam como legado alguns dos belos versos de The Sad Cafe: “we though we could chance the world with words like’love’ and ‘freedom’, some of your dreams came true, some just passed away” (“pensávamos que poderíamos mudar o mundo com palavras como amor e liberdade, alguns de seus sonhos se realizaram, outros se foram”, em tradução livre).
Teria sido uma bela despedida, pois a banda saiu de cena em 1980. E foi por durante 14 longos anos. Mas aí, veio a reunião e o CD Hell Freezes Over (1994), e o resto é história. Outra história, que a gente conta por aqui em outra ocasião.
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