Mondo Pop

O pop de ontem, hoje, e amanhã...

Category: Discos indiscutíveis (page 2 of 11)

Live Music-Europe 2010- Joe Jackson Trio (2011- Razor & Tie)

Por Fabian Chacur

Joe Jackson é um dos grandes nomes surgidos no que se convencionou chamar de New Wave, no fim dos anos 70. Há quem o conheça apenas pelo hit Steppin’ Out, de 1982, ou quem sabe por Is She Really Going Out With Him, de 1979, o que é uma pena, pois esse cantor, compositor e tecladista britânico tem uma obra caudalosa e repleta de grandes momentos, como esse Live Music Europe 2010.

Com formação erudita e jazzística, Joe Jackson é no entanto um roqueiro por excelência. Na verdade, um fã de música que não tem pudores em misturar todas as suas influências e gerar uma sonoridade com apelo pop, mas repleta de sutilezas e com direito a canções simplesmente arrebatadoras. De quebra, ele também é um ótimo cantor, o que dá a seu trabalho uma consistência musical incrível.

Se é excelente nos estúdios de gravação, ao vivo ele simplesmente arrasa, improvisando com rigor jazzístico mas nunca deixando o virtuosismo atrapalhar a fluência das músicas que interpreta. Todos os seus discos ao vivo são muito legais, e este aqui, gravado durante vários shows em sua turnê europeia de 2010 não foge à regra, sendo mesmo um de seus melhores nesse formato, flagrando-o bem à vontade e solto.

Ao seu lado, compondo o Joe Jackson Trio, dois músicos que o acompanhavam no início de sua carreira: o baixista e vocalista de apoio Graham Maby, espécie de braço direito que está com ele em boa parte de sua trajetória solo, e o baterista e vocalista de apoio Dave Houghton, que o reencontrou há dez anos e vem se mantendo por perto nessa última década. Um trio simplesmente estupendo e entrosado até a medula.

Valendo-se apenas de alguns loops e recursos eletrônicos pré-gravados aqui e ali, o trio se mostra afiadíssimo. O repertório investe em canções de várias fases da carreira de Jackson, desde Got The Time e Sunday Papers, dos tempos da new wave, passando por Cancer, Chinatown, Slow Song e Another World, de sua obra-prima Night & Day (1982) e chegando à recente Still Alive, de 2004.

Os arranjos seguem os originais, mas abrem caminhos para novos elementos musicais e solos inspiradíssimos de Joe Jackson nos teclados. A trinca de covers que ele faz na sequência, no meio do show, é matadora: Girl, dos Beatles (no melhor esquema voz e piano), Inbetweenies (do saudoso Ian Dury) e Scary Monsters (de David Bowie), esta última nervosa e rocker.

Ao fim das 12 faixas que compõem o repertório de Live Music Europe 2010, será inevitável você ouvir de novo e de novo, pois além do repertório ser ótimo, a sequência de músicas e a performance da banda arrebatam o ouvinte. Duvido que alguém de bom gosto ouça esse álbum (que infelizmente não saiu no Brasil) e não se sinta tentado a descobrir mais músicas desse verdadeiro gênio pop. Faça isso, você não irá se arrepender…

Scary Monsters, com o Joe Jackson Trio:

Girl, com Joe Jackson:

Kaya, de Bob Marley, ganha bela reedição

Por Fabian Chacur

Depois de ser vítima de um atentado na Jamaica que quase custou sua vida e a de sua mulher, Rita, Bob Marley se mudou em 1977 para Londres, na Inglaterra. Lá, gravou uma série de canções que foram distribuídas em dois álbuns. Um, Exodus, saiu naquele mesmo ano e é considerado um de seus trabalhos mais bem-sucedidos.

O outro, Kaya, chegou às lojas em 1978, e não teve tanta repercussão, embora inclua um hit de proporções monstruosas, Is This Love. Como forma de celebrar os 35 anos de lançamento deste disco, a Universal Music acaba de lançar no Brasil uma reedição luxuosa que nos dá a oportunidade de reavaliar este belo trabalho do eterno rei do reggae.

Kaya é um álbum menos centrado na parte política da obra de Marley, concentrando-se mais em canções de amor e espiritualidade. Sua sonoridade é mais doce, pop e delicada do que a de Exodus, equivalendo a uma espécie de irmão mais tranquilo daquele álbum marcante. Mas ambos são ótimos, cada qual com suas peculiaridades.

Além do megahit, o disco inclui maravilhas como a cativante Easy Skanking, a envolvente Time Will Tell e as deliciosas Sun Is Shining e Satisfy My Soul. As sutilezas de seus arranjos aparecem com mais intensidade a cada nova audição, permitindo diferenciar melhor uma canção da outra e sentir suas riquezas melódicas e líricas.

A nova edição de Kaya inclui capa digipack tripla, um belíssimo encarte com 28 páginas repletas de fotos, texto impecável sobre o álbum, letras de todas as canções e ficha técnica completa das gravações, que foram feitas nos estúdios da Island Records, em Londres.

Se isso tudo não bastasse, temos ainda um segundo CD, que inclui gravação feita ao vivo em 7 de julho de 1978 de um show realizado por Bob Marley e sua banda The Wailers na cidade holandesa de Rotterdam. Em performance inspirada, ele interpreta duas canções de Kaya, três de Exodus e clássicos de seu repertório como No Woman No Cry, Get Up Stand Up e I Shot The Sheriff. São 13 músicas, em versões soltas e estendidas em relação às gravações de estúdio.

Essa impecável reedição de Kaya é mais uma prova de que nenhum dos discos de carreira lançados por Bob Marley na Island Records pode ser subestimado. Todos são bons, cada qual do seu jeito, e merecem ser apreciados por quem gosta não só de reggae, mas de música de qualidade em geral. Bob Marley (1945-1981) nos deixou um legado musical espetacular que será cultuado para sempre.

Ouça Is This Love, com Bob Marley & The Wailers:

Sunken Condos: som maneiro de Donald Fagen

Por Fabian Chacur

O mundo não anda dando moleza a nós, pobres seres humanos honestos que não aguentam mais essa profusão de picaretagem que domina todas as instâncias da vida atual. Sem recarregar as energias, torna-se quase impossível seguir em frente. E a música é uma boa forma de conseguir isso. Quer uma dica de um CD que pode te ajudar e muito nessa reposição de forças?

Fácil. O álbum em questão atende pelo título Sunken Condos, e chegou ao mercado musical nos formatos físicos e digitais em outubro de 2012. O autor do mesmo é um sujeito de altíssimo bom gosto chamado Donald Fagen, que muita gente conhece como mentor da seminal banda Steely Dan ao lado do também brilhante Walter Becker. Eita disquinho bom de se ouvir!

Nascido em 10 de janeiro de 1948 (tem 65 anos de idade), o norte-americano Donald Fagen é cantor, compositor e músico, especialista em teclados que vão desde o piano acústico até os mais diversos tipos de instrumentos dessa área. Com o Steely Dan, ajudou a criar uma sonoridade influente que mistura jazz, black music, rock e pop com uma sofisticação passível de ser assimilada pelos fãs de música popular.

Em 1983, quando o Steely Dan saiu de cena rumo a um hiato que duraria uma década, Fagen lançou seu primeiro álbum individual, o excepcional The Nightfly, com direito a hits como I.G.Y. (What a Beautiful World) e New Frontier. O requinte e a obcessão pela busca da perfeição levou ele a gravar o álbum de forma totalmente digital, um dos primeiros discos feitos com essa orientação técnica.

Sem nenhuma pressa, ele só foi lançar um novo trabalho solo em 1993, o inspirado Kamakiriad, produzido por Walter Becker. Com o retorno pouco depois do Steely Dan, Mr. Fagen só nos ofereceu seu terceiro trabalho individual em 2006, o (adivinhe?) excelente Morph The Cat. E agora, apenas seis anos depois (rapidinho para o seu padrão), chega esse envolvente novo petardo.

Sunken Condos é mais do mesmo, sim, mas um mais do mesmo repleto de tesão, energia, bom gosto e requinte. Um trabalho tão sofisticado que cada nova audição revela elementos novos, inseridos de forma inteligente em cada segundo, cada acorde, cada sequência rítmica, cada riff. É muito difícil não deixar o perfeccionismo exagerado levar consigo a paixão que a música precisa ter, mas Donald Fagen sempre se dá bem nesse desafio.

São nove faixas, sendo oito de autoria do criador do Steely Dan e uma, Out of The Ghetto, assinada pelo saudoso e genial Isaac Hayes e lançada pelo autor em 1978. Com bela melodia, ritmo delicioso e letra irônica (“você pode sair do gueto, mas o gueto sempre estará dentro de você”), parece ter sido escrita pelo próprio Fagen, especialista em versos irônicos e inteligentes.

Em Slinky Thing, por exemplo, ele filosofa sobre a relação de um homem com uma mulher bem mais nova, chegando ao ponto de admitir se não seria melhor para ela largá-lo para ficar com alguém de sua idade. Mas não deixa esse pensamento estragar o prazer daquela relação.

Na sacudida I’m Not The Same Without You, ele surpreende quem se leva pelo titulo (eu não sou o mesmo sem você, em tradução livre) e imagina mais um muro de lamentações pop. Pelo contrário. Fagen coloca seu personagem como alguém que está feliz por, sem o antigo amor, conseguir descobrir um monte de coisas boas e novos rumos para buscar sua felicidade. Ou seja, “estou melhor sem você”.

Miss Marlene, uma verdadeira aula de música pop balançada, tem ecos de I.G.Y (What a Beautiful World) e poderia virar hit se vivêssemos em um mundo mais preocupado com música pop de qualidade. Mas dane-se. Aqui em casa, já virou hit.

E o resto do álbum é uma delícia, prova de que dá para ser ao mesmo tempo sofisticado e acessível. Vá por mim. Ouça Sunken Condos e deixe que suas nove faixas injetem em você os fluidos necessários para aguentar mais encrencas na sua vida cotidiana. Valeu, Mr. Fagen!
*obs.: e que capa linda! Uau! Com direito a embalagem digipack e encarte supimpa!

Ouça Sunken Condos, de Donald Fagen, na íntegra:

The Next Day é David Bowie inspiradíssimo

Por Fabian Chacur

Demorei bastante para resenhar The Next Day, primeiro trabalho de inéditas de David Bowie após 10 longos anos nos quais se imaginava termos perdido de vez o Thin White Duke. O álbum está há mais de um mês nas lojas brasileiras, em bela edição de luxo com direito a 17 faixas, três a mais do que a versão comum.

E qual a razão de tanta demora? É que eu fiz questão de ouvir muito e muito o álbum antes de escrever sobre ele. E quer saber? Valeu a pena. Dessa forma, posso cravar, sem medo de errar, que The Next Day é não só um dos melhores trabalhos do genial cantor, compositor e músico britânico, como tem tudo para ser eleito o melhor lançamento de 2013. E quem diz isso é alguém que tem todos os álbuns do cara, os ouviu muito e não baba ovo para todos. Opinião de fã, sim, mas fã consciente dos altos e baixos de seu ídolo.

No Reino Unido, o álbum entrou direto no primeiro lugar. No disputado mercado americano, vendeu 85 mil cópias na semana de lançamento no fim de março e atingiu o segundo lugar, melhor posto já obtido por um álbum de David Bowie no mercado americano. Station To Station (1976- nº3) e Let’s Dance (1983- nº4) haviam sido os melhores resultados anteriores do roqueiro britânico. Os fãs estavam ávidos por novas músicas do autor de Heroes.

A boa expectativa criada pelos dois singles lançados previamente, a melancólica e tocante balada Where Are We Now? e o rockão The Stars (Are Out Tonight) se confirmou por completo. The Next Day é, acima de tudo, um álbum recheado de grandes canções.

O clima musical traz boas referências de sua produção do fim dos anos 70, especialmente do álbum Scary Monsters (1980), com uma poderosa fusão de climas misteriosos, guitarras nervosas, boas melodias e uma diversidade musical que foge da mesmice com grandes resultados. E a voz do astro continua incisiva e com aquele timbre inconfundível.

Os fãs da faceta mais pop de Bowie irão vibrar com as deliciosas Valentine’s Day e Dancing Out In Space, por exemplo. Os mais roqueiros se deliciarão com as vibrantes The Next Day, (You Will) Set The World On Fire e I’d Rather Be High, enquanto quem curte o lado soul do mestre irão se arrepiar com a belíssima You Feel So Lonely You Could Die.

A competência dos músicos participantes (entre os quais a baixista Gail Ann Dorsey, os guitarristas Earl Slick e Gerry Leonard e o baixista Tony Levin) e a produção do velho parceiro Tony Visconti dão ao álbum uma sonoridade ao mesmo tempo vintage e atualizada. Não, Bowie não está se repetindo, e sim aproveitando de forma inteligente elementos já usados por ele antes para criar novas canções relevantes.

A capa, que reaproveita de forma surpreendente a arte do clássico LP Heroes, aparece em belíssima embalagem digipack. Minha única restrição fica em relação ao encarte, com os créditos e letras em letras pequenas e diagramação que dificulta e muito a leitura. Afora isso, The Next Day é um clássico instantâneo que cresce a cada nova audição.

Ouça The Next Day, de David Bowie, na íntegra:

Love Me Do – The Beatles (Parlophone- 1963)

Por Fabian Chacur

Please Please Me, primeiro álbum dos Beatles, chega aos 50 anos de seu lançamento soando ainda urgente, juvenil e bom de se ouvir. Muito bom, por sinal. Era o pontapé inicial de uma discografia no formato LP que se tornaria a melhor e mais significativa da história do rock e da música popular em geral.

O álbum inclui 14 faixas, sendo que quatro delas – Love Me Do, P.S. I Love You, Please Please Me e Ask Me Why, todas de autoria de John Lennon e Paul McCartney, haviam sido lançadas nos meses anteriores. Outras quatro da dupla e seis covers escolhidos a dedo complementam o set list.

Pode ser dito, sem medo de errar, que Please Please Me é um dos primeiros álbuns de rock da história a não ser apenas uma reunião de singles lançados anteriormente e faixas gravadas às pressas para tapar buracos. Usando uma frase em inglês que sintetiza bem essa minha opinião, “all killer no filler” (“só faixas matadoras”, sem nada para encher buraco, em tradução livre). E com 10 músicas gravadas em menos de um dia!

Ao contrário de outros grupos que surgiram no mundo do rock se opondo ao que havia sido feito anteriormente, o som dos Beatles sempre conseguiu o raro equilíbrio de reverenciar com carinho coisas boas feitas pelas gerações anteriores e apresentar seu som próprio e recheado de novidades e marcas de estilo até hoje copiadas no cenário pop.

O rock and roll cinquentista é homenageado em releituras matadoras de Twist And Shout (que embora seja dos anos 60 tem toda cara dos anos 50) e Boys. O romantismo mais tradicional aparece em A Taste Of Honey, enquanto o rhythm and blues surge em Anna (Go To Him). Pop até a medula, Chains é da dupla Carole King-Jerry Goffin, dois gênios do setor.

I Saw Her Standing There (de Lennon e McCartney)abre o álbum com uma levada totalmente original, uma nova interpretação do rock and roll original com direito a uma das linhas de baixo mais matadoras de todos os tempos, prova de que Paul McCartney já esbanjava criatividade como músico logo no início da carreira.

Please Please Me, faixa que dá nome ao álbum, é para mim um dos primeiros exemplos do que depois seria rotulado como “power pop”, ou seja, aquele tipo de rock com refrão contundente, riffs de guitarra ágeis e formato condensado, raramente ultrapassando três minutos de duração. Aqui, são só dois, e arredondando!

Outro momento pop rock autoral bem bacana é Misery, esbanjando ingenuidade, frescor quase adolescente e um refrão encantador, marca de grandes momentos dos Beatles. Outra que se vale de menos de dois minutos para dar seu recado.

Love Me Do, o célebre primeiro single, traz na gaita de John Lennon sua marca registrada, que também está em outra canção da griffe Lennon/McCartney incluída neste álbum, There’s a Place. E outro momento balada, Baby It’s You, traz outro autor seminal na história da música pop, o genial maestro Burt Bacharach, outro estilista nessa praia.

P.S. I Love You, lançada originalmente como lado B do single Love Me Do, investe em simplicidade, delicadeza, enquanto o lado B do compacto Please Please Me, Ask Me Why, tem um leve tempero latino no meio, esbanjando despretensão e romantismo em seus acordes.

Do You Want To Know a Secret, embora seja de autoria de Lennon e McCartney, foi interpretada (e muito bem) por George Harrison. A desenvoltura da banda em termos vocais já nesse primeiro álbum é impressionante, pois além de Paul e John, que dominam a cena, George e Ringo (esplêndido em Boys) também eram craques na frente dos microfones. Quatro ótimos cantores em uma mesma banda!

Em termos instrumentais, os Beatles já se mostravam afiadíssimos nessa estreia, e melhorariam a cada novo lançamento. Please Please Me dava mostras de uma banda coesa, criativa e repleta de energia com um futuro aparentemente promissor, o que se concretizaria de forma impressionante nos anos que se seguiram.

Ouça o álbum Please Please Me, dos Beatles, na íntegra:

CD de 1969 de Gilberto Gil volta remasterizado

Por Fabian Chacur

A Universal Music acaba de selecionar mais um título importante da nobre discografia de Gilberto Gil e dar nele um banho de loja em termos visuais e tecnológicos. Desta vez, trata-se de Gilberto Gil, lançado originalmente em 1969 e gravado em um período particularmente terrível na vida do cantor, compositor e músico baiano.

As gravações foram realizadas nos meses de abril e maio daquele ano, período no qual Gil estava confinado na Bahia, após ter sido preso ao lado do Mano Caetano em dezembro de 1968 e ficado no Rio longe de seus familiares, amigos e dos inúmeros fãs Brasil afora. A Ditadura Militar os encarcerou de forma arbitrária. Felizmente eles saíram vivos para contar a história.

Sem poder sair de Salvador depois de ser solto e antes do exílio posterior em Londres, Gil gravou voz e violão por lá, nos estúdios J.S., com o acompanhamento instrumental sendo registrado nos estúdios Scatena, em São Paulo, e Phillips, no Rio. Os arranjos e orquestrações ficaram a cargo do genial maestro Rogério Duprat. Felizmente, essa separação geográfica não transmitiu frieza aos registros. Pelo contrário.

O time que participou do CD é conciso e excepcional. No baixo elétrico, o ótimo Sérgio Barroso. Na guitarra, Lanny Gordin, que deu um tempero hendrixiano ao álbum. O também maestro Chiquinho de Moraes arrasou nos teclados, enquanto o lendário Wilson das Neves, hoje conhecido como o “baterista do Chico Buarque”, deu um banho de swing com as baquetas.

No geral, o álbum traz letras que falam muito de futuro, de ficção científica e da relação homem-máquina, com direito a uma sonoridade pontuada pelo rock and roll a la Jimi Hendrix, mas também com muito forró, samba, jazz, experimentalismo e o que pintasse.

O momento máximo é a contagiante Aquele Abraço, samba exaltação no qual Gil bota pra fora, com muita garra e um pouco de raiva, a energia negativa acumulada durante a prisão, com direito aos versos “o meu caminho eu mesmo traço”. Um dos melhores sambas de todos os tempos, possivelmente o maior sucesso da brilhante trajetória de Gil Black Gil.

Mas o CD tem muito mais, como a empolgante Cérebro Eletrônico, a deliciosa Volks-Volksvagen Blue, a releitura roqueira do baião 17 Légua e Meia (de Humberto Teixeira e Carlos Barroso), a gostosa 2011 (de Tom Zé e Rita Lee), a misteriosa Futurível, a irônica A Voz do Vivo (de Caetano) e a filosófica Vitrines.

Gil reservou para o final Objeto Semi-identificado, feita em parceria com Rogério Duarte e Rogério Duprat e, guardadas as devidas proporções, sua faixa equivalente a Revolution Nº9, dos Beatles, com direito a jeitão de música concreta, trechos musicais de várias origens e a leitura de textos filosóficos e intrincados.

O encarte traz as letras, ficha técnica e reprodução do material incluído na edição original em vinil. A capa não inclui foto do artista, cuja cabeleira afro havia sido raspada pelos militares que o aprisionaram. O desenho e os textos que estão nessa capa tornam a aura do álbum ainda mais enigmática e experimental.

O conteúdo musical criativo e original, no entanto, não perde nada em fluência e capacidade de ser compreendido pelo ouvinte médio. Gilberto Gil (1969) é seguramente um dos melhores discos do autor de Expresso 2222, e soa tão instigante nesse sofrido 2013 como soava naquele também sofrido (por outras razões, obviamente) 1969.

Aquele Abraço, Gilberto Gil:

Cérebro Eletrônico, Gilberto Gil:

17 Légua e Meia, Giberto Gil:

Slowhand, de Eric Clapton, volta no capricho

Por Fabian Chacur

Como vender discos inéditos está se tornando uma tarefa cada vez mais difícil (embora não impossível, felizmente), a indústria fonográfica está há algum tempo apostando em reedições matadoras no formato físico de álbuns clássicos, aqueles que os fãs de bom gosto precisam ter em suas coleções.

Acaba de chegar às lojas brasileiras uma reedição que eu recomendo com entusiasmo. Trata-se da versão comemorativa de 35 anos de lançamento de Slowhand, um dos melhores e mais vendidos álbuns da carreira do genial cantor, compositor e guitarrista britânico Eric Clapton.

O álbum é oferecido em formato digipack que reproduz a embalagem capa dupla do original em vinil, acrescentando novas fotos, um fantástico encarte repleto de informações e fotos, quatro faixas-bônus e um CD adicional com gravações ao vivo.

Gravado em Londres em maio de 1977, Slowhand traz três dos maiores sucessos da carreira do ex-integrante do Cream: o rockão Cocaine (escrita por J.J.Cale), a doce balada Wonderful Tonight e o country swingado Lay Down Sally. Mas o álbum traz outros atrativos bem fortes.

O rockão The Core, por exemplo, que Clapton canta em dueto com a coautora da faixa, a excelente Marcy Levy (letrista de Lay Down Sally, por sinal). A deliciosa e delicada canção country Next Time You See Her, a releitura turbinada do blues Mean Old Frisco (de Arthur Big Boy Crudup, que também escreveu That’s Alright Mama, hit com Elvis Presley) e a ótima May You Never (de John Martyn) também cativam o ouvinte.

Influenciado pelo grupos The Band e Delaney, Bonnie & Friends (com quem gravou, por sinal) e pelo amigo George Harrison, Clapton mergulhou de cabeça no mundo das canções, usando sua incrível habilidade como guitarrista a favor delas, deixando preciosismos e egotrips bem longe. Isso, além de cantar de forma impecável e versátil. E pensar que ele se achava um mau cantor… Vai se autoavaliar de forma errada ali adiante!

A seu lado, uma excelente banda de apoio usada nos shows, que ele sabiamente resolveu levar para o estúdio também. Com a produção a cargo do experiente Glynn Johns (que trabalhou com The Who, Eagles e inúmeros outros), ele conseguiu gravar Slowhand em apenas seis semanas, contando o período de mixagem.

As quatro faixas bônus adicionadas às nove do trabalho original são excelentes, com destaque para Looking At The Rain (escrita por Gordon Lightfoot), e poderiam perfeitamente ter entrado no disco, na época. Um ótimo resgate.

O CD bônus inclui nove clássicos do repertório de Eric Clapton solo, do Cream e do Blind Faith, gravados ao vivo em show no Hammersmith Odeon de Londres no dia 27 de abril de 1977, ou seja, em torno de uma semana antes das gravações do álbum. O entrosamento dos músicos é impressionante, assim como a energia das performances.

Bem bacana ouvir Steady Rolling Man, do mestre do blues Robert Johnson, e descobrir ali o riff utilizado pouco depois nas gravações de Lay Down Sally, em um contexto completamente diferente. Ou Can’t Find My Way Home (de Steve Winwood e gravada pelo Blind Faith, supergrupo do qual Clapton fez parte), com belíssima interpretação vocal a cargo de Yvonne Elliman (que fez sucesso ao gravar If I Can’t Have You para a trilha do filme Os Embalos de Sábado à Noite, curiosamente lançada naquele mesmo 1977).

As longas versões de Tell The Truth, Stormy Monday e I Shot The Sheriff dão bons espaços para as improvisações dos músicos, que os aproveitam com sabedoria. Mais compactas, Further On Up The Road, Badge e Knocking On Heaven’s Door também são ótimas.

Se Slowhand já era um álbum indispensável para os fãs do melhor rock melódico, imaginem agora, nessa reedição primorosa. Vale cada centavo que você investir nela.

Ouça The Core:

Ouça Lay Down Sally:

Ouça Next Time You See Her:

Tio Caetano vira sobrinho ágil em Abraçaço

Por Fabian Chacur

Aos 70 anos de idade, Caetano Veloso parece qualquer coisa, menos um septuagenário como imaginávamos antigamente alguém com essa idade. O sujeito está mais inquieto e criativo do que nunca. Abraçaço, seu novo CD, está mais para trabalho de sobrinho do que de tio. Ótimo, um dos melhores de 2012.

Desde o início de sua carreira, nos já distantes anos 60 do século passado, Caetano nunca se limitou a uma única sonoridade/abordagem/estilo em seus trabalhos. Abrangente no limite do impensável, ele é um artista sempre inquieto, e que, por isso, nem sempre consegue agradar a todos. Provavelmente nem pretende tal feito, por maior que seja o seu ego de leonino.

A fase atual, iniciada com o estupendo (2006) e que o une aos excelentes Pedro Sá (guitarra e vocais), Ricardo Dias Gomes (baixo, teclados e vocais) e Marcelo Callado (bateria, percussão e vocais), é uma das mais interessantes dessa trajetória toda.

O Caê das melodias delicadas e bossa-novistas e dos ritmos afrobaianos se encaixa feito luva no universo rock and roll do jovem trio de músicos. O melhor: o autor de Sampa mergulha no rock, mas a Banda Cê também não tem medo de enfiar a cara na brasilidade inerente ao som do astro baiano. Resultado: mistura da boa.

O rockão com direito a eventual quebradeira bossa de A Bossa Nova É Foda é o grande single do disco, com sua letra repleta de palavras sonoras e difícil decodificação. Seria algo no estilo “O mundo se curvou ao Brasil”, tendo a bossa nova como base? Essa é a minha interpretação. Descole a sua! Devem existir pelo menos uma outras mil possíveis.

Abraçaço traz solos endiabrados de guitarra de Pedro Sá, enquanto Estou Triste é um daqueles momentos introspectivos roqueiros a la Radiohead, embora sem soar como cópia barata. Quero Ser Justo é uma variação mais próxima da MPB da mesma tendência de Estou Triste, mas com clima mais Sampa.

O Império da Lei soma uma levada sambaiana animada a uma letra curta e de forte teor político. E a política é também tema de Um Comunista, homenagem a Carlos Marighella que soa ambígua, defendendo e não defendendo ao mesmo tempo, o que é bem próximo do pensamento acerca desse tema do tipo campo minado.

Em Funk Melódico e O Galo Cantou, Caetano experimenta inserir em sua musicalidade elementos respectivamente do funk carioca e do pagode romântico, felizmente sem cair nos chavões/clichês mais medíocres e repetitivos dos dois estilos.

Vinco equivale ao ponto jazzy do disco, com levada lenta, guitarra e violões limpos e bateria com vassourinha. Um quase blues, com tempero bossa e repleto de delicadeza, ideal para quem gosta do Caetano mais tradicional.

Os apreciadores do lado mais sacudido e leve do eterno tropicalista certamente curtirão Parabéns, que equivale a um novo fruto do veio que gerou A Luz de Tieta e Não Enche, entre outras. Não por acaso, de longe a pior do CD.

E se Abraçaço abriu com a ousada e virulenta A Bossa Nova É Foda, teve como encerramento a única faixa assinada por outro autor, uma inédita do tropicalista Rogério Duarte.

Trata-se de Gayana, que entra naquele elenco de canções escancaradamente românticas tipo Lua e Estrela, Você é Linda, Sozinho e Você Não Me Ensinou a Te Esquecer. Um bom exemplar dessa tendência.

No geral, Abraçaço equivale a um trabalho diversificado, repleto de nuances e sutilezas que surgem a cada nova audição, e que deixa claro o porque o caetanismo continua firme e forte, quase 50 anos depois de seu surgimento.

Ouça A Bossa Nova é Foda, com Caetano Veloso:

Ouça Um Comunista, com Caetano Veloso:

DVD/CD mostram Amy Winehouse à vontade

Por Fabian Chacur

Dizem que mesmo um fato horrível como a morte tem algo de bom. No caso de Amy Winehouse, que nos deixou prematuramente aos 27 anos de idade no dia 23 de julho de 2011, é o fato de que, nos últimos meses, seu nome só tem vindo à tona quando o assunto é música, deixando seu lado polêmico e triste de lado.

Após o ótimo Lioness: Hidden Treasures (2011), a Universal Music lança um novo trabalho póstumo da saudosa cantora e compositora britânica. Trata-se de Amy Winehouse At The BBC, que traz um CD de áudio com 14 faixas e um DVD com o registro de um show intimista e histórico.

O CD conta com gravações feitas ao vivo por Amy com exclusividade para a BBC de Londres entre 2004 e 2009, nas quais a cantora esbanja carisma, pique e aquela voz mezzo jazzista, mezzo roqueira, mezzo pop e mezzo soul que cativou milhóes de fãs no mundo todo.

Se o lado áudio do pacote é muito legal, é no DVD que se encontra o ponto alto deste lançamento. Trata-se do documentário The Day She Came To Dingle, que mostra a participação da cantora em dezembro de 2006 no projeto Other Voices, realizada na pequena cidade litorânea de Dingle, na Irlanda. Ela estava às vésperas de estourar em termos mundiais.

Amy cantou em uma pequena igreja, com capacidade para 85 pessoas, acompanhada apenas pelo baixista Dale Davis e pelo guitarrista Robin Banerjee. A bela acústica do prédio e o teor intimista da apresentação deixaram a intérprete totalmente à vontade, e o resultado foi um show simplesmente arrasador, basicamente com o repertório do CD Back To Black.

Ela interpreta as canções Tears Dry On Their Own, You Know I’m No Good, Love Is a Losing Game, Back To Black, Rehab e Me & Mr. Jones. Os felizardos presentes na plateia se mostram totalmente cativados pelo furacão Winehouse.

A entrevista concedida pela cantora no evento é também sensacional, pois nela Amy fala com desenvoltura e simplicidade sobre seus ídolos na música, com direito a cenas desses mestres da música, entre os quais Ray Charles, Mahalia Jackson, Thelonius Monk, The Shangri-las, Carleen Anderson e Soweto Omar Kinch.

Amy Winehouse At The BBC também inclui um belo livreto repleto de fotos bacanas e informações sobre as gravações de áudio e de vídeo. Trata-se de um lançamento que não tem o menor teor de caça-níqueis, sendo recomendado não só aos fãs mais fanáticos, como para qualquer pessoa que queira desfrutar desse imenso talento que nos deixou tão cedo.

Veja trechos do vídeo The Day She Came To Dingle:

Tears Dry On Their Own, com Amy Winehouse, ao vivo em Dingle:

A Barca dos Amantes- Milton Nascimento (1986/Polygram)

Por Fabian Chacur

A excelente Coleção Milton Nascimento, lançada de forma primorosa pela Editora Abril, chegou a seu final recentemente com um título não muito conhecido do grande público, o álbum ao vivo A Barca Dos Amantes (1986). Vale a pena dar um destaque a esse CD, cuja qualidade é das melhores.

Trata-se logo de cara de um trabalho histórico, pois registra o primeiro encontro nos palcos de Milton e o saxofonista americano Wayne Shorter, com quem o Bituca havia gravado dois belos discos de estúdio nos EUA na década de 70, Native Dancer (1975) e Milton (1976), este último também parte desta coleção da Abril.

O espetáculo ocorreu na primeira versão do Projeto SP, montado debaixo de uma lona de circo na rua Caio Prado, quase na esquina com a Rua Augusta, no centro de São Paulo, local que abrigou shows históricos de gente como Stanley Clarke, Titãs, Marina Lima, Paralamas do Sucesso, Lobão e muitos outros naquele 1986.

Milton teve a seu lado uma banda de craques da MPB integrada por Robertinho Silva (bateria e percusão), Ricardo Silveira (guitarra), Nico Assumpção (baixo) e Luiz Avellar (teclados). Das nove faixas, Shorter marca presença em quatro: as então inéditas Pensamento (Milton/Fernando Brant) e Nós Dois (Milton/Luiz Avellar) e nos clássicos Tarde (Milton/Márcio Borges) e Maria Maria (Milton/Fernando Brant).

O entrosamento entre os dois se mostrou impecável, com direito a solos de sax iluminados do ex-integrante do célebre grupo de jazz Weather Report se encaixando feito luva na sonoridade de Milton e sua banda. Um desbunde total.

A participação do jazzista americano é a cereja do bolo, que traz outros momentos marcantes em termos puramente musicais. O álbum abre com uma empolgada releitura de Nuvem Cigana (Milton/Lô Borges), do mitológico Clube da Esquina (1972).

A Barca dos Amantes, inédita, é uma parceria de Milton Nascimento com o compositor, cantor e músico português Sérgio Godinho. Lançada no álbum Missa dos Quilombos (1982), Louvação a Mariama cativa pelo swing, enquanto Lágrimas do Sul (Milton/Marco Antonio Guimarães) saiu originalmente em Encontros e Despedidas (1985) e homenageia divinamente Winnie Mandela em um libelo anti-racismo.

Se o disco como um todo é maravilhoso, deixei para o fim seu momento mais belo. Trata-se da releitura de Amor de Índio (Beto Guedes/Ronaldo Bastos), com arranjo mais lento do que o da versão original de Beto Guedes, e no qual Milton dialoga de forma inspiradíssima com o tecladista Luiz Avelar, dando ainda mais força aos versos doces de Ronaldo Bastos.

A Barca dos Amantes encerrou na época o contrato de Milton com a Polygram, ele que havia se transferido para a antiga CBS (hoje Sony Music) por uma fortuna. Um pecado esse trabalho não ter feito o sucesso que merecia. Um dos melhores discos ao vivo da história da MPB e merecedor de uma reavaliação por parte de críticos e do público.

Amor de Índio, ao vivo, com Milton Nascimento:

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