A discografia de João Bosco é uma das mais consistentes e ricas da história da MPB. Por alguma razão, seu quarto trabalho, Tiro de Misericórdia (1977), lançado na época pela RCA, não estava disponível em CD. Graças à gravadora Kuarup, esse título enfim chega à era digital, e em grande estilo, com direito a encarte luxuoso com letras e ficha técnica. Um grande álbum.
Chega a ser inacreditável pensar que, de 1975 a 1977, o cantor, compositor e violonista mineiro teve fôlego para lançar três trabalhos tão bons e repletos de clássicos como Caça à Raposa (1975), Galos de Briga (1976) e o em questão Tiro de Misericórdia (1977). Era muita inspiração, pois não é qualquer um que consegue lançar tantas coisas boas em tão pouco tempo.
Tiro de Misericórdia é essencialmente um disco de samba, mas sem amarras e aberto a outras sonoridades, como música latina, chorinho, bossa nova e até um tempero pop aqui e ali. A conduzir tudo, um violão endiabrado, uma voz deliciosa e composições de João Bosco nas melodias e Aldyr Blanc nas letras. Uma dupla dinâmica!
O álbum abre com Gênesis (Parto) e fecha com Tiro de Misericórdia, duas músicas irmãs. A primeira conta o nascimento de uma criança na marginalidade, sofrendo todas as dificuldades dessa condição, e com toda a pinta de que, “oxum falou, esse promete”. A faixa título mostra o trágico fim dessa história, com o moleque virando marginal e morrendo de forma violenta. Tudo pontuado por muita percussão e ritmos de umbanda. De arrepiar, de tão atual.
Duas músicas integraram com destaque a trilha sonora do magistral Se Segura Malandro, um clássico de Hugo Carvana e na minha modesta opinião um dos melhores filmes da história do cinema nacional. A panfletária (no melhor sentido da palavra) Plataforma contagia logo nos primeiros acordes, enquanto a envolvente Vaso Ruim Não Quebra une Bosco e Cristina Buarque contando o inusitado romance entre Laurinha e Romão. Dois sambas matadores.
Ainda no quesito sambão, Jogador não fez feio nas paradas de sucesso, enquanto o lirismo fatalista marca a belíssima Falso Brilhante. E tem também o irresistível bolero sacudido Bijuterias, grande sucesso usado como abertura da novela global O Astro. E as outras faixas do álbum não deixam a peteca ir ao chão, de tão consistentes e inspiradas que são.
Além de João Bosco na voz e violão, o álbum conta com direção criativa a cargo de Durval Ferreira, coordenação artística e direção de estúdio pilotadas pelo brilhante Rildo Hora e a participação de músicos do alto gabarito de Horondino Dino Silva (violão de 7 cordas), Toninho Horta (guitarra), Pascoal Meireles (bateria), Abel Ferreira (clarinete), Raul de Barros (trombone) e Altamarinho Carrilho (flauta). Um clássico perene da MPB. Compre já!
Plataforma– João Bosco:
Vaso Ruim Não Quebra– João Bosco e Cristina Buarque:
Feito em Casa, um dos discos mais importantes da história da MPB e um clássico do repertório de Antônio Adolfo, está sendo relançado no formato original no qual chegou ao mercado musical, em 1977, ou seja em vinil. O selo Polysom está disponibilizando o disco em vinil de 180 gramas, com qualidade de áudio e embalagem de primeira linha, como esse incrível álbum merece.
A importância de Feito em Casa vai além da qualidade musical, pelo fato de ter sido o primeiro trabalho do eventual cantor, mas atuante compositor, tecladista e maestro pela via independente. O sucesso de sua empreitada acabou animando outros artistas a explorar esse caminho, entre os quais o grupo Boca Livre, Paulinho Boca de Cantor, a vanguarda paulistana e muitos outros.
Com predominância instrumental, o álbum inclui uma faixa com vocais que fez sucessos nas rádios dedicadas à música brasileira na época, a belíssima Aonde Você Vai, cantada pelo próprio Adolfo com impecável registro vocal. Ele conta no álbum com participações especiais de músicos do alto gabarito de Jamil Joanes (baixo), Luizão Maia (baixo), Luiz Cláudio Ramos (violão e guitarra) e Chico Batera (bateria).
Outra participação bacana é a da cantora, compositora e violonista Joyce na faixa Acalanto, sendo que Dia de Paz foi composta em parceria com Jorge Mautner. Vale lembrar que, na época, nenhuma gravadora multinacional se dispôs a lançar esse trabalho de Antônio Adolfo, que resolveu então encarar a opção independente como forma de dar continuidade a uma carreira que já tinha colhido frutos bacanas.
Antes de lançar Feito Em Casa, Antônio Adolfo integrou o popular grupo A Brazuca, compôs sucessos como Sá Marina, BR-3 e Juliana e trabalhou com nomes do alto gabarito de Wilson Simonal, Elis Regina e Sérgio Mendes, entre muitos outros. Ele tem sólida formação musical, tendo estudado no Brasil e no exterior, o que lhe possibilitou refinar seu trabalho, sem no entanto cair no tecnicismo puro.
Mais ativo do que nunca, Adolfo lançou recentemente o fantástico álbum Finas Misturas (leia a crítica aqui), e tocou recentemente em São Paulo em julho (leia mais aqui), em apresentação única e gratuita. Ele continua morando no exterior, e desenvolve um prolífico trabalho educacional, além de continuar tocando ao vivo e gravando novos álbuns.
Como vender discos inéditos está se tornando uma tarefa cada vez mais difícil (embora não impossível, felizmente), a indústria fonográfica está há algum tempo apostando em reedições matadoras no formato físico de álbuns clássicos, aqueles que os fãs de bom gosto precisam ter em suas coleções.
Acaba de chegar às lojas brasileiras uma reedição que eu recomendo com entusiasmo. Trata-se da versão comemorativa de 35 anos de lançamento de Slowhand, um dos melhores e mais vendidos álbuns da carreira do genial cantor, compositor e guitarrista britânico Eric Clapton.
O álbum é oferecido em formato digipack que reproduz a embalagem capa dupla do original em vinil, acrescentando novas fotos, um fantástico encarte repleto de informações e fotos, quatro faixas-bônus e um CD adicional com gravações ao vivo.
Gravado em Londres em maio de 1977, Slowhand traz três dos maiores sucessos da carreira do ex-integrante do Cream: o rockão Cocaine (escrita por J.J.Cale), a doce balada Wonderful Tonight e o country swingado Lay Down Sally. Mas o álbum traz outros atrativos bem fortes.
O rockão The Core, por exemplo, que Clapton canta em dueto com a coautora da faixa, a excelente Marcy Levy (letrista de Lay Down Sally, por sinal). A deliciosa e delicada canção country Next Time You See Her, a releitura turbinada do blues Mean Old Frisco (de Arthur Big Boy Crudup, que também escreveu That’s Alright Mama, hit com Elvis Presley) e a ótima May You Never (de John Martyn) também cativam o ouvinte.
Influenciado pelo grupos The Band e Delaney, Bonnie & Friends (com quem gravou, por sinal) e pelo amigo George Harrison, Clapton mergulhou de cabeça no mundo das canções, usando sua incrível habilidade como guitarrista a favor delas, deixando preciosismos e egotrips bem longe. Isso, além de cantar de forma impecável e versátil. E pensar que ele se achava um mau cantor… Vai se autoavaliar de forma errada ali adiante!
A seu lado, uma excelente banda de apoio usada nos shows, que ele sabiamente resolveu levar para o estúdio também. Com a produção a cargo do experiente Glynn Johns (que trabalhou com The Who, Eagles e inúmeros outros), ele conseguiu gravar Slowhand em apenas seis semanas, contando o período de mixagem.
As quatro faixas bônus adicionadas às nove do trabalho original são excelentes, com destaque para Looking At The Rain (escrita por Gordon Lightfoot), e poderiam perfeitamente ter entrado no disco, na época. Um ótimo resgate.
O CD bônus inclui nove clássicos do repertório de Eric Clapton solo, do Cream e do Blind Faith, gravados ao vivo em show no Hammersmith Odeon de Londres no dia 27 de abril de 1977, ou seja, em torno de uma semana antes das gravações do álbum. O entrosamento dos músicos é impressionante, assim como a energia das performances.
Bem bacana ouvir Steady Rolling Man, do mestre do blues Robert Johnson, e descobrir ali o riff utilizado pouco depois nas gravações de Lay Down Sally, em um contexto completamente diferente. Ou Can’t Find My Way Home (de Steve Winwood e gravada pelo Blind Faith, supergrupo do qual Clapton fez parte), com belíssima interpretação vocal a cargo de Yvonne Elliman (que fez sucesso ao gravar If I Can’t Have You para a trilha do filme Os Embalos de Sábado à Noite, curiosamente lançada naquele mesmo 1977).
As longas versões de Tell The Truth, Stormy Monday e I Shot The Sheriff dão bons espaços para as improvisações dos músicos, que os aproveitam com sabedoria. Mais compactas, Further On Up The Road, Badge e Knocking On Heaven’s Door também são ótimas.
Se Slowhand já era um álbum indispensável para os fãs do melhor rock melódico, imaginem agora, nessa reedição primorosa. Vale cada centavo que você investir nela.
A família de Frank Zappa (1940-1993), através de seu selo Zappa Records, está iniciando uma série de relançamentos oriundos da extensa discografia desse genial e polêmico cantor, compositor e guitarrista americano. Com distribuição a cargo da Universal Music, os títulos também sairão no Brasil. O primeiro a cair nas mãos de Mondo Pop é Hot Rats.
Lançado originalmente em 1969, este álbum é o primeiro trabalho lançado por Zappa como artista solo após o fim da primeira formação dos Mothers Of Invention, grupo que o tornou conhecido especialmente no cenário underground do rock americano.
Além dele na guitarra, baixo octavado e percussão, temos o ex-colega de Mothers of Invention Ian Underwood nos teclados e sopros. O álbum inclui participações especiais de Captain Beefheart (vocais na única faixa não totalmente instrumental do álbum, Willie The Pimp), Jean-Luc Ponty (violino), Sugar Cane Harris (violino) e John Guerin (bateria).
Hot Rats pode ser considerado um dos primeiros (se não for o primeiro mesmo!) trabalhos do gênero musical posteriormente rotulado como jazz-rock, que neste caso específico significa uma mistura do vigor e da eletricidade do rock (beirando o hard rock e o blues rock em vários momentos) com a liberdade de improvisação do jazz.
Os seis temas incluídos no álbum cativam o ouvinte logo em seus instantes iniciais, e servem como belíssimo cartão de apresentação para o virtuosismo de Frank Zappa como guitarrista, especialmente nas fantásticas Peaches En Regalia (a faixa mais famosa deste CD), Son Of Mr. Green Genes e The Gumbo Variations, essa última uma espécie de heavy metal sofisticado.
Duas faixas possuem menos de quatro minutos, outra pouco mais do que cinco e três vão além dos oito minutos, mas não temos aqui aquela praga que por vezes assola a música instrumental e o jazz, que é o músico tocando para si e se lixando para os ouvintes e até seus colegas de banda, aquilo que pode ser determinado como masturbation music.
Em Hot Rats, Zappa e seus asseclas improvisam em cima de temas instrumentais bem construídos e atrativos, e certamente cativam os ouvintes pela fluência e musicalidade de seus solos, repleta de passagens criativas e mesclando elementos musicais oriundos das mais variadas fontes, como música latina, erudita e folk/country, por exemplo.
Não vou dar uma de espertinho: só tive a oportunidade de ouvir esse álbum agora, 43 anos após o seu lançamento. Mas isso me possibilitou perceber o quanto se trata de um trabalho que soa coeso, instigante e moderno, mesmo tantas décadas após chegar às lojas.
É como se tivesse sido lançado agora, e certamente influenciou (e influenciará) muita gente boa por aí. Mais indiscutível do que isso, está difícil!
No dia 7 de agosto, Caetano Veloso, um dos maiores ícones da música brasileira, fará 70 anos. Como forma de celebrar de forma bacana essa efeméride, a Universal Music está colocando aos poucos no mercado vários lançamentos especiais.
O mais recente é uma nova edição de Transa, álbum lançado em 1972 e considerado por inúmeros “caetanófilos” como um dos melhores ítens de sua riquíssima discografia.
Com seu conteúdo remasterizado nos estúdios Abbey Road (nos quais os Beatles gravaram seus maiores clássicos), o disco aparece em duas versões (LP de vinil especial e CD), ambas reproduzindo a primeiríssima edição do álbum, que incluia um encarte denonimado “discobjeto” que podia ser montado pelo fã no formado de um triângulo.
Transa é uma verdadeira viagem musical em torno de uma sonoridade centrada nos violões de Caetano e de Jards Macalé (que também toca guitarra e se incumbiu da produção) e na percussão de Tutty Moreno e Áureo de Souza. Minimalista, sem teclados, arranjos de cordas ou outros aparatos. Um minimalismo rico e sofisticado.
Gravado na parte final do exílio de Caê em Londres, no estúdio Chappells, o álbum inclui sete faixas, sendo uma delas a bela releitura de um clássico da MPB, Mora Na Filosofia, de Arnaldo Passos e Monsueto Menezes.
As canções mais conhecidas são You Don’t Know Me e Nine Out Of Ten, sendo esta última presença constante no repertório de shows de Caetano desde então.
O diálogo entre violões e percussão é simplesmente envolvente, sendo que em alguns momentos as improvisações levam a durações incomuns para as canções, especialmente Triste Bahia (com quase 10 minutos) e It’s a Long Way (com pouco mais de seis minutos). E a voz de Caetano cativa, entre versos profundos e espertos.
Na época, a palavra transa era usada com inúmeros significados distintos, e serve como luva para definir as inúmeras intenções contidas em seus versos, melodias e batidas que incluem até um leve flerte com o reggae, que iniciava seu caminho rumo ao sucesso mundial nas ruas de Londres naquele exato momento.
Transa merece ser reavaliado pelas novas gerações que descobriram Caetano Veloso a partir do estouro de Sozinho em 1999, ou mesmo para quem acha que ele é apenas aquele tiozinho magricela de cabelos brancos que gravou e fez shows junto com Maria Gadú.
Arthur Verocai tem um daqueles currículos invejáveis. O cantor, compositor, músico, maestro e arranjador carioca já trabalhou com nomes do naipe de Ivan Lins, Jorge Ben Jor, Erasmo Carlos, Gal Costa, Célia, MPB-4, Marcos Valle, Marlene e inúmeros outros.
Nascido no Rio em 17 de junho de 1945, Verocai iniciou sua trajetória musical em meados dos anos 1960, e teve a honra de ver uma de suas composições, Um Novo Rumo, defendida em um festival universitário por ninguém menos do que Elis Regina no ano de 1968.
Em 1972, ele lançou seu primeiro álbum solo, autointitulado. Na época, o disco, que oferecia uma belíssima e original fusão de MPB, soul, jazz e muito mais, obteve pouquíssima repercussão, o que levou Verocai a aos poucos deixar o cenário da música popular, dedicando-se aos jingles publicitários.
No início dos anos 90, no entanto, o público internacional, especialmente o europeu e o japonês, descobriu essa verdadeira relíquia, que não só virou um dos discos mais valiosos da MPB como também foi sampleado por artistas como o astro do rhythm and blues americano Ludacris em seu hit Do The Right Thang, de 2006.
A repercussão de Arthur Verocai, o álbum, também lhe valeu o convite para um concerto realizado nos EUA em 2009 no qual apresentou as faixas do disco e outras, em esquema luxuoso com direito a 30 músicos e gravação em DVD.
Graças à iniciativa do ex-titã Charles Gavin, enfim esse trabalho mitológico volta ao mercado fonográfico, nos formatos CD e vinil e disponível apenas nas lojas da Livraria Cultura, que bancou o projeto com exclusividade.
Nesta entrevista feita por e-mail por Mondo Pop, Verocai nos fala um pouco sobre sua carreira, projetos etc.
Mondo Pop – Como foi que a música entrou na sua vida? Sua família tem tradição musical? E quais artistas você ouvia em sua infância/adolescência? Qual a origem do seu sobrenome? Arthur Verocai – Meu bisavô, Aniceto Verocai, imigrou da Itália(mais precisamente de Cortina d’Ampezo) para o Brasil em 1881. Minha casa sempre tinha música e instrumentos como violão, gaita cavaco e flautas caseiras. Ouvia muitos discos de vários estilos e também a Rádio Nacional, sendo que depois veio a TV.
Mondo Pop- Você teve a música Um Novo Rumo defendida por Elis Regina em um festival no Rio em 1968. Como foi esse contato com ela, e como você avalia a importância da Pimentinha, que nos deixou há 30 anos? Arthur Verocai – Elis foi “apenas” a maior intérprete da música brasileira de todos os tempos. Foi uma honra e muita felicidade ter uma canção interpretada por ela. O festival foi realizado pela TV Tupi, que na época tinha Elis como sua contratada. Deram as quatro músicas mais votadas na fase de seleção para ela escolher e tive a sorte de ela ter optado por Um Novo Rumo.
Mondo Pop – Você participou de forma decisiva dos primeiros discos de Ivan Lins, tendo feito arranjos, tocado e até composto em parceria com ele. Como e quando você conheceu o Ivan, e qual a importância dessa parceria para a sua carreira? Arthur Verocai – Naquele tempo havia um encontro da galera musical, gerando um intercâmbio muito bom. Já estava fazendo arranjos na gravadora Philips do Brasil (n.da r.:hoje, Universal Music) quando eu e o produtor e meu parceiro musical Paulinho Tapajós chamamos o Ivan para fazer seu primeiro disco, o Agora (1970).
Mondo Pop – Quando surgiu o convite para a gravação do seu primeiro disco solo, você já era uma espécie de jovem veterano aos 27 anos, pois já havia trabalhado com muita gente do primeiríssimo escalão da MPB. Já havia ocorrido algum convite anterior para gravar um trabalho seu ou esse foi o primeiro? Arthur Verocai: A gravadora Continental (n.da.r: hoje seu acervo faz parte da gravadora Warner Music) foi quem fez o primeiro convite.
Mondo Pop – Oito das dez músicas de Arthur Verocai (o disco) foram escritas por você em parceria com Vitor Martins. A Célia já havia gravado músicas de vocês. Como e quando vocês se conheceram, quantas músicas vocês escreveram juntos e qual a importância dessa parceria para a sua carreira? É verdade que você apresentou o Vitor ao Ivan Lins? Arthur Verocai – A Minha parceria com o Vitor Martins é anterior à dele com o Ivan. Quando fomos gravar o disco Modo Livre (1974), que marcou a estreia do Ivan na RCA (n.da r.: cujo acervo hoje pertence à Sony Music), o Vitor era diretor artístico daquela gravadora e dei a maior força para a nova parceria, que começou justamente naquele disco com a música Abre Alas.
Mondo Pop – O LP Arthur Verocai contou com a participação de inúmeros músicos do primeiro escalão. Deve ter sido um disco caro em termos de produção. A gravadora topou essa estrutura para gravar o álbum logo de cara? E como foi a seleção desses músicos? Pergunto isso pelo fato de você ter dado espaços generosos para os músicos que participaram do seu trabalho, sem apontar todos os holofotes para si próprio. Arthur Verocai – Quando recebi o convite da Continental, minha única exigência foi a de ter liberdade total para gravar o meu disco do jeito que eu quisesse. Eles toparam logo de cara, e aí escolhi os músicos que poderiam se encaixar naquele trabalho.
Mondo Pop – Quando o disco saiu, como foi o esforço da então Continental para divulgar o trabalho? Você fez shows para divulga-lo, deu entrevistas, saiu alguma crítica em jornais e revistas? Arthur Verocai – A gravadora não fez nenhum esforço e não fiz nenhum show para divulgá-lo. Houve uma crítica publicada no JB (Jornal do Brasil) assinada pelo Júlio Hungria.
Mondo Pop – Como você ficou visto no meio musical após o lançamento deste álbum? Diminuiram os convites para participar de outros trabalhos como músico, arranjador etc? Rolou algum tipo de preconceito por não ter sido um disco campeão de vendagens? Arthur Verocai – Fiquei um pouco de mãos atadas para escrever novas canções e arranjos, uma vez que o que gostava de fazer não se enquadrava no mercado fonográfico da época.
Mondo Pop – Gostaria que você falasse um pouco de como foi o seu trabalho no mercado de jingles publicitários e de como foi que você entrou nessa área. Como avalia essa experiência, quais foram os mais conhecidos, se esse trabalho te proporcionou sobreviver dignamente. Arthur Verocai – Cofrinho da Delfim (divulgando a caderneta de poupança da hoje instinta instituição bancária Delfim), Fanta Laranja, dois jingles para a Petrobrás das copas do mundo de futebol de 1990 e 1994 etc. Criei meus filhos com a música que fiz para a publicidade muito bem, obrigado.
Mondo Pop – Quando e como você descobriu pela primeira vez que o seu primeiro disco solo estava sendo alvo de um culto no exterior? Isso te surpreendeu? Arthur Verocai – Foi na década de 1990, e fiquei surpreso.
Mondo Pop – Quando foi lançado, o álbum Clube da Esquina também foi inicialmente rejeitado por público e crítica. Alguns anos depois, o próprio Milton Nascimento afirmou que esse disco tinha ido “de porcaria a antológico” (palavras dele) na opinião da crítica, sem negar o seu ressentimento em relação a essa reação negativa inicial. Como você encarou a pouca repercussão de seu primeiro disco? Imaginava que um dia esse quadro se alteraria, como de fato se alterou? Arthur Verocai – Não poderia imaginar.
Mondo Pop – Antes de ser relançado no Brasil, seu disco de estreia foi lançado no exterior, e trechos de suas músicas foram sampleados por artistas como Ludacris. Você recebe royalties por isso? Arthur Verocai – ——- (n.da.r: uma forma delicada de dizer que certamente ele não recebeu nada…)
Mondo Pop – Onde foi feita a foto da belíssima capa de seu disco de estreia, em 1972? Arthur Verocai – Esta casa ficava pertinho da minha casa aqui no Humaitá, no Rio. Era uma gráfica do tempo do Império, e estava abandonada naquela época. Foi o fotógrafo Fernando Bergamaschi quem me levou até lá e fez a foto.
Mondo Pop -Fale sobre os seus próximos projetos-shows, discos, DVDs etc Arthur Verocai – Pretendo realizar um concerto para violão e orquestra já escrito por mim, além de gravar um novo album DVD.
Nunca havia ouvido falar em Arthur Verocai até ver o seu álbum de estreia enfocado em uma edição do excelente programa O Som do Vinil, de Charles Gavin, em 2010. Confesso que fiquei fascinado pela história daquele disco.
Em 1972, o cantor, compositor e músico Arthur Verocai já era um jovem veterano. Aos 27 anos na época, tinha feito arranjos e tocado com artistas do naipe de Ivan Lins, Elis Regina, Jorge Ben, Gal Costa e muito mais gente.
Naquele ano, ele recebeu o convite para gravar seu primeiro trabalho como solista pela gravadora Continental, e recebeu toda a liberdade para fazer o que quisesse. Resultado: um álbum elaborado, criativo, muito bem gravado, que acabou fracassando miseravelmente em termos comerciais.
Arthur Verocai, o álbum, saiu no mesmo ano de outro disco que inicialmente também se deu mal nas paradas de sucesso, o sublime Clube da Esquina, de Milton Nascimento e Lô Borges. O fato é que Verocai tem em Milton uma de suas principais influências, além de Frank Zappa, bossa nova, música erudita, soul music, jazz e muito mais.
Se fracassou no Brasil, o trabalho de estreia do compositor acabou sendo alvo de um culto no exterior a partir do fim dos anos 80/início dos 90 em países como Japão e Estados Unidos. Algumas de suas músicas foram sampleadas por rappers como Ludacris, entre (muitos) outros.
Tanto que o álbum acabou sendo relançado muito antes nesses países. Só agora volta às lojas brasileiras, pela primeira vez no formato CD, graças ao Selo Cultura, da Livraria Cultura, e do mesmo Charles Gavin.
Arthur Verocai, o CD, é daquele tipo de disco que vai te hipnotizando aos poucos.Tanto que só agora, aproximadamente dois meses após comprar o meu exemplar, é que me atrevo a escrever sobre ele. É muita beleza, emoção e criatividade em uma única obra. Obra-prima!
Trata-se de um trabalho com 10 músicas não menos do que brilhantes, que reúnem um time excepcional de músicos comandados por Verocai, numa espécie de “disco de produtor” no espírito daqueles feitos por Quincy Jones.
Folk na linha Clube da Esquina em Caboclo e Dedicada a Ela, samba funk em Pelas Sombras e Presente Grego, balada soul em Na Boca do Sol, free jazz rock em Karina (Domingo no Grajaú), bossa nova renovada em O Mapa e Seriado (esta com vocal principal de Célia) cada faixa equivale a uma viagem musical completa e repleta de nuances instrumentais e vocais. Os arranjos de metais e cordas são simplesmente sublimes, de arrepiar mesmo.
Cada nova audição deste álbum corresponde à descoberta de novos detalhes sonoros, de novas emoções, de novos versos. Embora com forte ênfase instrumental, os vocais do disco são muito bacanas, sendo que oito das dez letras levam a assinatura de um de meus ídolos máximos, o genial Vitor Martins, dois anos antes de ele iniciar sua parceria com Ivan Lins.
O CD de estreia de Arthur Verocai equivale a um desses mergulhos de cabeça nas inúmeras possibilidades oferecidas pela música. Consegue a rara façanha de ser extremamente sofisticado e ao mesmo tempo acessível para aqueles dotados de sensibilidade e bom gosto. Um disco que não merecia ter sido esquecido, e que, felizmente, graças a essas voltas malucas que a vida dá, está aqui de novo para ser descoberto por felizardos como eu….e você!
Programa O Som do Vinil sobre o álbum Arthur Verocai:
Os fãs do grupo Abba podem esfregar as mãos. Uma faixa inédita da banda sueca será a atração do relançamento do álbum The Visitors, previsto para chegar ao mercado no dia 23 de abril.
A canção intitula-se From a Twinkling Star To a Passing Angel, e equivale ao principal atrativo do relançamento no formato Deluxe Edition de The Visitors, que também incluirá mais faixas-bônus e um DVD.
Lançado originalmente em 30 de novembro de 1981, este foi o último álbum de estúdio lançado pelo lendário grupo sueco antes de sua separação, que ocorreria um ano depois.
O trabalho tem como marca um flerte do quarteto com as sonoridades eletrônicas que predominavam no pop da época, e inclui como destaques as faixas The Visitors (Crakin’ Up), When All Is Said And Done e One Of Us.
Apesar das inovações e de seu bom conteúdo artístico, The Visitors teve repercussão abaixo da dos trabalhos anteriores de Agnetha, Benny, Bjorn e Frida, atingindo apenas a posição de número 29 nos EUA, por exemplo.
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