Esta véspera de feriado no Brasil veio com uma ótima surpresa para os fãs de classic rock. Já está disponível nas plataformas digitais Angry, o 1º single a ser divulgado do aguardadíssimo álbum Hackney Diamonds, que marca o retorno dos Rolling Stones ao universo dos trabalhos só de composições inéditas após 18 anos de A Bigger Bang (de 2005).
Hackney Diamonds está programado para sair em diversos formatos no dia 20 de outubro via Universal Music. Serão 12 novas composições, gravadas em diversos estúdios localizados nos EUA, Londres e Nassau (nas Bahamas). O trabalho terá provavelmente a participação especial de ninguém menos do que Paul McCartney e Ringo Starr, o que será confirmado em breve.
O álbum também marca a primeira colaboração da agora sessentona banda com o produtor e músico Andrew Watt, conhecido por seus trabalhos ao lado de Pearl Jam, Iggy Pop e Elton John, e ganhador de um Grammy como melhor produtor do ano em 2021
Angry, o single, é o que se poderia esperar de uma música para abrir a divulgação de um álbum dessa banda icônica. Trata-se de um rock básico, com riffs certeiros e andamento compassado na melhor tradição de Mick Jagger e Keith Richards. Na segunda audição você já está cantando o refrão junto com eles. Tipo da canção feita para ninguém ficar bravo…
O clipe é muito divertido. Dirigido por François Rousselet, tem como estrela a bela atriz norte-americana Sydney Sweeney, conhecida por seus trabalhos em séries como The White Lotus, Euphoria e The Handmaid’s Tale. Ela incorpora uma roqueira vestida a caráter e passeando pelas ruas em um carrão conversível olhando versões animadas de antigos outdoors com imagens dos Stones dos anos 1960 pra cá.
Idina Menzel é uma cantora, atriz e compositora norte-americana que ficou conhecida mundialmente ao fazer a voz original da animação Frozen (2013) e gravar o megahit oriundo dessa trilha sonora, Let It Go. Ela acaba de lançar o seu 1º álbum em quatro anos, Drama Queen, e traz como faixa de destaque um dueto certeiro com um dos grandes craques da música pop de todos os tempos.
A irresistivelmente dançante Paradise tem como principal tempero a fantástica guitarra rítmica do genial Nile Rodgers, conhecido pelo seu trabalho com o seu grupo, o Chic, e também por ter emprestado o seu imenso talento a nomes do porte de David Bowie, Diana Ross, Madonna e Carly Simon, entre inúmeros outros. E a dobradinha deu um belo match. Uma das melhores faixas para as pistas do ano.
Dona de um vozeirão que a tornou uma estrela nos musicais teatrais a partir de 2005 com Rent, Idina, que na TV ficou conhecida atuando na série Glee, teve o bom senso de dosar essa potência vocal e dar ênfase ao apelo dançante, tornando Paradise certeira. E Nile na guitarra sacode até segurança da coroa britânica.
No dia 2 de dezembro, The Killers voltam a tocar no Brasil, mais especificamente em São Paulo, como uma das atrações principais do festival Primavera Sound. Eles se encontram, atualmente, em meio a uma turnê repleta de datas em festivais e até mesmo em um evento ligado a um GP de Fórmula 1. Enquanto isso, a banda oriunda de Las Vegas (EUA) aproveita para lançar seu primeiro single de 2023.
Your Side Of Town, a nova canção, surge com forte influência do synth pop dos anos 1980, com muitos teclados, vocais distorcidos e levada dançante. O autor é o vocalista, Brandon Flowers, e a produção ficou a cargo da banda em parceria com os badalados Stuart Price e Shawn Everett.
Na estrada desde 2001 e com sete álbuns de estúdio no currículo, The Killers se firmaram como uma das bandas mais competentes nos palcos da vida, especialmente em grandes festivais, e tem no carisma de Flowers um de seus pontos fortes. A nova canção os mostra em ótima forma.
Nasi prepara um novo álbum solo, previsto para sair ainda este ano. E a amostra inicial desse trabalho, que será lançado pela Ditto Music, é das mais animadoras e já está disponível nas gloriosas plataformas digitai. Trata-se de Dias de Luta, canção do Ira! que em sua versão original integrou o álbum Vivendo e Não Aprendendo (1986), o 2º da banda paulistana.
Desta vez, o cantor nos mostra esse clássico do rock brasileiro dos anos 1980 com um arranjo blueseiro que remete a maravilhas do porte de The Thrill Is Gone, uma das canções seminais do repertório do saudoso B.B. King.
Para dar autenticidade e vibração à gravação, Nasi convidou para acompanhá-lo um dos melhores guitarristas de blues do Brasil, o excelente Igor Prado, que nos proporciona bases certeiras e solos repletos daquela emoção que só blueseiros de alma são capazes de nos proporcionar.
Quando lançou o seu 1º álbum, Luiz Gonzaga Jr. (1973), no ano em que completou 28 anos, Gonzaguinha já tinha uma trajetória com boas realizações em seu currículo. Não é de se estranhar que soe como um trabalho bastante maduro e bem formatado. Ele entrou em estúdio com experiência suficiente para dar conta do recado com categoria. Para situar bem o leitor, vamos fazer uma viagem por essa fase inicial da carreira deste grande cantor, compositor e músico.
Gonzaguinha foi fruto de um relacionamento de menos de dois anos entre seu pai, Luiz Gonzaga (1912-1989) e a cantora, dançarina e compositora Odaléia Guedes dos Santos. Eles se conheceram quando ela fez vocais de apoio em gravações do Rei do Baião, como integrante do coro de Erasmo Silva. Foi ele quem sugeriu a Gonzaga que hospedasse a jovem artista, que há pouco havia sido expulsa de casa.
Odaléia também atuava no Rio de Janeiro em dancings, salões de baile nos quais os frequentadores pagavam para dançar com as meninas disponíveis, que tinham cartões nos quais marcavam suas atividades. O músico pernambucano não aceitava o jeito mais independente e rebelde da parceira. Mesmo assim, tiveram um filho, que nasceu no dia 22 de setembro de 1945.
Luiz Gonzaga do Nascimento Jr. teve pouca convivência com a mãe. Por volta de dois meses após o nascimento de Luizinho (como ele era chamado quando era criança), Odaléia foi diagnosticada com tuberculose, e precisou ser internada em Minas Gerais. Gonzagão, então, pediu aos padrinhos da criança, seus amigos desde que chegou ao Rio, em 1939, que cuidassem dele.
Entre idas e vindas, Odaléia acabou falecendo por volta dos 23 anos, quando o filho não tinha nem 4 aninhos. O pai se casou com Helena em 1948, e ela não aceitou que o sanfoneiro levasse o garoto para morar com eles. Aí, os padrinhos, Leopoldina (Dina) de Castro Xavier e Henrique Xavier Pinheiro, o Baiano do Violão, passaram a criar de forma efetiva Luizinho.
Dina sempre fez de tudo para manter o menino próximo do pai, levando-o para visitá-lo de forma regular. Morando no Morro do São Carlos, no célebre bairro do Estácio, um dos berços do samba carioca, Luizinho aprendeu as malandragens na rua e também se apaixonou pela música, inspirado no pai, no padrinho e naquilo que ouvia nas programações das rádios de então- boleros, sambas-canção, baião, som de orquestras etc.
Rebelde e introspectivo, Gonzaguinha resolveu aos 16 anos tentar se aproximar do pai de uma forma mais efetiva, indo morar com ele. A madrasta desta vez aceitou, mesmo a contragosto, e dessa forma duas pessoas com personalidades muito distintas foram aprendendo a se entender aos poucos, mesmo que aos trancos e barrancos.
O autor de Asa Branca queria que o filho tivesse um curso superior, “virasse doutor”, como se dizia na época. Luizinho estudava, mas a música sempre se mostrou uma opção profissional que cresceu cada vez mais na sua vida. E, ao contrário do que alguns pensam, foi exatamente o pai quem lhe abriu as portas na carreira que viria a exercer.
Em 1964, Gonzagão gravou pela primeira vez uma música de seu filho, Lembrança de Primavera (ouça aqui), incluída no seu álbum A Triste Partida e canção que Luizinho escreveu quando tinha apenas 14 anos.
Papai mostrou que tinha fé no seu rebento, pois em seu álbum seguinte, Quadrilhas e Marchinhas Juninas (1965), registrou mais duas canções dele, Matuto de Opinião (ouça aqui) e Boi Bumbá (ouça aqui).
O álbum Canaã (1968), de Gonzagão, marcou o auge desse período, pois inclui nada menos do que quatro composições assinadas por Luiz Gonzaga Jr.: Pobreza por Pobreza (ouça aqui ), Erva Rasteira (ouça aqui), Festa (ouça aqui) e Diz Que Vai Virar (ouça aqui).
Quando resolveu gravar um álbum com canções de novos valores da música brasileira, O Canto Jovem de Luiz Gonzaga (1971), o Rei do Baião obviamente não iria deixar seu filho de fora, e não só registrou Morena (ouça aqui) como convidou-o para um dueto na releitura de Asa Branca (ouça aqui).
Completa essa sequência a música From U.S. Of Piaui (ouça aqui), composição de Gonzaguinha que Gonzagão gravou em seu álbum Aquilo Bom (1972). Vale registrar que o jovem compositor, que raramente pedia dinheiro ao pai, teve como ganhos iniciais no mundo musical exatamente os direitos autorais provenientes dessas gravações.
Entre 1964 e 1972, portanto, Luiz Gonzaga gravou nada menos do que 9 composições do filho em seus discos. De quebra, ainda foi o padrinho de casamento do seu herdeiro em 1971, com Angela Porto Carreiro. Ou seja, aquela história de que eles só se entenderam a partir de 1979, quando gravaram juntos A Vida do Viajante, é pura balela.
Uma das razões pelas quais Gonzaguinha passou a morar com o pai foi para poder ingressar em uma universidade, algo que seus padrinhos não tinham como ajudá-lo a fazer em termos financeiros. E isso ocorreu em 1967, quando ele entrou na Faculdade de Ciências Econômicas Cândido Mendes com o intuito de se tornar economista.
A entrada no meio universitário o ajudou a se aproximar de outros talentos musicais. O primeiro trabalho de Gonzaga Jr. fora do universo do pai ocorreu quando compôs a trilha sonora da peça teatral Joana em Flor, do grupo teatral Arena da Ilha (no caso, a do Governador). Nessa mesma época, foi levado pela amiga Angela Leal (que depois se tornaria uma famosa atriz) a uma certa casa situada na rua Jaceguai nº 27, no bairro da Tijuca.
Naquela residência simples de classe média, o médico Aluizio Porto Carrero, que também era músico, fazia reuniões musicais no melhor espírito dos saraus de antigamente. Ele, a esposa Maria Ruth e as filhas Angela e Regina recebiam jovens amigos, geralmente estudantes universitários, para tocar música e conversar. Gonzaguinha se sentiu à vontade logo na primeira visita.
Em 1968, Gonzaguinha lançou o seu primeiro disco, um compacto simples produzido por conta própria incluindo Tema Joana em Flor (ouça aqui), da trilha da peça teatral Joana em Flor, e Pobreza por Pobreza (ouça aqui).
Esta última, além de ter sido posteriormente gravada pelo pai, participou do I Festival Universitário da Música Brasileira, realizado pela TV Tupi. A composição ficou entre as finalistas, e acabou incluída no LP do evento em interpretação do cantor Jorge Nery (ouça aqui ). E foi ali que ele conheceu um de seus melhores amigos na cena musical, Ivan Lins.
Vale dizer que, a partir de 1965, os festivais de música se tornaram a grande plataforma através dos quais os novos nomes chegavam ao grande público. Elis Regina, Chico Buarque, Milton Nascimento, Edu Lobo, Caetano Veloso, Gilberto Gil e Jair Rodrigues, entre outros, ganharam fama participando dessas competições organizadas pelas emissoras de TV.
Interagindo na casa da rua Jaceguai com Ivan Lins (que também se tornou figura assídua por lá), Aldir Blanc, Cesar Costa Filho, Guinga e outros jovens talentos, Gonzaguinha foi mergulhando cada vez mais na cena dos festivais, e em 1969 foi o vencedor do II Festival Universitário, da TV Tupi, com a música O Trem (Você se Lembra Daquela Nega Maluca Que Desfilou Nua Pelas Ruas de Madureira?) (ouça aqui).
Com elaborado arranjo fortemente influenciado pelo jazz de artistas como Miles Davis e escrito pelo consagrado músico Luizinho Eça, O Trem recebeu vaias intensas do público, obviamente não preparado para ouvir algo tão refinado, e com uma letra profunda e inspirada na fugacidade e dificuldade da vida de uma pessoa comum.
A vitória valeu a Luiz Gonzaga Jr. um contrato com o selo Forma, da gravadora Philips. Naquele mesmo 1969, outro resultado expressivo: venceu na categoria melhor letra com Moleque (ouça aqui) no 5º Festival da Música Popular Brasileira da TV Record.
Em 1970, a turma da Rua Jaceguai resolve participar do 5º Festival Internacional da Canção (FIC), promovido pela Rede Globo. Embora apresentem suas músicas de forma individual, os integrantes usam coletes da mesma cor e se definem como MAU (Movimento Artístico Universitário).
Ivan Lins atinge o 2º lugar, com O Amor é o Meu País, e Gonzaguinha fica com o 4º posto com Um Abraço Terno em Você, Viu, Mãe? (ouça aqui), canção que cita Asa Branca e é claramente inspirada em Tropicália, também aproveitando elementos de versos da mesma.
No III Festival Universitário da Canção, Gonzaguinha participa com Parada Obrigatória Para Pensar (ouça aqui), que seguia a mesma fórmula elaborada de O Trem e lhe valeu um honroso 4º lugar na classificação geral.
O bom desempenho dos integrantes do MAU no 5º FIC chamou a atenção de sua organizadora, a TV Globo, que pensava em fazer um programa musical dedicado aos jovens. Surgiu, dessa forma, o Som Livre Exportação, que no início de 1971 trazia como apresentadores Ivan Lins e Elis Regina e a turma de universitários participando, entre eles Gonzaguinha.
Após o contrato inicial, de dois meses, a Globo ofereceu renovação a apenas três integrantes do MAU: Ivan, Gonzaguinha e Cesar Costa Filho. Eles aceitaram, e assim tivemos o fim do movimento. O programa durou aquele ano de 1971, e teve boa repercussão perante o público.
Gerou o lançamento de dois LPs com performances dos convidados e dos apresentadores, com duas músicas inéditas de Gonzaguinha: Eu Quero (ouça aqui), bastante inspirada em Batmacumba, de Gilberto Gil, e Raça Superior (ouça aqui), ironizando o brasileiro naquele momento.
Mesmo com a presença expressiva de Luiz Gonzaga Jr. nos festivais e na mídia, o selo Forma não se mostrava animado em investir em um LP dele. Naquele ano efervescente, lançaram apenas um compacto simples (com Afriasiamérica) e um compacto duplo que destacava a faixa Por Um Segundo.
Por Um Segundo (ouça aqui), com sua roupagem meio soul pop que caberia feito luva na voz de Wilson Simonal, foi a que mais tocou em rádios, e é excelente, embora à parte do estilo habitual do cantor e compositor carioca.
A experimental e roqueira Afriasiamérica (ouça aqui), a lírica e no melhor estilo voz e violão Felícia (ouça aqui) e a deliciosa Plano Sensacional (ouça aqui), com inspiração no estilo de Milton Nascimento, são provas da qualidade da sua produção na época.
O compacto duplo era completado por Sanfona de Prata (ouça aqui), uma tocante homenagem ao pai que ressalta sua proximidade com o povo e as viagens pelo país inteiro divulgando a cultura popular. Embora ainda em processo de amadurecimento, ele já merecia a deferência de lançar um LP.
Com o fim do Som Livre Exportação e o aparente desinteresse da Forma/Philips em investir mais forte na sua carreira, Gonzaguinha assinou em 1972 um contrato com a EMI-Odeon.
Sua estréia na nova casa fonográfica foi no formato compacto, trazendo uma nova e bem melhor versão de Pobreza Por Pobreza (ouça aqui) e Mundo Novo Vida Nova (ouça aqui), linda canção que em 1969 foi interpretada por Claudete Soares no 2º Festival Universitário da Música Brasileira e em 1980 seria gravada por Elis Regina no álbum Saudade do Brasil.
O último lançamento daquele 1972 foi Depois do Trovão (ouça aqui), que concorreu no 5º Festival de Música Popular Brasileira de Juiz de Fora e foi incluída no LP com músicas daquele evento em versão ao vivo voz e violão, na qual Gonzaguinha cita novamente Asa Branca.
As músicas lançadas pelo autor de Explode Coração no selo Forma foram reunidas e lançadas no CD Gonzaguinha (2001), em ótimo trabalho do pesquisador Marcelo Fróes. Só ficou de fora Raça Superior, lembrando que as versões originais de Tema Joana em Flor e Pobreza por Pobreza são de um compacto independente. Esta última entrou no CD com Jorge Nery.
Em 1973, portanto, Luiz Gonzaga Jr. estava mais do que pronto para lançar um consistente álbum de estreia. E foi exatamente isso o que ele fez. A direção musical ficou a cargo do então já veterano Maestro Lindolfo Gaya (1921-1981). Para atuar como assistente de produção, orquestrador e regente, entrou em cena o brilhante J.T. Meirelles (1940-2008), conhecido por sua atuação com o grupo Copa 5.
O principal mérito dos arranjos neste álbum é não se perder em climas rebuscados que eventualmente frequentavam algumas gravações na época. As roupagens sonoras procuravam enfatizar as letras e os vocais.
O disco não traz ficha técnica completa, mas é possível deduzir que o guitarrista e violonista Sidney Mattos(que é citado nos agradecimentos especiais) tenha tocado nele, pois o músico tinha sido colega de Gonzaguinha no MAU e está na ficha técnica do segundo álbum do artista, de 1974.
A capa é enigmática. De forma apressada, pode parecer uma foto do artista em um porta-retratos cujo vidro estaria rachado. No entanto, se olharmos mais atentamente, podemos imaginar que seja, na verdade, o reflexo de Gonzaguinha em uma janela ou espelho, que estava refletindo também uma árvore. Como a outra foto do álbum traz o cantor atrás de plantas, esta segunda hipótese se mostra a mais pertinente.
As 10 faixas deste trabalho giram em torno de estilos musicais que seriam constantes nos álbuns de Gonzaguinha. Basicamente, bolero, baião, samba e rock sob o viés de Milton Nascimento e do Clube da Esquina. Vamos a uma análise música a música deste LP.
O álbum abre com uma canção lírica, com um delicado arranjo de cordas ao fundo e violão conduzindo tudo. A influência do Clube da Esquina se mostra nítida. A letra é ambientada em um salão de danças, certamente inspirada na atuação da mãe Odaléia, e cita a Orquestra de Waldir Calmon (1919-1982), que viveu o seu auge na década de 1950, ou seja, na infância-adolescência de Gonzaguinha. Ele exploraria esse mesmo universo futuramente.
Neste bolero estilizado, o ouvinte desavisado pode achar que se trata de alguém lamentando um amor persistente por uma pessoa que o despreza em nome de outra pessoa-paixão. No entanto, a citação de trecho do Hino Nacional Brasileiro (para ser mais preciso, “No Teu Seio Mais Amores”) e os versos “dói saber, amada tropicana, somente eu não estou a fim de te explorar, doidivana” deixam claro se tratar de lamentações contra a ditadura militar que deitava e rolava naquele cinzento Brasil de 1973.
Em sua carreira, Gonzaguinha sempre se mostrou um ácido cronista do cotidiano brasileiro. Aqui, em uma mistura de samba-canção e jazz rock (com passagens de metais e guitarra simplesmente matadoras), narra a tragédia ocorrida com um vizinho que ele tinha em grande conta por razões absolutamente superficiais, e que acabou virando estrela macabra de matéria em um jornal popular. Ele tira conclusões acerca de um cara que viveu por 10 anos na vizinhança, e que ele só encontrava no elevador e de quem nem sabia o nome, “ele nunca falou”. Obra-prima, raramente citada.
Essa faixa é mais uma prova concreta de como o romantismo sempre fez parte da obra deste artista, taxado por alguns apressados como “cantor-rancor” nessa sua fase inicial. Com direito a uma guitarra jazzística e musicalidade envolvente, o tema aqui é uma relação afetiva que de certa forma entrou no piloto automático, longe da paixão dos tempos iniciais. E o que Gonzaguinha propõe é exatamente isso, a retomada do prazer da dança ao som de um bom bolero à meia luz. O romance resiste!
Com tempero de samba-canção e acompanhamento em ritmo meio marcial, o tema aqui é o desejo de ver a festa de volta, “sem máscaras negras e com o pierrot vencendo o arlequim”. Lógico que o assunto aqui é o repúdio à ditadura militar e o sonho do retorno à democracia. A interpretação sutil e delicada em termos vocais mostra o quanto o Gonzaguinha cantor havia amadurecido em relação aos anos anteriores.
Um dos temas recorrentes de Gonzaguinha é o retorno da festa, da alegria, de um tempo mais alegre e pra cima, em meio àqueles anos de chumbo vividos durante a ditadura militar. Aqui a abordagem é do tipo vamos voltar aos bons tempos da felicidade com a ajuda de um certo trem da alegria, “e que importa a mula manca, se eu quero…”. O arranjo pende para o rock latino percussivo. Com uma roupagem disco music, esta canção se tornaria o primeiro hit das Frenéticas, em 1977.
Este samba-canção com um certo tempero de fado é explícito ao condenar quem fala muito e não faz nada para minorar ou mesmo acabar com o sofrimento e a tristeza. O ouvinte mais atento pode identificar ecos melódicos de Negue (Adelino Moreira e Enzo de Almeida Passos), clássico da nossa música que fez sucesso nas vozes de Nelson Gonçalves, Maria Bethânia e até do Camisa de Vênus.
Esta canção equivale a um auto-retrato do autor, lembrando de suas origens como moleque nas ruas do Morro do São Carlos, onde aprendeu muito sobre a vida e firmou sua personalidade irreverente, contestatória e inconformista. A gravação original de 1969 trazia um arranjo orquestral um pouco rebuscado demais. Aqui, o acompanhamento é exato, com ênfase na parte rítmica (bem nordestina), uma flauta precisa e o vocal de Gonzaguinha mandando uma de suas melhores letras. Ele a regravaria em 1977, em pot-pourry com Festa, no álbum intitulado, não por acaso Moleque Gonzaguinha. Uma das canções essenciais do songbook gonzaguiano.
Se em outras canções tínhamos críticas feitas de forma um pouco mais sutil, aqui o filho do Rei do Baião vai direto ao assunto, ironizando o conformismo das pessoas ao aceitar as imposições dos patrões e dos ditadores de plantão. “Você merece, você merece, tudo vai bem, tudo legal, cerveja, samba e amanhã, seu Zé, se acabarem com o teu carnaval?”, diz o ácido refrão. Este samba fantástico foi lançado em compacto simples que rapidamente vendeu mais de 20 mil cópias, especialmente após ter sido apresentado no Programa Flávio Cavalcanti, uma das maiores audiências da TV de então. Outro momento estelar da obra de Gonzaguinha.
O momento mais introspectivo e tenso do álbum, e que o encerra, começa com o tic-tac de um relógio e flagra alguém na cama, de madrugada, tenso e obviamente inseguro com aqueles dias cinzentos, com versos agudos como “e esse lençol gelado,e esse sono que não vem”.
A versão em CD de Luiz Gonzaga Jr. saiu em 1997 incluindo como faixa-bônus Depois do Trovão (ouça aqui).
Com a grande repercussão obtida por Comportamento Geral, a censura se mostrou implacável e determinou não só o recolhimento do compacto simples como também do álbum, que só seriam liberados novamente em 1980, quando vivíamos a abertura.
Embora reflita aquele tempo tão difícil, trata-se de um trabalho repleto de musicalidade, esperança e fé em um futuro melhor, e que seria uma espécie de template (molde) para os trabalhos posteriores de Gonzaguinha, artista que se valeu com rara habilidade da autorreferência e do desenvolvimento de um mesmo tema em várias canções diferentes, marca também de Belchior, vale registrar.
Ouça Luiz Gonzaga Jr. (1973) em streaming na íntegra:
Em meio a tantas partidas de grandes nomes da música ocorridas nos últimos tempos, nada melhor do que celebrar alguém lendário que continua firme e forte entre nós. Alguém como Herb Alpert. O lendário trompetista norte-americano também conhecido como o fundador da gravadora A&M Records se mostra bem ativo aos 88 anos de idade. Ele acaba de divulgar um novo single, que vai integrar o álbum Wish Upon a Star, previsto para sair no dia 15 de setembro.
Trata-se de East Bound And Down. Esta composição do artista country Jerry Reed foi o tema principal do filme Smokey And The Bandit (exibido no Brasil como Agarra-me Se Puderes), de 1977, estrelado por Burt Reynolds e Sally Field e um grande sucesso em termos de bilheterias em todo o mundo.
O tema country dançante ficou delicioso na releitura de Alpert, que mostra sua categoria e bom gosto ao tocar o trompete. A linda capa do álbum certamente é uma pintura de sua autoria, pois ele passou a se dedicar a essa arte a partir de um determinado momento de sua trajetória.
Herb Alpert tornou-se conhecido mundialmente nos anos 1960 com a sua Tijuana Brass, orquestra que tinha como marca registrada temas instrumentais deliciosos que se dividiam entre pop, música latina, jazz e o que mais pintasse. Ele emplacou cinco álbuns no topo da parada dos EUA entre 1965 e 1968. além de chegar ao número 1 por lá com seu único single como cantor, This Guy’s In Love With You, em 1968.
Esses discos foram lançados pela A&M Records, gravadora que criou com Jerry Moss e que lançou na cena musical nomes do porte de The Carpenters, Chris Montez, Burt Bacharach, The Police, Bryan Adams, Suzanne Vega, Joe Jackson, Supertramp, Janet Jackson, Gino Vanelli e The Brothers Johnson, entre inúmeros outros.
Em 1978, ele emplacou um novo single, desta vez instrumental, no primeiro lugar nos EUA, a sensacional Rise (leia sobre a história dessa música aqui).
Conhecida por hits marcantes do pop nacional como Nem Um Toque, Direto no Olhar, Custe o Que Custar, Doce Pecado e O Amor e o Poder, entre outros, Rosana está em vias de lançar um novo álbum. Será pelo selo Poliphonia, da Lab 344. E para criar expectativa em torno desse lançamento, temos dois singles já devidamente divulgados, ambos muito interessantes.
Eu Bem Que Te Avisei (ouça aqui), de autoria de Marco Bombom e Sergiopí (que também produziram o álbum), traz uma envolvente batida house estilo anos 1990 e conta com a participação especial do rapper Fiengo, que é nada menos do que o filho de Rosana.
Por sua vez, Feitiço, a faixa que dá nome ao álbum, é de autoria de Leoni e Cris Braun e nos oferece uma batida mais próxima do r&b, bem envolvente e com uma interpretação classuda da cantora, que se mostra em excelente forma, fugindo dos exageros e caprichando na classe e swing.
Curiosidade: nos vocais de apoio, temos um trecho que remete a You Get Me Hot, hit disco-funk em 1979 com o cantor norte-americano Jimmy Bo Horne, certamente uma homenagem bem bacana.
Além dessas duas belas amostras, o álbum também trará material inédito de autores do gabarito de Hyldon, Michael Sullivan, Zeca Baleiro e Gabriel Moura. Entre os músicos participantes, tivemos o saudoso Lulu Martin nos teclados, ele que integrou a banda Heróis da Resistência ao lado de Leoni e trabalhou com grandes nomes da nossa música como Angela Ro Ro, Luis Melodia, Lulu Santos, Jane Duboc e Ney Matogrosso.
Com seu álbum de estreia, SOUR, a cantora e compositora norte-americana Olivia Rodrigo ganhou três Grammys, o Oscar da música, e invadiu as paradas de sucesso do mundo todo, com faixas como Drivers License e Good 4 U. Com apenas 20 anos de idade, ela se prepara para um enorme desafio, que é tentar igualar ou até superar esse bom desempenho. Guts, o seu 2º álbum, tem seu lançamento programado para o dia 8 de setembro.
A amostra inicial do álbum agradou em cheio ao público. Trata-se de Vampire, uma canção intensa divulgada por um clipe impactante e com elementos vampirescos e cinematográficos que já ultrapassou a marca de 34.8 milhões de views, segundo a gravadora Universal Music. O single atingiu o topo da parada americana, sendo o 3º de sua curta trajetória a conseguir tal objetivo.
O single Vampire tem versões físicas e pode ser encomendado no site da gravadora, assim como o álbum (saiba mais aqui). Olivia Rodrigo aposta no formato canção e em boas melodias, prova de que existe espaço entre as novas gerações para trabalhos na tradição da música pop das antigas.
Vem disco novo dos Pretenders por aí. O selo Parlophone, hoje distribuído pela Warner Music, promete para o dia 15 de setembro o lançamento em vários formatos de Relentless. Além da líder, a cantora, compositora e guitarrista Chrissie Hynde, o grupo hoje conta com James Walbourne (guitarra), Kris Sonne (bateria), Chris Hill (contrabaixo), Dave Page (baixo) e Carwyn Ellis (teclados e guitarras) em sua formação. Os arranjos de cordas ficaram a cargo de Jonny Greenwood, do Radiohead.
Como forma de criar expectativa antecipada em torno deste trabalho, a gravadora já divulgou 3 das 12 faixas que o integrarão. O interessante é que são bem distintas entre si. A Love, que acabou de ser disponibilizada, é um rock melódico com aquele sabor de anos 1980 que cativou tantos fãs pelo mundo afora, e surge como um novo e possível hit.
I Think About You Daily (ouça aqui), por sua vez, é uma balada introspectiva com belas passagens de cordas e uma letra emotiva e que certamente cativará os românticos de plantão.
A trinca de amostras se completa com Let The Sun Come In (ouça aqui), um rockão mais ardido que mostra Chrissie Hynde em ótima forma vocal no vigor de seus 71 anos de idade. A banda está atualmente na estrada, e seu show surpresa no badalado festival de Glastonbury contou com participações especiais de Johnny Marr e Dave Grohl.
Boas novas para os fãs de indie rock do primeiro escalão. O duo The Kills nos oferece suas duas primeiras canções inéditas após cinco anos. As canções são New York e LA Hex, e já estão disponíveis nas plataformas digitais e também em um compacto simples de vinil de 7 polegadas (saiba mais sobre esse single físico e como adquiri-lo aqui).
O duo formado em 2001 pela cantora norte-americana Alison Mosshart e pelo músico britânico Jamie Hince se mostra em ótima forma, se levarmos em conta a qualidade dessas duas músicas. New York (veja o clipe aqui) é um rock ardido, com andamento compassado.
Por sua vez, LA Hex traz The Kills em um clima de balada rock mais reflexiva. A voz de Alison, ótima e com ecos da de Chrissie Hynde (dos Pretenders), está afiadíssima. As novas canções estão sendo divulgadas por clipes dirigidos por Andrew Theodore Balasia.
Para quem se lembra vagamente do nome de Mosshart, não é por acaso. Ela integra o supergrupo The Dead Weather ao lado de Jack White (The White Stripes, The Raconteurs e carreira-solo), com quem gravou três álbuns de estúdio e um ao vivo e fez shows muito bem-sucedidos.
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