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Ave Sangria anuncia álbum para breve e lança single de estúdio

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Por Fabian Chacur

A banda Ave Sangria durou pouco em sua primeira encarnação, na metade inicial da década de 1970. No entanto, marcou época com seu único trabalho de estúdio, autointitulado, lançado em 1974 pela gravadora Continental e em poucas semanas tirado de cena pela censura da ditadura militar. Graças a muita procura do público jovem via internet, três integrantes da formação original trouxeram o grupo de volta à ativa a partir de 2014, e agora nos proporcionam um single gravado em estúdio, Dia a Dia, amostra do álbum que pretendem lançar ainda este semestre, com título já escolhido, Vendavais.

Esta canção saiu pela primeira vez no álbum póstumo ao vivo Perfumes Y Baratchos (2014), registro de um show derradeiro realizado em 1975. A nova versão de estúdio mostra muito vigor e eletricidade. Marco Polo (vocal e composições), Almir de Oliveira (vocal, guitarra-base e composições) e Paulo Rafael (guitarra-solo e viola) agora tem a seu lado Juliano Holanda (baixo e vocais), Gilu Amaral (percussão) e Júnior do Jarro (bateria e vocais).

O novo álbum do Ave Sangria trará Dia a Dia e mais dez outras composições, em trabalho gravado no Rio de Janeiro, embora a banda seja uma das grandes representantes da psicodelia pernambucana. O guitarrista Paulo Rafael ficou conhecido após sair deste grupo como braço direito do conterrâneo Alceu Valença, participando de seus trabalhos mais emblemáticos. Ele também gravou três álbuns solo e integra a Primavera Nos Dentes (leia sobre eles aqui), que lançou um CD em 2017 com releituras de músicas dos Secos & Molhados.

Dia a Dia– Ave Sangria:

Carlos Santana lançará EP com canções inspiradas em Mona Lisa

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Por Fabian Chacur

Carlos Santana inicia 2019 com boas novidades para seus milhões de fãs mundo afora. No dia 25 de janeiro, será lançado em CD e no formato digital um novo EP do seminal guitarrista mexicano radicado nos EUA, In Search Of Mona Lisa. O mesmo trabalho terá versão em vinil, que chegará às lojas americanas em 22 de fevereiro. E também está previsto ainda para este ano o lançamento de um novo álbum inédito, com produção a cargo do consagrado Rick Rubin (Red Hot Chili Peppers, Beastie Boys, Tom Petty etc-e tome etc!).

O EP (sigla que significa Extended Play e equivale ao antigo compacto duplo) traz cinco faixas: Do You Remember Me (em duas versões), In Search Of Mona Lisa (em duas versões) e Lovers From Another Time. A produção ficou a cargo de outro nome constante em discos bacanas, o do veterano Narada Michael Walden (Whitney Houston, Steve Winwood, Aretha Franklin e dezenas de outras feras do mesmo porte, ele que é artista-solo de sucesso).

As versões das canções incluídas neste disco ainda não foram divulgadas oficialmente, mas In Search Of Mona Lisa tem tudo para ser uma música que o roqueiro latino toca há alguns anos em shows e cujo nome era dado como Mona Lisa, e até hoje inédita em seus discos, com um refrão simples e contagiante.

O artista explica que, embora tenha visitado Paris em inúmeras oportunidades, nunca tinha ido no Museu do Louvre, onde está exibido o icônico quadro Mona Lisa, de Leonardo da Vinci. Há pouco tempo, ele e sua esposa, a percussionista Cindy Blackman Santana, finalmente estiveram por lá, e aquela obra de arte acabou inspirando novas canções do astro, revelado mundialmente após performance marcante no Festival de Woodstock, em 1969.

Monalisa (ao vivo)- Santana:

Dean Ford, do grupo Marmalade, nos deixou um belo legado sonoro

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Por Fabian Chacur

Dean Ford, cujo nome de batismo era Thomas McAleese, nos deixou no dia 31 de dezembro, aos 72 anos de idade. Embora com um pouco de atraso, Mondo Pop irá fazer justiça ao trabalho deste ótimo cantor, compositor e músico escocês, que entre 1966 a 1974 foi vocalista e compositor do Marmalade, uma banda que alguns só lembram pelo megahit Reflections Of My Life (ouça aqui). O “textão” a seguir provará que ele fez muito mais do que “apenas” essa belíssima balada roqueira lançada em 1969 e que teve mais de dois milhões de cópias vendidas em todo o mundo, no formato single.

Thomas McAleese nasceu na Escócia em 5 de setembro de 1946. Seu nome artístico une os de dois ídolos do músico, o ator e cantor Dean Martin e o cantor Tennessee Ernie Ford (do hit Sixteen Tones, aquele que em português virou 16 Toneladas, com Noriel Vilela). Seu envolvimento com a música começou quando ainda era criança. Em 1963, foi convidado a entrar em uma nova banda, que com sua presença passou a também ser conhecida como Dean Ford And The Gaylords. Integravam o time, além dele próprio no vocal e gaita, o guitarrista e tecladista Willian Junior Campbell (que virou seu parceiro de composições), Patrick Fairley (guitarra), Graham Knight (baixo) e Raymond Duffy (bateria).

O grupo aos poucos se tornou o mais famoso do rock escocês, ao ponto de animá-los a se mudar para Londres em meados de 1965. Duffy preferiu não ir, e o baterista Alan Whitehead entrou em seu lugar. O quinteto, agora rebatizado The Marmalade, foi cavando seu espaço aos poucos, tocando em lugares como o célebre Marquee e abrindo apresentações de Pink Floyd, Traffic, The Who etc.

Em 1967, lançaram o single I See The Rain (ouça aqui), composição de Campbell e McAleese que foi considerada a melhor daquele ano por ninguém menos do que Jimi Hendrix, e regravadas anos depois por Suzanna Hoffs (do grupo Bangles) e Matthew Sweet. Mas o sucesso comercial teimava em não aparecer.

Pressionados pela gravadora CBS, eles deixaram momentaneamente de lado as composições próprias e gravaram Lovin’ Things (de Artie Schroeck and Jet Loring), que atingiu o sexto posto na parada britânica em 1968. Mas a coisa engrenou mesmo para eles quando resolveram reler Ob-la Di Ob-la Da (ouça aqui) em versão muito parecida com a dos autores, os Beatles. Bingo! Com esse single, atingiram o primeiro lugar na parada britânica, e pouco depois o seu contrato com a CBS acabou.

Com a moral alta, eles receberam um convite irrecusável para assinar com o Deram, o selo progressivo da gravadora Decca. Além de ganhar um belo adiantamento, tiveram total liberdade artística. A aposta da nova gravadora se mostrou acertada logo no primeiro lançamento, o antológico single Reflections Of My Life (de Campbell e McAleese), que saiu no finalzinho de 1969 e logo invadiu as paradas britânicas e de inúmeros outros países, inclusive os EUA, onde chegou ao décimo lugar. Essa música recebeu, em 1998, um prêmio da BMI americana por ter tido mais de um milhão de execuções em rádios americanas.

No início de 1970, sai Reflections Of Marmalade (denominado Reflections Of My Life nos EUA), um álbum no qual a mistura de rock, pop, folk e country da banda se mostrava simplesmente envolvente, com direito a Reflections Of My Life e outras maravilhas, entre as quais Carolina In My Mind (de James Taylor e em arranjo parecido com o do álbum de estreia do astro americano- ouça aqui ) e a psicodélica Kadeidoscope (de Campbell e McAleese) ouça aqui).

No embalo do sucesso do álbum, eles lançaram em 1970 outro single matador, a canção folk-country Rainbow (de Campbell-McAleese, ouça aqui), seguido em 1971 por outra maravilha de Ford e seu parceiro, a delicada balada My Little One (ouça aqui). Aí, Willian Junior Campbell, cansado das turnês, resolveu sair da banda para estudar música. Ele depois teria uma breve carreira-solo e a seguir se tornaria compositor para trilhas de cinema, TV e teatro.

Para substituir Campbell, entrou em cena o cantor e guitarrista Hugh Nicholson, que entrou com moral no time, a ponto de se tornar o principal compositor da banda. Ele é o autor de Back On The Road (de volta à estrada, ouça aqui), um título que refletia a atitude da banda de seguir em frente. Por sinal, eles vieram ao Brasil (onde emplacaram vários hits) naquele mesmo 1971, para defender essa canção no Festival Internacional da Canção, sem conseguir a vitória.

Vale o registro, baseado em post publicado pelo blog de Maria Weber, o ótimo Festivais da Canção (acesse aqui), que traz a reprodução de matéria de uma revista da época que relata as estrepolias do quinteto em nossas plagas, com direito a quebrar copos, passear mascarados para assustar os hóspedes do Hotel da Glória e tentar jogar uma cantora na piscina. Uau!

A partir de 1972, o Marmalade viu sua popularidade cair bastante. Dean Ford ainda comporia algumas músicas com um novo parceiro, Mike Japp, como Our House Is Rocking e Come Back So, mas nenhuma delas emplacou. Curiosidade: Japp, posteriormente, seria parceiro de Gene Simmons e Paul Stanley, do Kiss, e também de Bryan Adams. E em 1975, Ford resolveu dar adeus à banda que o revelou, lançando no mesmo ano o LP solo Dean Ford, produzido pelo então ainda iniciante na função Alan Parsons. Em 1978, ele participaria de um álbum do Alan Parsons Project, Pyramid.

Com a pouca repercussão da carreira-solo, Ford mudou-se em 1979 para Los Angeles, e mergulhou de cabeça no alcoolismo, sumindo de cena por vários anos. Apenas em 1986 ele conseguiu se livrar do vício, graças ao apoio do grupo Alcoólicos Anônimos. Em 2014, com produção a cargo do músico Joe Tansin, conhecido por sua breve participação no grupo Badfinger (apenas no álbum Airwaves, de 1979), ele fez uma interessante releitura de Reflections Of My Life, com direito a clipe e tudo (veja e ouça aqui).

Curiosamente, os últimos anos de vida de Dean Ford foram provavelmente alguns dos mais produtivos. Ele lançou dois álbuns, Feel My Heartbeat (2017) e My Scottish Heart, este último poucas semanas antes de sua morte, que teria ocorrido por complicações ligadas ao mal de Parkinson.

Uma curiosidade: o Marmalade seguiu em frente após a saída de Dean Ford, em 1975, e foi apenas em 2010 que perdeu seu último integrante da formação clássica, o baixista Graham Knight. Eles tocam em eventos nostálgicos, e equivalem a uma banda cover de luxo. Saiba qual é a sua escalação atual, e desde quando seus integrantes estão por ali. Alguns, por sinal, integram o Marmalade por muito mais tempo do que os integrantes originais sequer imaginavam se manter. Mas, vale o registro, sem criar um único hit:

Sandy Newman – vocal principal, guitarra solo, teclados (de 1975 até hoje)
Alan Holmes – vocais, guitarra,e violão, teclados (de 1980 até hoje)
Jan Robinson – vocais, baixo (de 2015 até hoje)
Chris North – bateria, percussão (de 2015 até hoje)
John James Newman – vocais, violão (de 2011 até hoje)

Rainbow (clipe)- Marmalade:

Victor Riskallah Chacur se foi há 20 anos e faz muita, muita falta!

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Por Fabian Chacur

No dia 6 de janeiro de 1999, há exatos 20 anos, perdi o meu irmão, Victor Riskallah Chacur. Naquele triste momento, fiquei sem o último vínculo com minha família mais próxima. Minha querida mãe, Victoria, deixou esta existência no dia 22 de junho de 1996, enquanto meu amado pai, Fuad, seguiu rumo à eternidade no dia 21 de setembro de 1998, ou seja, pouco mais de três meses antes do meu irmão. Éramos quatro, agora somos um. Unzinho, que desde então tenta seguir em frente, mas sempre com aquela forte sensação de vazio deixada pela falta dos meus três nobres parceiros diretos.

Se hoje sou um eterno viciado em música boa, devo muito disso ao Victor. No mínimo, pela ótima iniciação. Afinal de contas, os primeiros discos que tive a oportunidade de ouvir eram dele, em sua maioria. Esse vício de comprar discos eu herdei dele, ampliando-o até as raias do impossível e impagável.

E os discos do cara eram de primeiríssima linha. Tipo aquele compacto dos Beatles com Hey Jude e Revolution, que ouvimos até o limite da exaustão naquele finalzinho de 1968, quando eu tinha apenas sete aninhos de idade, e quando recebi a visita do meu primo Jair, que veio passar as festas conosco. Para intercalar, na mesma época, também curtimos o belo compacto do obscuro grupo one-hit-wonder californiano People com a ótima I Love You.

Conheci os Beatles, até hoje (e para sempre) minha banda favorita, graças a ele. E vários outros grupos e artistas. O Deep Purple, por exemplo, ouvindo muito o seu exemplar do In Rock, com Living Wreck, Speed King e Child In Time.

E aquele compacto, com Nobody de um lado e Slippery St. Paul do outro, de 1971? Esse raio desse disco me viciou em outra das minhas bandas favoritas até hoje, os Doobie Brothers. Amo esses caras!

A voz potente e os riffs certeiros da guitarra de Tom Johnston, a guitarra dedilhada e os vocais de Patrick Simmons, as vocalizações certeiras, a fusão de rock-country-folk-soul etc…… Doobie Brothers forever!

O primeiro disco de Paul McCartney que ouvi na vida foi o Ram, de 1971. Lógico que o exemplar do glorioso Victor. Também ouvi até furar Uncle Albert/Admiral Halsey, Monkberry Moon Delight, Dear Boy, Heart Of The Country….

A partir dos meus dez anos de idade, a gente começou uma disputa besta para ver quem comprava primeiro um disco de sucesso. Era divertido ver quem surgia primeiro com o novo do Seals & Crofts, Bread, Rolling Stones, Bee Gees…..

Quando fiz 17 anos, acordei e vi, em cima do criado mudo ao lado da minha cama, um compacto simples embrulhado. Abri: Got a Feeling, de Patrick Juvet, grande hit em 1978 e um clássico da disco music que eu amo.

Fico arrepiado só de lembrar a alegria ao ganhar esse disco, que obviamente tenho até hoje. Foi o único presente que ganhei naquele aniversário, e me lembro de ter chorado no final do dia, sozinho, sabe-se lá porque.

Eu também curto músicas bizarras, aquelas que de tão ruins chegam a ser boas, mas o Victor, não. Ele só curtia coisas boas. Tipo aquele maravilhoso álbum Cicatrizes, do MPB-4, um dos melhores de música brasileira que já tive a oportunidade de ouvir.

Ou O Canto das Três Raças, da Clara Nunes, que você abria a capa e a mesma virava um pôster imenso. Ou alguns do Martinho da Vila (Memórias de Um Sargento de Milícias, por exemplo), o samba em sua autêntica e bela expressão.

Vou parar por aqui, pois a lista vai longe. Lógico que, como bons irmãos, brigamos algumas vezes, frequentemente por razões imbecis, mas sempre voltávamos às boas, felizmente. E a vida seguia!

Tá bom, ele tinha um defeito gravíssimo: torcia para aquele timinho da Marginal Sem Número. Mas fazer o que? Perfeição não existe…..

O Victor foi internado próximo do natal de 1998. Lembro que minha cunhada ligou para me avisar na editora onde eu trabalhava na época, quando eu estava prestes a sair rumo à “festa da firma”. Nem é preciso dizer que abortei a ida à confraternização e fui direto ao hospital, onde dei um jeito de conseguir visitá-lo, mesmo fora do horário normal.

Foram dias difíceis, nas quais felizmente pude falar com ele em algumas ocasiões, e pude lhe dar toda a força que pude, e meu apoio incondicional. Incondicional mesmo, como ele e eu sabemos, e só nós dois!

No dia 6 de janeiro de 1999, ele me deixou, após alguns dolorosos dias em estado de coma. Fica a recordação de alguém que foi fundamental em minha vida, e a quem devo muito mais do que ele poderia imaginar. Onde estiver, meu abraço apertado, cara, e a saudade eterna!

obs.: o Victor é o primeiro da esquerda para a direita, na foto acima, tirada há mais de 50 anos em Uberlândia (MG).

I Love You– People:

Phil Collins terá dois álbuns ao vivo relançados pela Warner

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Por Fabian Chacur

Dando prosseguimento à série de relançamentos da discografia solo de Phil Collins, a Warner Music anuncia para fevereiro de 2019 mais dois itens que voltarão ao mercado, desta vez em versões remasterizadas e nos formatos físicos e digitais. São os álbuns ao vivo Serious Hits…Live! (1990) e A Hot Night In Paris (1999), este último na verdade um trabalho creditado à The Phil Collins Big Band. Ambos terão o selo Atlantic-Rhino, e são excelentes.

Serious Hits…Live! flagra o consagrado cantor, compositor e músico britânico no auge de sua carreira solo, durante uma turnê mundial que durou de fevereiro a outubro de 1990 e divulgou o álbum …But Seriously (1989), um dos melhores do astro pop. O repertório traz versões matadoras de Something Happened On The Way To Heaven e Don’t Forget My Number, além de megahits do calibre de Another Day In Paradise, In The Air Tonight e One More Night. Ele é acompanhado por uma super banda de 11 músicos, entre os quais os brilhantes Leland Sklar (baixo), Daryl Stuemer (guitarra) e Arnold McCuller (vocais de apoio).

A The Phil Collins Big Band existiu entre 1996 e 1998, e foi a realização de um antigo sonho de Collins, que sempre se declarou fã das big bands jazzísticas de Count Basie, Duke Ellington e do baterista Buddy Rich. Composta por 20 músicos, traz o músico britânico dedicando-se exclusivamente à bateria, tocando versões instrumentais de hits do Genesis e de sua carreira-solo, além de covers como Milestones (Miles Davis) e Pick Up The Pieces (matador hit setentista da banda funk Average White Band), e uma composição bem bacana do saxofonista da banda, Gerald Albright (Chips & Salsa).

Confira as faixas de Serious Hits… Live!:

1. ‘Something Happened On The Way To Heaven’
2. ‘Against All Odds (Take A Look At Me Now)’
3. ‘Who Said I Would’
4. ‘One More Night’
5. ‘Don’t Lose My Number’
6. ‘Do You Remember?’
7. ‘Another Day In Paradise’
8. ‘Separate Lives’
9. ‘In The Air Tonight’
10. ‘You Can’t Hurry Love’
11. ‘Two Hearts’
12. ‘Sussudio’
13. ‘A Groovy Kind of Love’
14. ‘Easy Lover’
15. ‘Take Me Home’

Confira as faixas de A Hot Night In Paris:

1. ‘Sussudio’
2. ‘That’s all’
3. ‘Invisible Touch’
4. ‘Chips & Salsa’
5. ‘Hold On My Heart’
6. ‘I Don’t Care Anymore’
7. ‘Milestones’
8. ‘Against All Odds’
9. ‘Pick Up The Pieces’
10. ‘The Los Endos Suite’

Serious Hits…Live- Phil Collins:

David Crosby surpreende com novo CD e um documentário

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Por Fabian Chacur

No incrível frescor de seus 77 anos de idade, David Crosby mostra estar mais produtivo do que nunca. Em outubro, lançou nos EUA o álbum Hear If You Listen, trabalho colaborativo ao lado dos músicos Michael League, Becca Stevens e Michelle Willis, seu quarto álbum em cinco anos. De quebra, será exibido pela primeira vez em janeiro de 2019, no festival de cinema Sundance, realizado anualmente em Park City, Utah (EUA), o documentário David Crosby: Remember My Name. Ufa!

Com direção a cargo do oscarizado diretor e jornalista Cameron Crowe (Quase Famosos, Jerry Maguire a Grande Virada), David Crosby: Remember My Name dá uma geral na incrível trajetória do lendário cantor, compositor e músico americano. Em entrevista à ABC Radio (EUA), ele comentou sobre o filme:

“Cameron me conhece muito bem, e é um ótimo entrevistador e um cara muito esperto. Ele me fez perguntas bem difíceis que eu respondi o mais honestamente que eu humanamente pude”. Ao contrário de outras atrações do gênero, Crosby garante que seu documentário tem poucas aparições de músicos e amigos famosos, com uma exceção: Roger McGuinn, seu parceiro nos Byrds, primeira banda de sucesso da qual fez parte, na década de 1960.

Inédito no Brasil, assim como os três álbuns anteriores (leia mais sobre esses trabalhos aqui), Hear If You Listen reúne Crosby com três músicos que marcaram presença nesses recentes CDs, mas que desta vez apareceram de forma mais efetiva, como se fossem uma banda. Eles atualmente fazem alguns shows pelos EUA, divulgando o álbum.

Ouça 1974, do CD Here If You Listen:

Made In Brazil faz dois shows com LP Paulicéia Desvairada

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Por Fabian Chacur

Há 40 anos, o grupo Made In Brazil lançou Paulicéia Desvairada, considerado por muitos o melhor álbum de suas cinco décadas de existência dedicadas ao velho e bom rock and roll. Como forma de celebrar essa efeméride bacana, a banda fará na próxima quarta-feira (21) em São Paulo dois shows, respectivamente às 18h e 21h, no Sesc 24 de Maio (rua 24 de Maio, nº 109- Centro- fone 0xx11-3350-6256), com ingressos de R$ 9,00 a R$ 30,00 para cada apresentação.

Paulicéia Desvairada é o terceiro álbum da banda dos irmãos Oswaldo Rock Vecchione (vocal, baixo, violão, guitarra e gaita) e Celso Kim Vecchione (guitarra, violão, baixo e teclados), e traz homenagem à mitológica Semana de Arte Moderna Moderna de 1922, especialmente ao seu lado criativo e rompedor de barreiras. O álbum contou com a coprodução do lendário e saudoso jornalista e crítico musical Ezequiel Neves, que depois trabalharia com o Barão Vermelho.

Com 12 músicas, o LP (posteriormente relançado em CD) mostra rocks certeiros, baladas bem bacanas e blues, também, além de vocais de apoio femininos e metais. Entre outras, destacam-se a faixa titulo, Gasolina, Eu Vou Estar Com Você, Massacre, Uma Banda Made In Brazil, Massacre e Chuva. O set list dos shows trará todas essas 12 canções, e provavelmente mais alguns hits dessa banda seminal.

Além dos irmãos Vecchione, a atual formação do Made conta com Rick R.Monstrinho Vecchione (bateria), Guilherme Ziggy Mendonça (guitarra e violão), Octavio Lopes Garcia Bangla (sax), Solange Sol Blessa (vocais de apoio) e Thiago Mineiro Tavares (teclados).

Teremos como músicos convidados feras que participaram do disco e da turnê de divulgação do mesmo na época. São eles Caio Flávio (vocais), Tony Babalu (guitarra e violão), Lucinha Turnbull (vocal), Tibet (vocal), Rubens Rubão Nardo (vocal) e Naná Fernandes (guitarra). “A festa vai continuar até o mundo acabar”, como dizem versos do rockão que dá nome a esse álbum tão bacana. Uma noitada que promete se tornar histórica no centro de Sampa City!

Paulicéia Desvairada- ouça em streaming:

David Bowie em um CD duplo gravado ao vivo em tour de 78

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Por Fabian Chacur

Welcome To The Blackout (Live London ’78) é um CD duplo inédito de David Bowie gravado ao vivo durante sua turnê Isolar II realizada entre março e dezembro de 1978 e lançado no Brasil pela Warner em formato físico. Como já havia saído naquela época um álbum duplo ao vivo registrado na mesma tour, Stage, a pergunta inicial é: seria este novo lançamento indicado apenas aos colecionadores mais fanáticos e a completistas de plantão? A resposta é um solene e categórico não.

Logo de cara, vale a pena levar em conta as datas em que esses álbuns foram gravados. Stage é oriundo de shows realizados em 28 e 29 de abril e 5 e 6 de maio de 1978 em Filadélfia, Boston e Providence, nos EUA, quando tínhamos por volta de 20 shows realizados da Isolar II Tour. Welcome To The Blackout saiu de registros feitos nos dias 30 de junho e 1º de julho daquele mesmo ano, em Earls Court, Londres, com mais de 50 shows da turnê já feitos. Ou seja, este último álbum traz um show mais bem concatenado.

O set list de Welcome To The Blackout é basicamente o mesmo dos shows de 1978, enquanto o de Stage traz uma ordem de músicas bem diferente. Vale registrar que a reedição em CD de Stage lançada em 2005 apresenta pela primeira vez o set list original das apresentações ao vivo, sendo que a recentemente lançada caixa A New Career in a New Town (1977–1982) traz as duas versões desse álbum em seu conteúdo.

A Isolar II Tour mostrava um David Bowie investindo na sonoridade eletrônica, experimental e um pouco mais introspectiva do que em eras anteriores de sua trajetória, cujas marcas são exatamente os dois álbuns que ele lançou em 1977, Low e Heroes, e cujos repertórios são a base dos set list de Welcome To The Blackout. Completam o repertório diversas músicas de Ziggy Stardust (1972) e algumas outras pinçadas dos outros álbuns, devidamente adequadas à sonoridade daquela turnê.

Como de praxe em toa a trajetória de Bowie, a banda de apoio é excepcional, trazendo como destaques os guitarristas Adrian Belew e Carlos Alomar, o tecladista Roger Powell e o baterista Dennis Davis. Um time afiado, que criou uma moldura sonora tensa, urbana, claustrofóbica e metódica, mais do que adequada à performance estupenda de Bowie como cantor, apostando bem nas regiões mais graves de sua voz.

Das 24 músicas apresentadas, algumas delas instrumentais (como Warszawa e Sense Of Doubt), destacam-se as sublimes Heroes, Beauty And The Beast, Sound And Vision, Fame, Blackout e Station To Station, assim como uma hipnótica e insana releitura de Alabama Song (de Kurt Weill e Bertold Brecht, da década de 1920 e regravada pelos Doors em 1967). Mas, a rigor, não há uma única música fraca ou irregular.

Welcome To The Blackout (Live London ’78) flagra um dos maiores gênios da história do rock em um momento de criação fervilhante, no qual suas performances ao vivo se mostravam absolutamente essenciais para se ter uma ideia total da qualidade de seu trabalho. Ah, e mais uma vantagem deste álbum em relação a Stage: a capa, muito mais expressiva. O encarte traz belas fotos em preto e branco e uma resenha do show publicada na época. Para ouvir uma, duas, três, mil vezes.

Welcome To The Blackout-Live London ’78- ouça em streaming:

Gerson Conrad canta músicas do novo álbum em São Paulo

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Por Fabian Chacur

Foram precisos apenas dois álbuns, lançados em 1973 e 1974, para que os Secos & Molhados se tornassem um dos grupos de maior impacto da história da música brasileira. Gerson Conrad, um de seus integrantes ao lado de Ney Matogrosso e João Ricardo, seguiu em frente após a separação da formação clássica da banda com uma carreira solo discreta e bacana. Ele lança o CD Lago Azul com show em São Paulo nesta sexta (5) às 21h, no Teatro UMC (Avenida Imperatriz Leopoldina, nº 550- Vila Leopoldina- fone 0xx11-3476-6403), com ingressos a R$ 25,00 (meia) e R$ 50,00 (inteira).

Nos Secos & Molhados, Gerson cantava e tocava violão. Compôs apenas duas músicas nos dois discos de estúdio que consagram a banda, Delírio (parceria com Paulinho Mendonça) e antológica Rosa de Hiroshima (poema de Vinícius de Moraes musicado por ele). Em 1975, logo após o fim do trio original, lançou o LP Gerson Conrad e Zezé Motta, em parceria com a cantora e atriz e com letras de Paulinho Mendonça.

O primeiro disco totalmente solo, Rosto Marcado, viria em 1981. Desde então, ficou longe dos estúdios, embora sempre fazendo shows, até chegar a Lago Azul, lançado em CD e em formato digital pela gravadora Deck. O álbum traz 12 composições autorais, escritas por ele em parceria com o fiel parceiro Paulinho Mendonça e também com Alessandro Uccello, Pedro Levitch e Aru Jr.

Além das músicas do novo trabalho, entre as quais Teias, que está sendo divulgada com um clipe muito bacana com cenas registradas durante as gravações do CD e também no centro de São Paulo, Gerson também trará músicas dos S&M. Sua banda, a Trupi, é integrada por Aru Jr. (guitarra e vocal), Chico Weiss (teclados), Fernando Faustino (bateria), Gustavo Aldab (baixo e cello), Kyra Cherry (voz e percussão) e Walter Mourão (guitarra e voz), além dele no vocal principal e violão.

Teias (clipe)- Gerson Conrad:

Marty Balin, cantor da banda Jefferson Airplane, nos deixa

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Por Fabian Chacur

Em 1978, uma das canções da trilha internacional da novela global O Pulo do Gato me conquistou por completo. Era Count On Me, do grupo americano Jefferson Starship, maravilhosa balada rock que tinha como destaque a bela interpretação de um de seus cantores, Marty Balin. Esse incrível vocalista, compositor e fundador de outra banda seminal, a Jefferson Airplane, nos deixou nesta quinta-feira (27), aos 76 anos. Uma enorme perda para o rock.

A morte de Balin foi anunciada nesta sexta-feira (28) por sua esposa, Susan Joy Balin, sem que as causas tenham sido reveladas. O artista sofreu em 2016 um ataque cardíaco que lhe deixou sequelas. A parceira, com quem teve duas filhas, divulgou um belo texto sobre o parceiro:
“Marty e eu dividimos o mais profundo amor- ele frequentemente chamava isso de nirvana-e era mesmo. Éramos todos envolvidos pelo seu amor, e sua presença estará para sempre comigo”.

Martyn Jerel Buckwald, que adotou em 1962 o nome artístico Marty Balin, nasceu em 30 de janeiro de 1942. Ele inicialmente enveredou pela música folk, mas aos poucos se envolveu com o rock. Em 1965, fundou em San Francisco o clube The Matrix, e lá surgiu a semente do que seria uma das bandas mais importantes da história do rock, a Jefferson Airplane, que teve início quando ele conheceu o cantor, compositor e músico Paul Kantner (que nos deixou em 2016, leia aqui)

O primeiro álbum do grupo saiu em 1966. No ano seguinte, seu segundo trabalho, Surrealistic Pillow, ganhou as paradas de sucesso e levou ao resto do mundo o rock psicodélico. Na banda, Marty era a voz mais apaixonada, normalmente compondo canções de amor como It’s No Secret e Today. A combinação de seus vocais com os de Kantner e da incrível Grace Slick deram à banda um material muito rico, que complementado por Jorma Kaukonen (guitarra), Spencer Dryden (bateria) e Jack Casady (baixo) gerou ouro puro.

Em 1970, no entanto, Balin preferiu seguir outros rumos, e largou o Airplane, que, não por acaso, entrou em uma fase de altos e baixos que culminou com o seu fim, lá pelos idos de 1973. No entanto, no ano seguinte, Kantner e Slick resolveram criar uma nova banda, agora intitulada Jefferson Starship, e Marty entrou nela quando seu primeiro álbum já estava praticamente pronto. Só que o grande hit daquele LP foi precisamente a faixa dele, Caroline.

Até o fim dos anos 1970, o Starship virou uma máquina de hits, entre os quais Miracles e a minha amada Count On Me. Em 1981, já fora da banda, Marty Balin iniciou a sério uma carreira-solo, que já no primeiro álbum rendeu um belo hit, a bela canção Hearts, de autoria do mesmo autor de Count On Me (Jesse Barish), que atingiu o oitavo posto na parada americana de singles. Mas seu sucesso comercial individual parou por aí.

O Jefferson Airplane e o Jefferson Starship teriam breves retornos com Balin nos anos 1980 e 1990, e o artista também investiu em lançamentos individuais, sendo que o último, The Greatest Love, saiu em 2016. Vale lembrar que Marty Balin era um grande performer ao vivo, e sofreu um terrível ataque em 1969 durante o show do Airplane no malfadado festival de rock de Altamont, capitaneado pelos Rolling Stones nos EUA e de triste memória.

Count On Me– Jefferson Airplane:

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