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Morre aos 69 anos Greg Lake, um dos grandes do prog rock

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Por Fabian Chacur

O ano de 2016 não está sendo exatamente gentil com os fãs de boa música. Os de rock progressivo, então, devem estar muito, mas muito tristes mesmo. Em março, perderam o tecladista e compositor Keith Emerson. Nesta quarta-feira (7), foi a vez do cantor, compositor e músico Greg Lake, aos 69 anos, vítima de um câncer contra o qual lutou durante alguns anos. Do lendário Emerson, Lake & Palmer, só nos restou (toc, toc, toc!) o baterista Carl Palmer.

Nascido em Bournemouth, Inglaterra, no dia 10 de novembro de 1947, Greg Lake tornou-se inicialmente conhecido no mundo do rock como cantor e baixista da banda King Crimson, liderada pelo guitarrista Robert Fripp. Durante a turnê de lançamento do álbum de estreia do time, In The Court Of The Crimson King (1969), do qual fazem parte clássicos como 21st Century Schizoid Man e I Talk To The Wind, teve shows de abertura feitos pelo The Nice, do tecladista Keith Emerson.

A amizade entre Lake e Emerson se consolidou rapidamente, e após gravar os vocais para o segundo LP do Crimson, In The Wake Of Poseidon, resolveu sair fora para montar sua própria banda, a Emerson, Lake & Palmer, que trazia os dois amigos e também o baterista Carl Palmer, conhecido por seus trabalhos com The Crazy World Of Arthur Brown e Atomic Rooster. O primeiro álbum do trio, autointitulado, saiu naquele mesmo ano. Surgia um grupo lendário.

Até 1979, o ELP ajudou a colocar o rock progressivo no topo das paradas de sucesso, com sua sonoridade fortemente influenciada pela música erudita, jazz e eletrônica. Álbuns como Pictures At An Exhibition (1971), Trilogy (1972) e Works Vols. 1 e 2 (1977) estouraram e tiveram como marca a bela voz e a delicadeza de guitarra, violão e baixo de Lake, aliados aos teclados endiabrados de Emerson e a bateria intensa e técnica de Palmer. From The Beginning e C’Est La Vie foram hits massivos.

O grupo saiu de cena após lançar Love Beach (1978). Lake lançou dois discos solo, Greg Lake(1981), com direito a uma parceria com Bob Dylan (Love You Too Much) e Manoeuvres (1983). Ambos tiveram Gary Moore na guitarra. Em 1985/85, integrou ao lado de Keith Emerson e Cozy Powell o Emerson, Lake & Powell, que lançou um álbum autointitulado e teve o hit Touch And Go nas paradas de sucesso roqueiras. Ele também passou rapidinho pelo supergrupo Asia em 1983.

De 1991 a 1998, com algumas idas e vindas, voltou a integrar o ELP, que lançou dois álbuns de estúdio e um ao vivo nesse período, durante o qual fizeram duas visitas ao Brasil, em 1993 e 1997. Estive em um dos três shows que fizeram em São Paulo no extinto Palace, e adorei o que vi. Pena que só tenham tocado a minha favorita deles, From The Beginning, na última apresentação, o que não me deixou exatamente feliz…

Em 2010, como forma de comemorar 40 anos de banda, o ELP voltou para um show em Londres, que rendeu um CD duplo gravado ao vivo e lançado naquele mesmo ano com o título High Voltage. Seria o último registro desse trio histórico. Lake lançou em 2015 o CD Ride The Tiger em parceria com o tecladista Geoff Downes, conhecido por ter integrado bandas como Yes, Asia e Buggles.

Emerson Lake & Palmer no Brasil-1993- SP:

Leonard Cohen e Leon Russell gravaram com Sir Elton John

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Por Fabian Chacur

2016 tem sido um ano absurdamente triste para os fãs de boa música. As perdas são absurdas, e mais duas se somam a tantas outras ocorridas até o momento. São as do cantor, compositor e poeta canadense Leonard Cohen e do cantor, compositor e músico americano Leon Russell, dois artistas que nos deixaram legados de valor incalculável. Ambos tem algo em comum: são ídolos e trabalharam com ninguém menos do que Sir Elton John.

A parceria do autor de Goodbye Yellow Brick Road com Leon Russell ocorreu em 2010, com o lançamento do álbum The Union. Um trabalho histórico por várias razões, entre outras o fato de ter sido o primeiro CD que Elton dividiu inteiro com outro artista, e por ter resgatado de um recente anonimato um grande artista. The Union (leia a crítica de Mondo Pop aqui) equivale a uma verdadeira aula de música, e concretizou o sonho de Elton, que sempre citou Russell como um de seus ídolos e grande influência musical. Chegou ao nº 3 nos EUA. Uau!

O álbum com o fã ilustre ajudou a resgatar Leon Russell. Nascido nos EUA em 2 de abril de 1942, ele se tornou conhecido inicialmente como um excepcional músico de estúdio, tocando piano e teclados em trabalhos de artistas diversos, entre os quais The Beach Boys, Jan & Dean, Bob Dylan e inúmeros outros. O estouro de sua composição Delta Lady, gravada por Joe Cocker, ajudou a abrir caminhos para uma atuação mais destacada como artista solo e sideman.

Como diretor musical e pianista, ele esteve ao lado de Joe Cocker no álbum duplo Mad Dogs And Englishmen (1970), registro de uma turnê que é considerada por gente do alto gabarito de Kid Vinil como uma das mais marcantes da história, e na qual Russell aparece com grande destaque. Ele gravou vários discos solo de sucesso nos anos 1970, e viu canções de sua autoria como Superstar, Delta Lady e a Song For You serem regravadas por inúmeros outros artistas.

Leonard Cohen também entrou na discografia de Elton John na base do dueto. Neste caso específico, em uma única faixa, Turn To Lose, incluída no álbum Duets, no qual o astro britânico gravou canções alheias de sua preferência ao lado de diversos amigos famosos do porte de Little Richard, Don Henley, Gladys Knight e George Michael. Vale lembrar que o astro britânico dos mil óculos participou do álbum tributo Tower Of Song- The Songs Of Leonard Cohen, interpretando I’m Your Man.

Nascido no Canadá em 21 de setembro de 1942, Leonard Cohen iniciou sua carreira no mundo das artes como poeta, tendo lançando seu primeiro livro em 1956 (Let Us Compare Mythologies). Ele entrou no cenário musical em 1967 como álbum Songs Of Leonard Cohen, no qual se sobressaíam suas canções introspectivas, com letras profundas conduzidas por uma voz grave e fora dos padrões do pop-rock da época.

Com o tempo, não se tornou um vendedor de milhões de discos ou teve suas músicas tocando o dia todo nas rádios, mas ganhou um fã-clube fiel, composto por inúmeros nomes famosos. A diversidade desses artistas influenciados por ele pode ser bem exemplificada por dois álbuns celebrando sua obra. Um é I’m Your Fan- The Songs Of Leonard Cohen (1991), que traz astros do rock alternativo como R.E.M., Lloyd Cole, Pixies, John Cale e Ian McCulloch.

Por sua vez, Tower Of Song- The Songs Of Leonard Cohen (1995) inclui um elenco de nomes mais afeitos ao mainstream, do porte de Elton John, Sting, Willie Nelson, Peter Gabriel e Suzanne Vega. Canções como Suzanne, So Long Marianne, Tower Of Song, Bird On The Wire, I’m Your Man e Sister Of Mercy são campeãs de regravações. Hallelujah entrou até em trilha de novela e em reality show musical! Universalidade perde. Seu mais recente álbum, You Want It Darker, saiu há poucos dias, e tem a morte como tema principal.

Born To Lose– Elton John & Leonard Cohen:

Morre Rod Temperton, autor de grandes sucessos do pop

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Por Fabian Chacur

Rod Temperton. Esse nome pode não ter registro para você, mas diversas canções assinadas por ele, sozinho e com parceiros, certamente terão. Que tal Thriller, Rock With You, Off The Wall, Give Me The Night e Love x Love, só para começar a conversa? Pois infelizmente ele entrou na lista das grandes perdas no mundo musical em 2016. Sua morte foi anunciada nesta quarta (5) por Jon Platt, CEO da editora Warner Chappel, que editou suas composições. Ele tinha 66 anos.

Este cantor, compositor e tecladista britânico nasceu no mesmo dia e mês de outro gênio da música pop, John Lennon, só que no ano de 1949. Ele começou a se tornar conhecido no meio musical ao integrar a banda Heatwave, com a qual lançou dois ótimos álbuns, Too Hot To Handle (1976) e Central Heating (1978). Ele compôs os principais hits do grupo, as ótimas Boogie Nights, Always & Forever e The Groove Line.

Temperton, no entanto, não curtia ficar à frente dos holofotes, e resolveu sair da banda, passando a se dedicar apenas ao ofício de compor. Na mesma época, o genial produtor Quincy Jones começava a selecionar repertório para o disco que iria produzir para Michael Jackson em 1979, e pirou quando ouviu os discos do Heatwave. Ele pediu para o inglês lhe mandar material, e três músicas acabaram entrando no álbum: Off The Wall (que de quebra virou faixa título), Rock With You e Burn This Disco Out. Pronto. O cara virou o dono da festa.

Em 1980, foi a vez de George Benson investir nele, e gravou duas de suas composições, outras pérolas pop: Give Me The Night (faixa título de novo!) e Love x Love. Essa verdadeira vocação para escrever faixas-título para os outros atingiu o auge em 1982, com nada menos do que Thriller, que além dessa canção trouxe mais duas outras maravilhas de Mister Temperton, Baby Be Mine e The Lady In My Life. Com o rendimento desses três álbuns, sua aposentadoria já estaria garantida.

Só que o cara preferiu continuar trabalhando, além de ser procurado por inúmeros outros artistas em buscas de boas músicas, alguns deles produzidos por Quincy Jones. Dessa forma, vieram Stomp! (com os Brothers Johnson), Ya Mo B There e Sweet Freedom (com Michael McDonald), Love’s In Control (Finger On The Trigger) (com Donna Summer) e Miss Celie’s Blues (Tata Vega), esta última composta em parceria com Quincy e Lionel Richie para a trilha do filme A Cor Púrpura (1985).

As canções do ex-tecladista do Heatwave também foram gravadas por artistas do porte de Karen Carpenter, Aretha Franklin, The Manhattan Transfer e Herbie Hancock, só para citar alguns. Avesso à mídia e à exposição perante o público, Temperton ganhou o apelido de The Invisible Man. A partir dos anos 1990, passou a atuar de forma mais espaçada, mas ainda assim nos ofereceu músicas ótimas como Family Reunion, gravada por George Benson em 2009. Ele também teve várias músicas incluídas no álbum Back On The Block (1989), que rendeu inúmeros prêmios a Quincy Jones. Adivinhe quem assinou a faixa título?

Give Me The Night– George Benson:

Percussionista Peninha sai de cena e encara a eternidade

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Por Fabian Chacur

Não posso negar que sou emotivo até a medula. Como jornalista bastante rodado, já tive a oportunidade de entrevistar centenas, quiçá milhares de pessoas, especialmente músicos. E toda vez que um desses personagens se vai, me dói muito. A bola desta vez é Paulo Humberto Pizziali, 66 anos, mais conhecido no meio musical como Peninha. Ele nos deixou nesta segunda-feira (19), vítima de um choque hemorrágico no estômago. Ele estava internado no Hospital da Lagoa, na zona sul do Rio de Janeiro, desde o dia 5 de agosto.

Peninha, que é o primeiro da esquerda para a direita na foto que ilustra esse post, tinha todo o perfil de um rock and roller das antigas. Descontraído, franco e jeitão de quem não aguentaria um único dia em um escritório da vida, cumprindo os tais 9 to 5. Nasceu para a estrada, para tocar em uma banda de rock, para ser músico. Ele já havia tocado com feras do porte de Johnny Alf, Gal Costa, Simone e Sivuca, até que chegou a hora certa.

Essa hora certa foi o convite para tocar com o Barão Vermelho, em 1986. Do início como músico de apoio, logo acabou sendo incorporado ao time de forma oficial. Dessa forma, ajudou a banda de Roberto Frejat a dar a volta por cima, após um período difícil devido à saída de Cazuza. Sua participação ajudou a acentuar um toque de latinidade meio Carlos Santana em alguns momentos, como a fantástica Pense e Dance.

Por sinal, foi exatamente no disco que inclui esse petardo, o ótimo Carnaval (1988), que Peninha marcou sua estreia em estúdio com o grupo. Daí para a frente, esteve em álbuns como Supermercados da Vida (1992), Carne Crua (1994) e Barão Vermelho (2004). O Barão se mostrou bem menos ativo neste século, mas ele marcou presença nas turnês realizadas de 2004 a 2007 e de 2012 a 2013. Peninha deixou quatro filhos. Descanse em paz, fera!

Pense e Dance (ao vivo)- Barão Vermelho:

Morre Scotty Moore, o eterno guitarrista de Elvis Presley

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Por Fabian Chacur

Um dos segredos do sucesso de Elvis Presley foi ter a seu lado durante a sua primeira década como cantor profissional um certo guitarrista chamado Scotty Moore. Com seus licks inconfundíveis de guitarra, extraídos de uma Gibson Super 400, esse músico americano ajudou a criar os parâmetros do que hoje chamamos rockabilly. Pois nesta terça-feira (28) esta verdadeira lenda da música nos deixou, aos 84 anos de idade. Que perda!

Segundo matéria publicada pelo site americano da revista Billboard, a morte de Moore foi divulgada por seu biógrafo e amigo, James L. Dickerson, que por sua vez confirmou a informação através de um membro da família do músico. Ele atualmente morava em Nashville, a capital mundial da música country. Nos últimos tempos, atuava como manager de estúdio, engenheiro de som e homem de negócios, sempre tido como um cara simples, correto e sociável.

Nascido em Gadsten, Tennessee, em 27 de dezembro de 1931, Scotty Moore ouviu desde garoto muito country e jazz, e foi influenciado por músicos como Les Paul e Chet Atkins. Integrava a banda The Starlite Wranglers quando foi convidado pelo produtor Sam Phillips, dono do selo independente Sun Records, para tocar com um cantor novato com o qual a gravadora pretendia trabalhar. Bill Black, o baixista daquele grupo, também entrou na parada.

Juntos, Moore na guitarra, Black no baixo e o tal novato, ninguém menos do que Elvis Presley, no vocal e violão, fizeram várias jam sessions, e nada saía muito animador. Até que, em um intervalo, o futuro Rei do Rock improvisou em cima de um blues, That’s Alright, e aí o trio parece que pegou no breu. Nascia, em julho de 1954, o embrião do que seria uma das parcerias mais influentes da história do rock.

Juntos, Elvis, Scotty e Black passaram a fazer muitos shows, e adquiriram um entrosamento que se refletiu nas gravações. Maravilhas como That’s Alright, Blue Moon Of Kentucky, Mystery Train e Baby Let’s Play House invadiram as paradas de sucesso e atraíram a atenção da gravadora RCA, que fez uma proposta milionária e tirou Presley da Sun Records. Inteligentemente, Elvis levou Moore e Black junto com ele.

O estouro, até então regional, virou regional e mundial logo a partir do primeiro single na nova companhia, o incrível Heartbreak Hotel, em 1956. Nessa época, já havia sido acrescentado ao grupo o baterista DJ Fontana, que ajudou a encorpar ainda mais aquela sonoridade repleta de rock, blues e country, cuja mistura passou a ser chamada rockabilly.

A parceria com Elvis Presley se encerrou em 1964, quando Scotty Moore lançou seu primeiro álbum solo, The Guitar That Changed The World, fato que irritou o empresário do cantor, o peculiar Coronel Tom Parker. Ele ainda voltaria a tocar com o famoso patrão em 1968, no famoso especial de TV The Comeback Special que marcou o retorno do astro ao mundo dos shows após anos dedicados aos filmes. A partir daí, a vida de Moore ficou mais reservada, mas sempre com muito trabalho.

Entre os momentos marcantes desses anos pós-Elvis da carreira de Scotty estão a gravação de That’s All Right que ele fez com Paul McCartney, com participação do antigo colega DJ Fontana na bateria. Ele também integrou o elenco do CD All The King’s Men (1997), ao lado de Keith Richards e Levon Helm. Entre seus fãs ilustres, podem ser citados o próprio Richards, Eric Clapton, Jimmy Page, Paul McCartney, Mark Knopfler, Brian Setzer e inúmeros outros.

That’s All Right– Scotty Moore, Eric Clapton, Mark Knopler etc:

Dj Fontana, The Jordanaires e Scotty Moore ao vivo na TV:

Heartbreak Hotel(ao vivo)- Elvis Presley e Scotty Moore:

Morre Tony Barrow, assessor de imprensa dos Beatles etc

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Por Fabian Chacur

Quando a expressão Fab Four é citada, não há quem não se lembre do grupo habitualmente associado a ela, os Beatles. O que muita gente não sabe é que a tal frase foi criada por Tony Barrow, lá pelos idos de 1963. O assessor de imprensa da banda mais bem-sucedida da história da música nos deixou no último dia 14 (sábado), poucos dias depois de completar 80 anos. Sua importância na incrível história de John, Paul, George e Ringo não é pequena. Não mesmo.

Tony Barrow nasceu no dia 11 de maio de 1936, e começou sua carreira ainda adolescente, escrevendo sobre música no jornal Liverpool Echo. Paralelamente, passou a trabalhar na gravadora Decca, e foi ele quem ajudou o amigo Brian Epstein a conseguir para a banda da qual este era empresário um teste. Os Beatles acabaram reprovados, mas a amizade se firmou, e quando o grupo foi contratado pela EMI, Epstein convidou Barrow para trabalhar com ele na Nems Enterprises.

Na empresa, Tony se tornou o assessor (ou agente) de imprensa não só dos Beatles, mas também de outros artistas contratados por Epstein, como Cilla Black e Gerry & The Pacemakers. Entre suas funções estava organizar entrevistas coletivas, escrever press releases e textos de contracapas de LPs e acompanhar os artistas durante suas turnês. Ou seja, era trabalho duro, que ele fazia com muita qualidade e categoria.

Na foto que ilustra esta matéria, Barrow pode ser visto escolhendo e autorizando um jornalista a fazer uma pergunta aos Beatles durante uma coletiva. Vale lembrar que Paul McCartney seguiu esse modelo em suas entrevistas coletivas, pois participei de duas, em 1990 e 1993, e os profissionais eram escolhidos da mesma forma por seu agente da ocasião. Na de 1993, fui o último a ser autorizado a fazer uma pergunta ao Macca. Que emoção quase indescritível!

Barrow ficou com os Beatles até o final de 1967, sendo que um de seus últimos trabalhos para a banda foi editar o livreto que acompanhava o álbum (ou os compactos duplos) da trilha sonora do filme Magical Mystery Tour. Como Brian Epstein havia morrido há pouco e o grupo resolveu montar seu próprio selo, a Apple, o assessor de imprensa decidiu montar o escritório Tony Barrow International.

Aí é que entra o etc do título deste post. Barrow trabalhou com diversos outros artistas importantes, entre eles The Kinks, Bay City Rollers, Gladys Knight, David Cassidy, Jackson Five, Neil Sedaka e ironicamente os Monkees, grupo feito à feição dos Beatles para a TV americana. Em 1980, desanimado com a explosão do punk, resolveu abandonar o ramo de assessoria e voltou ao jornalismo, inicialmente como free lancer.

Em seguida, também passou a se dedicar aos livros, sendo um deles o influente Inside The Music Business, escrito em parceria com Julian Newey. Outros dois interessam e muito aos beatlemaníacos: The Making Of The Beatles Magical Mystery Tour (1999) e o livro de memórias John, Paul, George, Ringo & Me (2006). Paul McCartney tuitou sobre o antigo funcionário e amigo pessoal:

“Tony Barrow foi um cara adorável que nos ajudou no início dos Beatles. Ele era super profissional, mas sempre pronto para uma risada. Fará falta e será lembrado por muitos de nós”. Todo interessado na função de assessor de imprensa deveria estudar o trabalho deste grande pioneiro na área, um verdadeiro Fab One em seu ofício.

Day Tripper (live Candlestick Park 1966)- The Beatles:

The Beatles Live Candlestick Park 29,8,1966:

Cauby Peixoto, o professor, o irmão gêmeo do meu irmão

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Por Fabian Chacur

Cauby Peixoto nos deixou às 23h50 da noite deste domingo (15) aos 85 anos. Ele estava internado desde o dia 9 de maio, e foi vítima de pneumonia. Na verdade, tinha problemas sérios de saúde há alguns anos, mas com sua incrível garra e vontade de viver, continuou ativo, fazendo shows e gravando discos. Mais um verdadeiro mito que nos deixa, felizmente reconhecido e saudado enquanto ainda estava entre nós. Vai fazer muita, mas muita falta mesmo. Um estilista da canção.

Difícil fugir do que todo mundo já escreveu sobre esse artista nascido em Niterói (RJ) no dia 10 de fevereiro de 1931. Lançou seu primeiro disco em 1951, e foi um dos últimos grandes ídolos surgidos na chamada Era do Rádio. Com o estouro de Conceição, tornou-se mania nacional, com direito a roupas rasgadas pelas fãs e uma idolatria digna de Frank Sinatra, Roberto Carlos, Beatles e outros artistas desse mesmo porte.

Ainda nos anos 1950, lançou trabalho em inglês com o pseudônimo Ron Coby, e uma carreira internacional se mostrou viável. Mas ele acabou sendo o nosso Cauby, mesmo, para felicidade geral da nação. Versátil, enveredou por diversos estilos, até pelo rock and roll, sempre com uma categoria e um vozeirão que nunca o deixou na mão, nesses mais de 60 anos de trajetória repleta de realizações e glória.

Em 1980, voltou com força aos holofotes ao lançar o excelente álbum Cauby! Cauby!, lançado pela gravadora global Som Livre, com direito a canções feitas especialmente para ele por autores como Chico Buarque, Caetano Veloso, Tom Jobim e Roberto & Erasmo Carlos, entre elas a célebre Bastidores, que o recolocou com todo o merecimento nas paradas de sucesso. De onde nunca deveria ter saído.

Em sua extensa discografia, trabalhos com a amiga e contemporânea Angela Maria, com quem por sinal estava realizando a turnê 120 Anos de Música e faria neste sábado (21) no Sesc Santo Amaro uma apresentação em São Paulo durante a Virada Cultural. Poucos poderiam se atrever a gravar um disco com músicas do repertório de Sinatra sem correr o risco de cair no ridículo, e ele superou bem tal desafio.

Mas existem outras lembranças em relação a Cauby Peixoto, essas bem particulares. Quando moleque, sempre via algumas amigas da minha mãe dizendo que meu irmão Victor era a cara do Cauby. Olhando foto dos dois nos anos 1960, dava para confundir um com o outro, mesmo. Ironicamente, essa comparação sobrou para mim nos anos 1990, quando usei um estilo de cabelo cacheado e longo muito semelhante ao dele naquele período e até o fim da vida.

Quando tive a honra de entrevista-lo para o extinto Diário Popular, lá pelos idos de 1993 ou coisa que o valha, o fotógrafo Paulo Pinto tirou uma foto na qual aparecíamos eu e o Professor, durante a entrevista. Pena que eu não tenha scanner para dividir essa bela recordação com vocês. O cara era um gentleman e muito acessível, oriundo de uma época em que os artistas se preocupavam em tratar bem a todos.

Cauby! Cauby!- Cauby Peixoto (1980-CD em streaming):

Conceição– Cauby Peixoto (1956- versão original):

I Go (Maracangalha)– Ron Coby (Cauby Peixoto):

Billy Paul, verdadeiro estilista da soul music, hoje é saudade

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Por Fabian Chacur

O Dia dos Namorados, comemorado no Brasil no dia 12 de junho, este ano será bem triste. Certamente não teremos um show de Billy Paul para celebrá-lo, como ocorreu algumas vezes nos últimos anos. A razão é definitiva: ele nos deixou neste domingo (24), aos 81 anos de idade, vítima de um câncer. Uma grande perda. Ele era um estilista da soul music.

Billy Paul nasceu no dia 1º de dezembro de 1934 na cidade da Philadelphia, nos EUA. Começou a carreira ainda muito jovem, lançando seu primeiro single em 1952, com as músicas Why Am I e That’s Why I Dream. Seu primeiro álbum só sairia em 1968, Feelin’ Good At The Cadilac Club, que iniciou sua parceria com os produtores e compositores Kenny Gamble e Leon Huff. Seria o início de uma parceria que se mostraria das mais produtivas.

Quando Gamble e Huff resolveram montar um selo mais forte, a Philadelphia International Records (PIR), com o apoio da Epic/CBS, não demoraram a chamar Billy Paul para assinar com eles. O primeiro lançamento do contrato, Going East (1971), não teve muita repercussão. O segundo, no entanto, foi bola no ângulo. Golaço musical.

360 Degrees Of Billy Paul (1972) inclui Me and Mrs. Jones, que no formato single chegou ao primeiro lugar da parada pop americana e por lá ficou por três semanas. Musicalmente doce e com um tempero jazzístico, a canção fala sobre um momento de infidelidade, e chega a ser surpresa ter feito tanto sucesso em um país tão conservador como os EUA. A faixa virou o cartão de visitas da carreira de Billy Paul.

Mas o álbum traz também outras canções bem bacanas, como suas belas releituras de Your Song (Elton John) e It’s Too Late (de Carole King). A sacudida Am I Black Enough For You? foi escolhida para suceder Me and Mrs. Jones, e atingiu apenas a posição de nº 79 nos charts. Desta vez, a temática racial não foi bem aceita pelo público médio, uma pena, levando-se em conta a qualidade da mesma. O álbum chegou ao nº 17 na parada pop. Nunca mais ele teria tanto sucesso comercial nos EUA.

Embora sua qualidade musical permanecesse alta, seus álbuns não venderiam mais tão bem. Com faixas longas e forte tempero psicodélico, o excelente álbum War Of The Gods(1973) só chegou ao número 110 nos EUA, com o single Thanks For Saving My Life, única com um formato mais pop e compacto, atingindo apenas o número 37. Daí para a frente, seus trabalhos venderiam cada vez menos em sua terra natal.

Em países como o Brasil, no entanto, Billy Paul continuou um hitmaker potente, emplacando nos charts as músicas já citadas nesta matéria e outras que passaram batidas na terra de Richard Nixon, entre as quais as excelentes July July July July, Let Em In (de Paul McCartney), Only The Strong Survive e Bring The Family Back. Sua primeira passagem por aqui seria em 1976, apenas o começo de uma cumplicidade incrível.

First Class, de 1979, que inclui Bring The Family Back, marcou o fim de sua parceria com a PIR, dos amigos Gamble & Huff. Curiosamente, eles se reencontrariam nos tribunais, quando Paul reclamou de direitos não pagos por eles, e acabou vencendo a questão, assim como também venceu a luta contra a utilização de Me And Mrs. Jones pela Nike em um comercial já nos anos 2000. Coisas do mundo capitalista selvagem…

Nos anos 1980, ainda arriscou dois discos de inéditas, Lately (1985) e Wide Open (1988), mas as tentativas de modernização não deram muito certo. Ele chegou a dizer, durante um show na Inglaterra, em 1989, que iria se aposentar. Houve quem acreditasse, até pelo fato de ele ter 55 anos na época, mas no fim das contas, foi um alarme falso. Suas turnês se tornaram frequentes, pelos EUA, Europa, Ásia e América Latina.

No Brasil, Billy Paul virou presença constante, com direito até a abrir um show do Olodum, em 1994, presenciado por este que vos tecla. Antes, em 1988, ele havia gravado um dueto com Sandra de Sá, Amanhã, que tocou bastante nas rádios. Muitos até brincavam com esses seus retornos frequentes (leia análise sobre isso aqui).

Além dos shows, Billy Paul nos proporcionou os discos gravados ao vivo Live World Tour 1999-2000, com gravações feitas em São Paulo, Paris, Bermudas e Philadelphia, e Your Song: Live In Paris, gravada na Cidade do Amor. Em 2009, foi lançado o excelente documentário Am I Black Enough For You?, do diretor sueco Goran Hugo Olsson, que tem até cenas gravadas no Brasil (leia a resenha aqui).

War Of The Gods– Billy Paul:

Thanks For Saving My Life– Billy Paul:

Your Song– Billy Paul:

Am I Black Enough For You?– Billy Paul:

Only The Strong Survive– Billy Paul:

Prince, o gênio, o criador, nos deixa com apenas 57 anos

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Por Fabian Chacur

O ponto alto da segunda edição do Rock in Rio, a única que cobri e realizada no estádio do Maracanã em 1991, foi ter realizado o meu sonho de ver Prince ao vivo. Dois shows marcantes e inesquecíveis, especialmente o primeiro. Um dos meus ídolos desde que ouvi I Wanna Be Your Lover, seu primeiro hit, em 1979. Infelizmente, ele não pertence mais a esse mundo. O genial astro americano foi encontrado morto nesta quinta(21). Ele tinha 57 anos.

O cantor, compositor, produtor e multi-instrumentista americano estava em sua casa e estúdio, o Paisley Park, situado em sua cidade natal, Minneapolis, onde viveu todo o seu período de vida. A causa da morte ainda não foi divulgada. O anúncio oficial foi feito por sua assessora de imprensa, Yvette Noel-Schure. Ele havia sido internado na semana passada devido a uma gripe, mas anunciou que estava bem e que não precisavam se preocupar. Ledo engano…

No que seria sua última comunicação com o público, ele também afirmou que em breve lançaria um álbum gravado ao vivo extraído do show Piano and a Microfone, que fez no melhor esquema voz e piano, sem outros músicos. O tecladista brasileiro Renato Neto, que tocou durante mais de dez anos com Prince, participando de turnês e de discos como Musicology (2004), afirmou em entrevista que o artista tinha ao menos 200 músicas inéditas gravadas e guardadas.

Prince Rogers Nelson nasceu em 7 de junho de 1958. Desde o início, esbanjava autoconfiança, ao ponto de exigir liberdade total de criação para assinar com a gravadora Warner em 1978. O sucesso começou com seu segundo álbum, autointitulado, do qual fazem parte hits como I Wanna Be Your Lover e Sexy Dancer. O som era um funk com elementos de soul, disco music e rock. Este último elemento aparecia de forma escancarada em Bambi, faixa puramente hendrixiana na qual ele brilha com riffs e solos de guitarra demenciais.

Lembro que um dos momentos que mais me marcaram no primeiro show que vi de Prince no Rock in Rio de 1991 foi exatamente ver o astro interpretando Bambi de uma forma simplesmente demencial, solando como se não houvesse amanhã. Puro Hendrix, puro hard rock. Aliás, essa é uma das marcas desse artista: o total desrespeito aos limites e barreiras, indo do funk ao rock ao soul ao jazz ao pop e ao que pintasse, sempre com personalidade e criatividade.

For You, o primeiro álbum (de 1978) daria início a um procedimento que Prince repetiria em diversos momentos de sua carreira: a autossuficiência, com direito a gravar todos os instrumentos e vocais e a produzir os álbuns. Reza a lenda que ele era o terror dos técnicos de estúdio, pois sempre varava noites gravando, sem se preocupar com coisas básicas como refeições, dormir e outras rotinas habituais.

Prince era ousado em termos musicais e também nos aspectos visuais de seus discos e shows, sempre flertando com a pornografia. Ele teve a coragem de aparecer na capa de seu álbum Dirty Mind (1980) usando uma calcinha. Sua postura andrógina podia dar margem a falatórios, mas a verdade é que o baixinho de Minneapolis sempre namorou e trabalhou com mulheres lindas, como Apolônia, Sheena Easton, Sheila E, Carmen Electra…A lista é longa e interminável.

Com 1999 (1982), o artista cria uma sonoridade minimalista que influenciaria toda a música pop dos anos 1980, emplacando hits como a faixa título e Little Red Corvette. E o grande estouro viria em 1984 com o álbum Purple Rain, trilha do filme homônimo e que invadiu as paradas mundiais com os hits Purple Rain, Let’s Go Crazy e When Doves Cry. Michael Jackson ganhava um rival de peso nas paradas de sucesso.

A criatividade desse grande astro nunca encontrou amarras que o contivessem. Psicodelismo em Around The World in a Day (1985), funk eletrônico pesado em Sign O’ The Times (1987), pop puro na trilha do filme Batman (1989), a lista vai longe. Sozinho ou acompanhado por belas bandas, como a The Time, a Revolution e a New Power Generation. Belos parceiros para um artista sempre inquieto.

Além da própria carreira, ele também forneceu hits para vários artistas, como Sinead O’Connor (Nothing Compares 2 U), The Bangles (Manic Monday, que ele assinou com o pseudônimo Christophe), Madonna (com quem gravou o dueto Love Song, incluída no disco Like a Prayer-1989, da diva pop) e até mesmo o saudoso violonista e cantor americano Michael Hedges (uma releitura ao vivo simplesmente brilhante de A Love Bizarre).

Aí, o temperamento difícil começou a dar as cartas. Na primeira metade dos anos 1990, comprou uma briga com a Warner e resolveu trocar o nome por um símbolo estranho, mistura de feminino e masculino, que o levou a ser apelidado de Symbol. Saiu da gravadora nos idos de 1995, lançando em 1996 o álbum triplo Emancipation. A partir dali, seu sucesso comercial teria uma queda, mas não a sua produção artística.

Neste século, Prince (o “símbolo” já havia ficado no passado) se manteve relevante e bastante ativo, mas seus trabalhos se tornaram menos badalados do que nos bons tempos. Isso, aliado a sua aversão às redes sociais e ao veto de suas músicas no Youtube e outros pontos virtuais de divulgação o tornaram menos visível.

Os bons trabalhos, no entanto, continuaram saindo, como o ótimo Musicology (2004). De setembro de 2014 até aqui, por exemplo, lançou quatro álbuns de inéditas, entre os quais o recente HITNRUN Phase Two (2015), disponível apenas no site de streaming Tidal, de Jay-Z.

O trabalho de Prince misturou Sly Stone, James Brown, Michael Jackson, Beatles, Jimi Hendrix, Joni Mitchell e muito mais de uma forma absolutamente original, gerando dessa forma uma assinatura própria das mais influentes. Perder David Bowie e Prince em um mesmo ano é simplesmente lamentável para quem é fã de música pop de qualidade.

Ainda bem que pude ver aqueles shows em 1991. Um retorno dele ao Brasil foi cogitado há não muito tempo, mas acabou sendo cancelado. Agora, curtir a sua música, só mesmo nos DVDs, CDs, Blu-rays, streamings…Rest in Peace, Purple King!

Love Song– Madonna e Prince:

Nothing Compares 2 U– Sinead O’Connor:

Manic Monday– The Bangles:

A Love Bizarre– Michael Hedges:

Morre Keith Emerson, um dos criadores do rock progressivo

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Por Fabian Chacur

O rock progressivo surgiu na segunda metade da década de 1960 como um estilo que aproximou o rock da música erudita e do jazz, apostando em maior sofisticação e aprofundando (para o bem e para o mal) as experiências geradas pelo psicodelismo. Um de seus músicos seminais foi o tecladista britânico Keith Emerson, do Emerson Lake & Palmer, que nos deixou nesta sexta(11) aos 71 anos.

Keith Emerson nasceu na Inglaterra em 1º de novembro de 1944, e iniciou seus estudos de piano ainda criança. Começou tocando em pequenos grupos de jazz nos anos 1960. Sua primeira banda de maior expressão foi a The Nice, criada em 1967 inicialmente para acompanhar a cantora P.P.Arnold. Ao lado de músicos como Lee Jackson (baixo) e David O’List (guitarra), criou um som já na linha do que viria a ser o rock progressivo e no qual seus teclados tinham bastante proeminência.

Em dezembro de 1969, o The Nice tocou no Fillmore em San Francisco, Califórnia (EUA) junto com outra banda emergente, a King Crimson, e o contato com um de seus integrantes, o vocalista e baixista Greg Lake, foi marcante. Com gostos musicais similares, resolveram criar um novo grupo, e convidaram para completar o trio o baterista Carl Palmer, do Atomic Rooster. Em 1970, nascia o Emerson, Lake & Palmer.

Oriundo da era dos “supergrupos”, formações geradas a partir da associação de músicos já famosos e badalados graças a trabalhos anteriores, o Emerson, Lake & Palmer veio respaldado pelo talento de três nomes fortes do cenário inglês, e não decepcionou. Fez sucesso logo com o disco de estreia, autointitulado, do qual foi extraído o single Lucky Man. Emerson incorporou influências eruditas ao som em grande estilo.

Ou com citações não creditadas, ou com releituras, ele apresentou aos roqueiros grandes momentos da música erudita, de nomes como Mussorgsky, Aaron Copland, Bach e Alberto Ginastera, entre outros. De quebra, criou um verdadeiro arsenal de teclados, entre os quais Hammond, Moog e o piano acústico Steinway, gerando um som original e que influenciou gerações de músicos progressivos. Ao vivo, a parafernália tecladística no palco era praticamente o cenário de cada novo show, de tanta coisa que envolvia.

Entre 1970 e 1978, a banda lançou diversos discos, entre os quais o antológico Trilogy (1972). Quando Love Beach (1978) chegou às lojas, eles vinham de anos bem pouco produtivos e nos quais os egos passaram a complicar muito a vida do grupo, que logo veio a sair de cena. Inicialmente, Emerson passou a se dedicar a trilhas incidentais de filmes, entre os quais Inferno (1980), de Dario Argento.

Em 1985, ele e Greg Lake resolveram voltar a tocar juntos, e como Carl Palmer inicialmente não se interessou, eles convidaram outro baterista consagrado, Cozy Powell, e montaram o Emerson, Lake & Powell, que lançou em 1986 um álbum homônimo no qual se destacou a faixa Touch And Go, que trouxe o rock progressivo de volta às paradas de sucesso.

O trio original se reuniu e ensaiou de janeiro a agosto de 1987, mas o retorno ficou por aí, ao menos naquele momento. Acompanhados pelo cantor e guitarrista Robert Berry, Emerson e Palmer criaram o grupo 3, que lançou em 1988 o álbum To The Power Of Three (incluindo um cover de Eight Miles High, dos Byrds) e fez alguns shows antes de também sair de cena sem deixar muita saudade.

Em 1990, Keith Emerson fez shows integrando um supergrupo de curta duração ao lado de John Entwistle (The Who), Joe Walsh (The Eagles), Jeff Skunk Baxter (Steely Dan e The Doobie Brothers) e Simon Phillips (tocou com The Who, Judas Priest, Jeff Beck, Mick Jagger e inúmeros outros). Ele voltaria a integrar um grupo do tipo em 2007, quando abriu o show do Led Zeppelin em 2007 com Chris Squire (Yes), Alan White (Yes) e Simon Kirke (Free e Bad Company).

O desejo dos fãs acabou se concretizando em 1991, quando Emerson, Lake & Palmer enfim voltaram a tocar juntos. No ano seguinte, lançaram Black Moon, primeiro disco de inéditas em 14 anos, e caíram na estrada. O grupo veio ao Brasil em 1993 e 1997, fazendo shows que os fãs brasileiros do rock progressivo simplesmente adoraram.

Com uma nova separação da banda, ocorrida em 1998, Keith Emerson voltou ao noticiário musical em 2002, devido a uma curta turnê de retorno do The Nice. Em 2004, lançou sua autobiografia, Pictures Of An Exhibitionist. O ELP se apresentou mais uma única vez, em 2010, em Londres, e naquele mesmo ano Emerson e Lake fizeram uma turnê. Como duo, lançaram em 2014 o CD Live From Manticore Hall.

Trecho do show do Emerson, Lake & Palmer no Brasil em 1993:

Pictures At An Exhibition (ao vivo no Brasil 1997)- ELP:

Hoedown– Emerson Lake & Palmer:

From The Beggining– Emerson Lake & Palmer:

The Endless Enigma– Emerson Lake & Palmer:

Touch And Go– Emerson Lake & Powell:

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