Mondo Pop

O pop de ontem, hoje, e amanhã...

Category: Grandes nomes esquecidos (page 1 of 7)

Jimi Hendrix, o cara que ajudou o rock a expandir seus horizontes

jimi hendrix

Por Fabian Chacur

Durante seus primeiros anos de existência, nos anos 1950, o rock and roll era tido pelos “críticos” como nada além de mais uma modinha que, em pouco tempo, daria lugar a outra. Nem mesmo a existência de vários gênios na chamada primeira geração roqueira levava tais analistas a admitirem uma possível vida longa para tal estilo musical. Pois foi o saudoso Jimi Hendrix, que nos deixou há exatos 50 anos, um dos maiores responsáveis pelo rock ganhar um merecido reconhecimento e respeito por parte de mídia e público.

A trajetória desse cantor, compositor e guitarrista norte-americano nascido em Seattle, Washington em 27 de novembro de 1942 é surpreendente por quaisquer ângulos que você as analise. Fruto do relacionamento de uma índia com um negro, teve na miscigenação sonora sua marca registrada. Barreiras nunca lhe interessaram. A música que criou traz elementos de rock, blues, jazz, soul, pop, latinidade e o que mais pintasse à sua frente. A forma como misturava isso tudo era simplesmente única e original.

Ele esteve em estúdios de gravação de 1964 a 1970, inicialmente participando de gravações dos Isley Brothers e Little Richard e a partir de 1966 se dedicando à própria carreira. Portanto, um curto período de tempo. No entanto, sua produção durante esse período foi suficiente não só para firmá-lo como um dos maiores nomes do rock do seu tempo, como também para gerar inúmeros lançamentos póstumos, possivelmente o artista como maior números de álbuns post mortem de todos os tempos. E material de alta qualidade, vale ressaltar.

A predisposição de Hendrix a novas experiências pode ser medida por vários detalhes em sua carreira. Americano, só se tornou um nome conhecido mundialmente ao se mudar para a Inglaterra no final de 1966, levado para lá pelo ex-baixista dos Animals, Chass Chandler, que resolveu se tornar seu produtor, manager e o que mais pintasse. Os EUA a rigor só deram a ele o devido valor após sua avassaladora performance no Festival de Monterey, em 1967.

Ao chegar em Londres, nosso herói se mostrou ousado ao convidar dois músicos brancos e ingleses, o baixista Noel Redding (1945-2003) e o baterista Mitch Mitchell (1946-2008) para integrarem o seu grupo, o The Jimi Hendrix Experience. Se até hoje há quem se espante (sabe-se lá porque…) ao ver negros tocando rock, imaginem um músico com essa cor liderando uma banda ao lado de dois branquelos. Mas ele encarou esse desafio sem medo, e se deu bem.

Depois, de certa forma pressionado pelo crescimento do movimento negro nos EUA, e também por problemas de relacionamento com Noel Redding, ele montou um grupo só de negros, a Band Of Gypsys, ao lado do colega de exército Billy Cox (baixo) e de Buddy Miles (bateria), com quem gravou um disco ao vivo em 1969. Mas Mitchell voltaria a ser seu baterista, miscigenando tudo de novo.

Hendrix pode ser considerado o cara que tornou o formato de trio guitarra-baixo-bateria como clássica opção na cena do rock, ao lado do contemporâneo Cream. Desde então, não foram poucos os que abraçaram esse conceito, uns investindo no virtuosismo, outros no minimalismo básico. The Police, Rush, Motorhead, Stray Cats, a lista vai longe.

Sempre inquieto, Hendrix buscou expandir os limites da guitarra enquanto instrumento musical, valendo-se de pedais de efeito e amplificadores que ajudou a aperfeiçoar e e levar a Fender Stratocaster a se tornar um dos modelos mais icônicos de guitarra de todos os tempos. Ele literalmente vestia o instrumento, fazia amor com ele no palco e, sem dó nem piedade, ateou fogo nele em diversas ocasiões. No palco, o sujeito era um monstro.

Sua versatilidade também se mostrou importante em relação ao material que gravava e tocava nos shows. Ele se mostrava brilhante tanto ao interpretar composições próprias fantásticas como Little Wing, Wait Until Tomorrow, Purple Haze e Voodo Child (Slight Return) como ao reler com assinatura absolutamente original material alheio como All Along The Watchtower (Bob Dylan), Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band (The Beatles) e Hey Joe (Billy Roberts).

Mesmo a voz, que alguns colocam em segundo plano diante de sua imensa qualidade como guitarrista e compositor, sempre se mostrou outro ponto forte a seu favor. Hendrix sabia encarar cada canção com um timbre vocal poderoso, próprio e original, sem nunca se deixar levar por virtuosismos.

Enquanto esteve entre nós, o astro americano só lançou três álbuns de estúdio- Are You Experienced(1967), Axis: Bold As Love (1967) e o álbum-duplo Electric Ladyland (1968), além do ao vivo com composições inéditas Band Of Gypsys (1969) e a coletânea Smash Hits (1967, reunindo algumas músicas só lançadas antes em compactos simples de vinil).

São trabalhos excelentes, e é melhor optar por eles em um primeiro momento. Se quiser escolher um para começar sua imersão em Jimi Hendrix, minha dica é o maravilhoso Axis: Bold As Love, que traz sua canção mais icônica, Little Wing e muito mais. Do material póstumo de estúdio, muita coisa foi lançada em vinil e posteriormente em CD, com diversas sequências de faixas. Nunca saberemos como ele teria as agrupado ou mesmo quais teriam sido lançadas ou não, mas vale a curiosidade, pois tem muita coisa boa nesse meio.

Das gravações ao vivo, as mais recomendáveis são as que registram suas performances avassaladoras nos festivais de Monterey e Woodstock, sendo que você encontra esses shows registrados em álbuns de áudio e também em DVDs.

Há pessoas que parecem saber que não irão viver por muito tempo, e, por isso, vivem de forma intensa. Hendrix se encaixa feito luva nessa definição. Se nos deixou com apenas 27 anos de idade, produziu nesse curtíssimo período de vida um legado artístico que continuará relevante enquanto houver vida inteligente.

Hendrix morreu de forma acidental, tendo sido, como certa vez definiu para mim o amigo Ayrton Mugnaini Jr., “um artista profissional e um ser humano amador”. Ele não deu conta de tanta badalação, tanto sucesso, tantas tentações que não soube controlar. Uma pena.

Ouça alguns dos grandes clássicos de Jimi Hendrix:

Eumir Deodato e eu, em 1992, falando sobre Kool & The Gang

eumir deodato

Por Fabian Chacur

Existem profissionais que possuem currículos imensos, e o músico, arranjador. compositor e produtor carioca Eumir Deodato certamente é um deles. Trabalhou com Frank Sinatra, Tom Jobim, Aretha Franklin, Roberta Flack e inúmeros outros, além de desenvolver uma carreira-solo de muito sucesso. No entanto, quando tive a honra de entrevistá-lo, em São Paulo, para o Diário Popular, no dia 14 de julho de 1992, eu só conseguia pensar em um item dessa trajetória brilhante: ele tinha sido o produtor do grupo americano Kool & The Gang de 1979 a 1982.

Conheci o trabalho do Kool & The Gang de forma pitoresca. Sua música intitulada Kool & The Gang, de 1970, era utilizada pela TV Bandeirantes, no Brasil, nos comerciais e na hora da exibição da série americana Jeannie é um Gênio.

Começava ali uma relação de pura paixão, que culminou quando comprei, ao completar 18 anos de idade, o maravilhoso álbum Ladies Night (1979), um dos meus discos favoritos de todos os tempos. E o produtor desse trabalho é ninguém menos do que Eumir Deodato. Logo…

Radicado nos EUA desde 1967, Deodato voltava ao Brasil para o seu primeiro concerto no país desde então. A ocasião era mais do que nobre: participar do Projeto Memória Brasileira-Série Arranjadores, em apresentação que homenagearia o grande Lyrio Panicali (1906-1984) e também outra fera do mesmo calibre, Léo Peracchi (1911-1993), que não esteve no show por recomendações médicas e nos deixaria meses depois.

Além do meu entrevistado, também participaram do evento, realizado no dia 16 de julho de 1992 no Teatro Cultura Artística, em São Paulo, a Orquestra Experimental de Repertório (regida por Jamil Maluf e Luis Gustavo Petri), alguns integrantes da Banda Savana e os craques Alex Malheiros (baixo), Victor Biglione (guitarra) e Pascoal Meirelles (bateria).

Bastante simpático e de temperamento forte,Deodato me falou sobre o projeto. Depois de conseguir as informações que precisava sobre o tema principal de nosso papo, respirei fundo e comecei a fazer perguntas sobre a sua parceria de quatro anos com o Kool & The Gang. Para minha felicidade, ele não se opôs a falar sobre o tema, e me passou algumas informações muito bacanas.

Ao iniciar o seu trabalho com a banda americana criada pelos talentosos irmãos Ronald “Khalis Bayyan” (leia mais sobre ele e a banda aqui) e Robert “Kool” Bell, sua primeira sugestão foi que eles escalassem um vocalista principal, e foi nessa brecha que entrou no time o cantor James J.T. Taylor.

Segundo Deodato, ele atuava na parte técnica das gravações e também em termos de arranjos, tendo criado algumas introduções e ganchos importantes das músicas deles naquele período, incluindo Ladies Night e várias outras. Ele também tocou teclados em algumas das faixas.

Ele assinou a produção dos álbuns Ladies Night (1979), Celebrate! (1980), Something Special (1981) e As One (1982), todos com ótimas vendagens e geradores de uma série de hits. O fim da parceria entre eles foi sem dramas, se bem me lembro de sua resposta.

O mais divertido, digamos assim, ficou pela lembrança de que, alguns anos depois, ele chegou a negociar para produzir o que viria a ser o primeiro disco solo de J.T. Taylor. A razão pela qual o projeto não se concretizou, ele definiu em uma frase bem direta: “que cara mesquinho!”. A equipe da casa de shows Via Funchal, que iria trazer o ex-cantor do Kool & The Gang para shows por aqui há alguns anos, certamente concorda com a opinião de Deodato, pois o cara lhes deu um baile, cancelando quase que em cima da hora as apresentações.

Lógico que eu não perderia a chance de pedir um autógrafo a Eumir Deodato, e levei para esse fim seu primeiro álbum-solo internacional, o sublime Prelude (1973- CTI Records, saiu aqui em vinil na época pela Top Tape com capa dupla), que traz sua matadora releitura de Also Sprach Zarathustra, de Richard Strauss. Só que, na hora do “vamos ver”, a minha caneta Bic não “pegava” na capa. E aí?

Bem, resolvi da melhor forma possível: pedi o autógrafo na contracapa da pasta que trazia os releases do evento e sobre Deodato, e lá ele escreveu: “ao Fabian, com meus melhores votos de boa sorte etc…” Era o final daquele delicioso encontro com um dos músicos brasileiros mais conceituados no exterior.

Get Down On it (clipe)- Kool & The Gang:

Ronald Bell, 68 anos, um dos criadores do Kool & The Gang

ronald bell

Por Fabian Chacur

Chega a ser sintomático o autor de uma das músicas mais alegres e festivas de todos os tempos nos deixar em um ano tão terrível como este 2020. Foi exatamente o que ocorreu na manhã desta quarta-feira (9). O compositor, produtor e multi-instrumentista Ronald Bell, também conhecido por seu nome muçulmano Khalis Bayyan, um dos fundadores da seminal banda americana Kool & The Gang e autor, entre diversos outros megahits, da contagiante Celebration, deixou-nos aos 68 anos, em sua casa nas Ilhas Virgens, de forma repentina e de causa ainda não revelada.

Ronald nasceu em 1º de novembro de 1951, irmão mais novo de outro cofundador e integrante do grupo que o tornou famoso, o baixista Robert “Kool” Bell (que veio ao mundo no dia 8 de outubro de 1950). Filhos de um boxeador que viajava pelo país no circuito de lutas para defender o pão de cada dia e ficou amigo de músicos de jazz como Miles Davis e Thelonius Monk, foi assim que os garotos tiveram acesso a música de boa qualidade.

Em 1964, junto com o baterista e compositor George Brown e outros amigos, criaram em Jersey City, New Jersey (para onde haviam se mudado quatro anos antes, de Youngstown, Ohio) uma banda inicialmente denominada Jazziacs, nome que foi se alterando até chegar em 1969 ao batismo definitivo, mesmo ano em que assinaram com a gravadora De-Lite.

Seu primeiro álbum, autointitulado e todo instrumental, trouxe como destaque a faixa Kool & The Gang, seu primeiro hit lançada como single e curiosamente utilizada, pela TV Bandeirantes no Brasil, como música de abertura para o seriado Jeannie é um Gênio. Seu som dançante, mesclando o então efervescente funk com jazz, pegou no breu de vez em 1973 com seu quarto álbum de estúdio, Wild And Peaceful.

É deste álbum (nº 33 na parada pop) que fazem parte três faixas que renderam aos irmãos Bell os primeiros grandes hits nos charts americanos, as sensacionais Jungle Boogie (nº 4 entre os singles, escrita por Ronald e incluída com destaque em 1994 na célebre trilha sonora do filme Pulp Fiction, de Quentin Tarantino), Hollywood Swinging (nº 6 na parada pop) e Funky Stuff (nº 29 na parada pop).

Logo a seguir, no entanto, a banda entrou em uma fase difícil em termos de popularidade, especialmente com a ascensão da disco music. Ao tentarem inicialmente se adaptar ao novo som, não se deram muito bem. Um consolo bacana ocorreu com a inclusão da faixa-título de seu álbum de 1976, Open Sesame, composição de Ronald que na época vendeu muito pouco, na multiplatinada trilha sonora do filme Os Embalos de Sábado à Noite (1977).

A saída para a crise teve origem brasileira. O produtor Eumir Deodato, radicado há anos nos EUA e muito bem-sucedido em uma carreira solo, aceitou o convite para produzi-los, e de cara deu uma sugestão que se mostrou acertadíssima. A ideia era deixar de lado os vocais em uníssono que os marcavam e contratar um vocalista principal, que veio a ser James J.T. Taylor.

A nova roupagem do Kool & The Gang veio à tona em 1979 com o álbum Ladies Night, com seis faixas matadoras, entre elas os hits Ladies Night e Too Hot. O álbum atingiu o 13º lugar na parada pop, uma entrada triunfante da banda no primeiro escalão da música pop.

Em 1980, inspirado em versos de Ladies Night, Khalis Bayyan resolveu escrever uma canção para virar uma espécie de hino de festas. Nascia Celebration, que atingiu o primeiro lugar na parada pop no formato single e impulsionou o álbum do qual faz parte, Celebrate!, rumo ao 10º lugar nos EUA e a vender mais de um milhão de cópias, primeiro disco de platina dos rapazes.

A parceria com Eumir Deodato renderia mais dois álbuns de muito sucesso, Something Special (1981), 12º lugar nos EUA e trazendo os hits Take My Heart (You Can Have It) e Get Down On It, e As One (1982), 29º lugar nos EUA com a salerosa Let’s Go Dancin’ (Oh La La La). A mistura de disco music, funk e pop dessa era se mostrava imbatível.

Em 1983, no entanto, Eumir deixou de trabalhar com o grupo, e Khalis Bayyan passou a ser produtor ou coprodutor dos próximos trabalhos, deixando aos poucos de participar dos shows. Nos estúdios, ele mostrava sua versatilidade tocando sax tenor, flauta, teclados, clavinete, sintetizadores e percussão.

Sem Deodato, o Kool & The Gang ainda se manteria disputando os primeiros lugares dos charts até 1986, emplacando sucessos como Joanna, Tonight, Fresh e Cherish (de Bayyan). Em 1988, com a saída do vocalista James J.T. Taylor rumo a uma carreira-solo, a banda viu sua mágica comercial cair por terra, sendo que o cantor também não se deu tão bem com a mudança.

Houve um reencontro entre J.T. e a banda em 1996, que teve como marca o lançamento do álbum State Of Affairs naquele mesmo ano, mas nada aconteceu, e o cantor saiu fora de novo em 1999. Seja como for, o Kool & The Gang se manteve na estrada fazendo shows e animando as festas pelo mundo afora.

Outra tentativa de reativar o seu poder em termos comerciais ocorreu em 2005, quando saiu o álbum-duplo The Hits Reloaded (saiu no Brasil pela extinta Indie Records), no qual o grupo releu alguns de seus grandes sucessos em novas versões ao lado de nomes das novas gerações como Lisa Stansfield, Angie Stone, Lauryn Hill, Youssou N’Dour, Jamiroquai, Beverley Knight e Tony Hadley, mas infelizmente não deu certo. O grupo se apresentou no Brasil em 2008 e 2011.

Ouça o álbum Ladies Night na íntegra em streaming:

Trini Lopez, 83 anos, um dos grandes pioneiros do rock latino

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Por Fabian Chacur

Desde o seu surgimento, o rock teve várias vertentes, e uma delas foi aquela com elementos latinos. Pode-se dizer que o pioneiro dessa história foi Ritchie Valens (1941-1959) com uma bela releitura da canção de origem folclórica La Bamba. Com sua morte prematura, a vaga de latin rocker ficou em aberto, e coube a Trini Lopez dar sequência a essa linha roqueira com grande sucesso, especialmente nos anos 1960. Este cantor, guitarrista, compositor americano nos deixou nesta terça-feira (11) aos 83 anos de idade em Palm Springs, Califórnia, mais uma vítima da Covid-19.

Trinidad Lopez III nasceu em 15 de maio de 1937 em Dallas, Texas, filho de um mexicano com raízes no mundo da música e do entretenimento. Com 15 anos de idade, montou sua primeira banda. Em 1957, tentou a sorte com o produtor Normam Petty, o responsável pelo estouro de Buddy Holly, e através dele conseguiu seu primeiro contrato com uma gravadora, já como artista solo. Era o início de anos de muita batalha, vários singles lançados e pouco ou nenhum sucesso em termos de vendas. Mas ele não baixou a guarda.

No final de 1962, uma nova conexão com o saudoso Holly ocorreu, ao ser convidado pelo produtor Snuff Garrett (que trabalhou com Bobby Vee, Johnny Burnette e Del Shannon) para fazer um teste como vocalista da antiga banda do autor de Peggy Sue, os Crickets. Infelizmente, não rolou química entre eles.

Sem desanimar, Trini aceitou o convite de um night club de Los Angeles, o PJ’s, e ficou por lá como músico residente. Aos poucos, criou um público cativo e não demorou para atrair peixes graúdos para vê-lo ao vivo, com suas releituras de clássicos do folk, pop e música latina com uma batida de guitarra sacudida e única. Um desses famosos foi Frank Sinatra, que resolveu oferecer a ele um contrato com sua gravadora, a Reprise.

Pelo novo selo, ele gravou o seu primeiro álbum, Trini Lopez At PJ’s, lançado em 1963 e gravado ao vivo no local que o projetou. A seu lado, apenas dois músicos, o baixista Dick Brant e o baterista Mickey Jones, este último posteriormente famoso por tocar com Bob Dylan em sua histórica turnê pela Inglaterra em 1966 e ao lado de Kenny Rogers no grupo First Edition.

A faixa If I Had a Hammer, clássico folk de Peter Seeger lançado originalmente em 1949, tornou-se um hit instantâneo, atingindo o terceiro lugar na parada americana de singles. A versão de Lopez incentivaria uma versão em italiano, Datemi Un Martello, que em 1964 estouraria na voz da cantora Rita Pavone.

O álbum, no qual se destaca a voz deliciosa e a guitarra rítmica de Lopez, trazia muitos outras gravações que se tornariam clássicas, como A-Me-Ri-Ca (do musical West Side Story e incluída, em 1976, na trilha sonora da novela global Estúpido Cupido), Cielito Lindo, La Bamba e Bye Bye Blackbird.

Resultado: Trini Lopez At PJ’s vendeu mais de um milhão de cópias nos EUA, onde atingiu o segundo lugar entre os álbuns mais vendidos em 1963, e invadiu as paradas de sucesso de quase 40 países. O sucesso foi tanto que, no Brasil, surgiu até mesmo um clone, Prini Lorez, que se aproveitou da demora do lançamento das gravações originais para faturar bastante com seus covers caprichados das músicas do repertório do cantor americano.

Nos anos seguintes, o artista emplacou mais alguns álbuns de sucesso, entre os quais podem ser destacados More Trini Lopez At PJ’s (1963- nª 11 nos EUA), On The Move (1964- nº 32 nos EUA), The Latin Album (1964- nº 18 nos EUA) e The Folk Album (1965- nº 18 nos EUA).

Em 1969, fez um especial para a rede americana de TV ABC acompanhado pelo seminal grupo de rock instrumental ianque The Ventures, e um álbum, The Trini Lopez Show, foi gerado dessa parceria histórica.

A partir dos anos 1970, o sucesso de Trini Lopez em discos se reduziu de forma significativa, mas seus shows pelos EUA, América Latina e Europa continuaram concorridos, incluindo temporadas milionárias em Las Vegas. Ele também atuou como ator em filmes, boa parte deles de pouca repercussão, e em 1978 tentou acenar às novas gerações adaptando os seus hits para a batida da disco music no fracassado álbum Transformed By Time.

Uma parceria marcante o reuniu em 2013 ao maestro holandês Andre Rieu. O seu álbum mais recente, Into The Future, saiu em 2011. Um dos episódios da série A História Secreta do Pop Brasileiro, lançada em 2019, mostra uma entrevista com Trini Lopez na qual ele ouve um disco de Prini Lorez, e elogia a performance do artista brasileiro. Seus discos foram presença indispensável nos bailinhos dos jovens dos anos 1960, e certamente influenciaram artistas como Carlos Santana e tantos outros, com seu convite saleroso e roqueiro à dança.

Ouça Live At PJ’s, deTrini Lopez, na íntegra:

Renato Barros, grande guitarrista compositor e autor de versões

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Por Fabian Chacur

Renato Barros prestou grandes serviços ao rock brasileiro. Guitarrista, compositor, autor de versões, vocalista, esse artista carioca foi um dos nomes mais produtivos e importantes para a consolidação desse estilo musical no Brasil, especialmente nos anos da Jovem Guarda. Ele infelizmente nos deixou nesta terça-feira (28) aos 76 anos de idade. Ele estava internado desde o dia 17 na UTI do Hospital das Clínicas no bairro carioca de Jacarepaguá, onde teve de ser operado do coração, e problemas pulmonares o vitimaram.

Nascido no Rio de Janeiro no dia 27 de setembro de 1943, Renato criou um grupo musical com os irmãos Ed Wilson e Paulo Cesar Barros em 1959, inicialmente com o nome Os Bacaninhas do Rock da Piedade, em homenagem ao bairro no qual moravam. Algum tempo depois, foram batizados como Renato e Seus Blue Caps, inspirados na banda que acompanhava um dos grandes astros da era inicial do rock, Gene Vincent, do hit Be Bop a Lula.

Ed Wilson saiu da banda logo em sua fase inicial para investir em uma carreira-solo. Em 1963, o autointitulado segundo álbum da banda trazia como vocalista e guitarrista-base ninguém menos do que o então ainda desconhecido Erasmo Carlos, que logo saiu fora. As coisas começaram a andar para a banda quando assinaram com a gravadora CBS. Lá, não só participaram de discos de artistas como Roberto Carlos como passaram a lançar seus próprios trabalhos.

Uma das marcas registradas do grupo carioca foi o fato de gravarem inúmeras versões de músicas dos Beatles, então invadindo as paradas de sucesso de todo o mundo. Algumas delas fizeram mais sucesso no Brasil com eles do que com os Fab Four, entre as quais Menina Linda (I Should Have Known Better) e Feche os Olhos (All My Loving), estas com letras em português de autoria de Renato. Lilian Knapp e Rossini Pinto assinaram outras versões gravadas pela banda.

Um dos grandes méritos de Renato e Seus Blue Caps era a qualidade técnica de suas gravações, podendo ser considerados um dos primeiros grupos de rock no Brasil a conseguir um som à altura dos americanos e ingleses, e a guitarra personalizada de Renato era marcante nesse coquetel sonoro.

O talento de Renato Barros como compositor também era dos melhores. Roberto Carlos gravou composições dele como Você Não Serve Pra Mim, O Feio (em parceria com Getúlio Côrtes), Não Há Dinheiro Que Pague, Maior Que o Meu Amor e Você Não Sabe o Que Vai Perder.

Em parceria com a amiga Lilian Knapp, ele escreveu Devolva-me, grande sucesso nos anos 1960 com Leno & Lilian e, décadas depois, na inspirada releitura de Adriana Calcanhoto. Outros artistas que gravaram composições de Renato foram Wanderley Cardoso, Jerry Adriani, Wanderléa e Erasmo Carlos.

Os discos de Renato e Seus Blue Caps marcaram época e anos depois continuaram sendo valorizados entre os apreciadores de rock. Não só os brasileiros, por sinal. O jornalista, crítico e pesquisador musical Ayrton Mugnaini Jr., por exemplo, disse que vários colecionadores internacionais iam atrás desses LPs, sendo que eles definiam a banda, de forma muito feliz, por sinal, como “folk rock from Brazil”, na linha dos americanos Byrds.

Além das músicas dos Beatles, Renato e Seus Blue Caps também investiram em versões em português para hits de outros artistas, como The Mamas And The Papas (California Dreamin’Não Te Esquecerei) e Gerry And The Pacemakers (It’s Gonna Be All RightVocê Não Soube Amar). Eles também gravaram composições de um certo Raulzito, antes de ele estourar como Raul Seixas.

A partir dos anos 1970, o sucesso comercial da banda teve uma queda, embora vez por outra emplacassem hits como Será Mentira ou Será Verdade? (versão de Será Mentira O Será Verdad, de Salvador Bellone), de 1972. Renato também atuou como produtor de artistas populares do cast de sua gravadora.

Em 1981, Renato e Seus Blue Caps lançam seu último álbum de carreira pela CBS. A partir desse momento, passaram a lançar discos de forma muito mais esparsa, mas nunca saíram da estrada, fazendo shows pelos quatro cantos do país, com variáveis formações, mas sempre com o líder Renato em cena. Curiosidade: ele lançou em 1972 um disco como Richard Brown And His Orquestra, cantando hits alheios em inglês.

Até o Fim (You Won’t See Me)– Renato e Seus Blue Caps:

Peter Green, um inglês que ajudou na renovação do blues

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Por Fabian Chacur

Se o blues foi criado nos EUA por geniais músicos locais, também é fato que este seminal gênero musical só foi resgatado e tomou proporções mundiais graças a uma série de músicos britânicos nos anos 1960, período em que o americano pouco ou nada o valorizava. Entre os principais nomes deste revival temos o cantor, compositor e guitarrista britânico Peter Green, cofundador do Fleetwood Mac, que nos deixou neste sábado (25) aos 73 anos de causas naturais, segundo informação de seus advogados.

Filho de judeus radicados na Inglaterra, Peter Allen Greenbaum nasceu em 29 de outubro de 1946 em Bethnal Green, Londres. Ele tocou em pequenas bandas e aos poucos aprimorou sua performance na guitarra e vocais a ponto de ser convidado para substituir Eric Clapton em 1966 no grupo John Mayall & The Bluesbreakers, um dos mais importantes da cena britânica de blues. Lá, conheceu o baixista John McVie e o baterista Mick Fleetwood.

Após gravar com a banda o álbum A Hard Road (fevereiro de 1967), no qual incluiu duas composições de sua autoria (The Same Way e The Supernatural) e participar de mais algumas gravações com eles, resolveu que havia chegado a hora de montar a sua própria banda, e convidou, além de Mick Fleetwood, o guitarrista Jeremy Spencer e o baixista Bob Brunning.

Com o amigo John McVie (que também saiu dos Bluesbreakers) na vaga de Brunning, este novo grupo, o Fleetwood Mac, rapidamente se mostrou com muito poder de fogo. O álbum de estreia, autointitulado (que alguns apelidaram de “o LP da lata de lixo”, por causa da capa) e lançado em 1968, mesclava releituras de clássicos do blues como Shake Your Money Maker (Elmore James) a composições de Peter Green como Looking For Somebody.

O sucesso no Reino Unido lhes valeu o 4º lugar na parada de sucessos local. O público ficou fissurado na ótima voz e nas vigorosas frases de guitarra de Green, muito bem assessorado por seus colegas. Os álbuns Mr. Wonderful (1968) e Then Play On (1969) ajudaram a solidificar esse prestígio.

Green se mostrou um compositor de mão cheia, mesclando blues, rock e até elementos de jazz e música latina, proporcionando à banda canções que se tornariam clássicas do blues britânico, como Black Magic Woman (regravada por Santana no álbum Abraxas, de 1970), Oh Well (regravada por Joe Jackson em 1991 no CD Laughter And Lust), The Green Manalish (relida pelo Judas Priest em 1978 no LP Killing Machine), a instrumental Albatross e Rattlesnake Shake, só para citar algumas das mais marcantes de um belo repertório.

Aí, em 1970, quando o grupo se preparava para ampliar seus horizontes e tentar conquistar o mercado americano, o consumo excessivo de drogas, em especial o LSD, levou Green a deixar a banda, após ter ficado um tempo em uma comunidade alternativa na Alemanha. Era o início de anos bem difíceis.

Os primeiros tempos fora da banda que o consagrou até pareciam promissores, com direito a gravações com B.B. King e o lançamento de seu primeiro álbum solo, The End Of The Game (1970). A coisa se complicou quando ele foi diagnosticado com esquizofrenia. Ele ainda participou de forma pequena e não creditada em dois álbuns do Fleetwood Mac, Penguin (1973) e Tusk (1979).

A partir do fim dos anos 1970, foi aos poucos retornando, lançando sete álbuns solo. Sua melhor fase foi quando montou o Peter Green Splinter Group, que se manteve ativo entre 1997 e 2004, com oito álbuns no currículo e inúmeros shows. Ele também participou do disco The Visitor (1981), de Mick Fleetwood, e de trabalhos de Peter Gabriel, Richard Kerr e Country Joe McDonald, e entrou para o Rock And Roll Hall Of Fame com o Fleetwood Mac em 1998.

Oh! Well(ao vivo em 1969)- Fleetwood Mac:

Sweet Sensation (1980), um clássico de Stephanie Mills

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Por Fabian Chacur

Em 1980, Stephanie Mills completou 23 anos de idade. Ainda nova, já podia ser considerada uma veterana no show business, com 14 anos de estrada no teatro e na música. Naquele ano, essa incrível cantora e atriz viveu um dos momentos mais importantes de sua trajetória com o lançamento do álbum Sweet Sensation (20th Century Fox, saiu no Brasil via RCA). Com este trabalho, ampliou seu alcance no público black e de quebra emplacou seu maior hit no cenário mainstream, a deliciosa canção Never Knew Love Like This Before.

Nascida em Bed-Stuy-Brooklin-Nova York em 22 de março de 1957, Stephanie Dorthea Mills teve sua iniciação musical semelhante à da maior parte das cantoras negras americanas, cantando em uma igreja ainda pequena. Aos 9 anos, estreou profissionalmente no musical Maggie Flynn. Aos 11, conseguiu vencer uma acirrada competição na Amateur Night no mitológico Apollo Theater, no Harlem, e foi convidada a abrir shows dos lendários Isley Brothers.

Ainda adolescente, lançou dois álbuns-solo, Movin’ In The Right Direction (1974) e For The First Time (1975). Este último, lançado pela gravadora Motown, contou com a produção e composições da dupla Burt Bacharach e Hal David, sendo 8 das 10 faixas inéditas. Infelizmente, ambos passaram batidos.

No teatro, o início do estrelato

No entanto, a carreira no teatro musical lhe proporcionou um primeiro grande momento. Ela foi convidada para viver Dorothy, um dos personagens principais de The Wiz, versão com artistas negros para o teatro do filme O Mágico de Oz.

Ficou em cartaz de 1975 e 1977 com muito sucesso na Broadway, mas sentiu-se frustrada ao não ser convidada para repetir o papel em uma nova versão cinematográfica da história lançada em 1978 e dirigida por Sidney Lummet. Ela perdeu a vaga para Diana Ross.

Sem baixar a cabeça, seguiu em frente, e em 1979 foi contratada pela gravadora 20th Century Fox para um novo álbum. O selo escolheu para produzi-la James Mtume e Reggie Lucas, uma dupla de jovens músicos que haviam tocado com Miles Davis e Roberta Flack, tendo composto para esta última os belíssimos hits The Closer I Get To You e Back Together Again.

A parceria não poderia ter dado mais certo, e já se mostrou certeira logo no primeiro álbum que os reuniu, Wat Cha Gonna Do With My Love (1979), que atingiu o 22º posto na parada pop e o 12º no chart de rhythm and blues (r&b).

A fórmula de mesclar canções disco do tipo uptempo, canções dançantes midtempo (batida intermediária entre as mais agitadas e as mais lentas) e baladas românticas se mostrou matadora, com direito a hits como a faixa-título, a empolgante Put Your Body In It e You And I.

Sucesso e a conquista do público mainstream

Obviamente incentivados pelo sucesso do disco anterior, Mtume e Lucas iniciaram os trabalhos que resultariam em Sweet Sensation com muita garra. De cara, selecionaram um time de músicos e vocalistas de apoio conciso e impecável, no qual se destacavam as cantoras Gwen Guthrie e Tawatha Agee, o tecladista Hubert Eaves III, o guitarrista Edward Moore e o baterista Howard King.

Com essa escalação, e mais os arranjos de cordas e metais a cargo de Wade Marcus, eles investiram nas oito faixas incluídas no disco, sendo cinco assinadas pela dupla de produtores e outras três compostas por integrantes da banda. Como quatro delas duram mais de cinco minutos, algo habitual em trabalhos de funk, r&b e disco music, não havia como ir além desse número, como forma de garantir a qualidade técnica do áudio do LP.

O resultado não poderia ser melhor. Trata-se de um trabalho diversificado, conciso e envolvente, no qual Stephanie teve a chance de exibir a qualidade de sua voz sensual e doce, capaz de encarar com categoria os três tipos básicos de canção incluídas aqui- funk-disco, r&b midtempo e baladas encantadoras.

As faixas que mais se destacaram foram a que deu título ao LP, que atingiu o nº 52 na parada pop e nº 12 na de r&b, e especialmente Never Knew Love Like This Before, que alcançou o 6º lugar na parada pop (única vez que ela conquistou tal feito) e 12º no chart r&b. A música, no Brasil, foi incluída na trilha sonora da novela global Plumas e Paetês, que foi exibida entre 1980 e 1981.

Uma parceria marcante

Sweet Sensation foi o mais bem-sucedido dos quatro álbuns que Mtume e Lucas produziram para Stephanie Mills entre 1979 e 1982, e marcou a carreira de todos os envolvidos. Depois, ela trabalharia com outros grandes produtores e com muito sucesso, como a dupla Ashford & Simpson e Angela Winbush, mas essa parceria ficou como um dos grandes destaques do currículo deles.

Se não conseguiu nada tão expressivo na parada pop após Sweet Sensation, Stephanie Mills se manteve muito bem na cena r&b durante toda a década de 1980, emplacando cinco canções e um álbum no topo da parada de r&b americana entre 1986 e 1989. A partir dos anos 1990, infelizmente gravou quatro discos sem grande repercussão, mas continua fazendo bons shows.

Para os “fofoqueiros” de plantão, vale lembrar que ela teve um rápido namoro com Michael Jackson, e foi casada entre 1980 e 1983 com outro astro do r&b, o cantor Jeffrey Daniels, do grupo Shalamar.

As faixas de Sweet Sensation:

Sweet Sensation (Mtume-Lucas)- Ouça aqui.
O álbum abre com uma faixa-título envolvente, em ritmo midtempo, no qual uma das marcas deste trabalho já se apresenta logo de cara: os diálogos musicais entre Stephanie e as vocalistas de apoio, além da coesão entre os instrumentos de sopros, cordas e teclas. Um clássico do r&b.

Try My Love (Tawatha Agee-Hubert Eanes III)- Ouça aqui.
O pique dançante prossegue com uma faixa irresistível na mesma levada da anterior, mas com mais espaços para a voz de Stephanie mergulhar fundo, gerando uma interação com suas vocalistas que é de arrepiar. E que refrão! E que arranjo de metais! A audição dessas duas músicas já valeria a sua aquisição. Mas vem mais coisa boa por aí!

I Just Wanna Say (Mtume-Lucas)- Ouça aqui.
Temos aqui a primeira canção lenta do disco, com destaque para os teclados e no melhor estilo slow jam, ou seja, aquelas faixas românticas sensuais com duração mais longa típicas da black music dos anos 1970-80.

Wish That You Were Mine (Mtume-Lucas)- Ouça aqui.
Um momento mais disco music para fechar o lado A do vinil com alto astral total, com direito a uma guitarra-rítmica irresistível e um apelo pop certeiro.

D-A-N-C-I-N’ (Edward Moore-Howard King)- Ouça aqui .
O lado B do vinil abre com força total, nesta canção midtempo com refrão forte que aparece logo de cara chamando as pessoas para a pista de dança, com Stephanie endiabrada e soltando a voz. Para bater palmas junto! Outro show das vocalistas de apoio no refrão e nos diálogos com a sua “chefe”. E que groove!

Still Mine (Mtume-Lucas)- Ouça aqui.
Aqui, o momento de uma balada soul romântica por excelência, aquela lentinha que levava os casais para a pista de dança durante os bailinhos dos anos 1970-início dos 1980. A performance de Stephanie é espetacular.

Never Knew Love Like This Before (Mtume-Lucas)- Ouça aqui.
Não é difícil entender o porque esta é a canção que mais se destacou na parada mainstream, ou seja, a “dos brancos”. Embora sem perder a alma, é o momento mais pop do disco, no qual Stephanie canta com tanta doçura e ingenuidade sincera a celebração da descoberta do “amor da sua vida” descrito na letra que pode arrancar lágrimas de alguém mais emotivo, alguém tipo eu, por exemplo… Esta música rendeu o Grammy de melhor performance de r&b para Stephanie, e de melhor canção de r&b para Mtume e Lucas.

Mixture Of Love (Joe Mills-John Simmons)- Ouça aqui.
Uma assumida fã de canções românticas, Stephanie nos mostra aqui, mais uma vez, como usar uma voz potente, doce e versátil de forma absolutamente sensual e impecável em termos técnicos. E os diálogos com o coral de apoio mais uma vez são encantadores. Final feliz para um disco maravilhoso!

Saiba mais sobre o time que gravou Sweet Sensation

James Mtume– Este produtor, percussionista, tecladista e compositor tocou com Miles Davis entre 1971 e 1975, e logo a seguir, na banda de Roberta Flack. Paralelamente, ele tinha a sua própria banda, a Mtume, com Tawatha Agee nos vocais, e com ela emplacou pelo menos um clássico perene dos anos 1980, Juicy Fruit (ouça aqui), que chegou ao topo da parada de r&b. Ele teve músicas gravadas por Stephanie, Roberta Flack e também por Donny Hathaway, Phyllis Hyman, Mary J. Blige, Teddy Pendergrass, Inner City e R. Kelly.

Reggie Lucas-Guitarrista e compositor, tocou junto com Mtume nas bandas de Miles Davis e Roberta Flack. Além do trabalho ao lado do parceiro, ele tem um belo item solo em seu currículo: produziu seis das oito faixas do autointitulado álbum de estreia de Madonna em 1983, e é o autor de duas dessas músicas, os hits Borderline e Physical Attraction. Ele também foi guitarrista da banda de Billy Paul antes de conhecer Mtume.

Gwen Guthrie (1950-1999)- A saudosa cantora e compositora é a coautora de hits deliciosos de r&b como This Time I’ll Be Sweeter (sucesso no Brasil na versão de Linda Lewis), Supernatural Thing (hit com Ben E. King) e Love Don’t You Go Through No Changes On Me (hit com o grupo Sister Sledge). Além de participar de discos de inúmeros outros artistas (entre os quais Madonna, Aretha Franklin, Billy Joel, Stevie Wonder e Peter Tosh) também gravou seis álbuns solo entre 1982 e 1990, com direito a ao menos um grande hit na cena black americana, a irresistível Ain’t Nothing Goin’ On But The Rent (ouça aqui), que atingiu o topo da parada de r&b americana em 1986.

Tawatha Agee– Além de coautora de canções como o hit Two Hearts, que estourou em 1981 em marcante dueto de Stephanie Mills com o seminal Teddy Pendergrass, ela também foi a vocalista principal do grupo Mtume, aquela voz deliciosa que conduz o hit Juicy Fruit.

Hubert Eaves III– O tecladista que assinou Try My Love ao lado de Tawatha Agee também se destacou como integrantes das banda Mtume e D Train, esta última na verdade um duo integrado por ele e o cantor e compositor D-Train Willians e conhecido pelo hit Something’s On Your Mind (regravada depois por Miles Davis em seu álbum You’re Under Arrest, de 1985).

Howard King– Foi baterista da banda Mtume.

Veja Stephanie Mills ao vivo em 1998:

Steve Priest, 72 anos, baixista da banda glam setentista The Sweet

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Por Fabian Chacur

Como diz a maravilhosa música de Milton Nascimento Encontros e Despedidas, bela parceria com o saudoso Fernando Brant, “São só dois lados da mesma viagem, o trem que chega é o mesmo trem da partida, a hora do encontro é também de despedida, a plataforma dessa estação é a vida desse meu lugar, é a vida desse meu lugar”. Nesta quarta (3), celebramos os 70 anos de idade de Suzi Quatro. Nesta quinta (4), chega a vez de nos despedirmos de Steve Priest, baixista da banda britânica The Sweet.

Priest tinha 72 anos, e sua morte foi informado pelos parentes e em seu site oficial. Ele e Suzi são estrelas de uma mesma época, a década de 1970, do glam rock, e também compartilhavam o fato de terem gravado inúmeros hits assinados pela dupla de compositores Nicky Chinn e Mike Chapman.

O músico permanecia na ativa com a sua versão do The Sweet, e inclusive estava com pelo menos nove shows agendados nos EUA e Canadá, incluindo um que seria no próximo dia 12, não fosse a pandemia do novo coronavírus.

Astros do bubblegun rock

Nascido na Inglaterra em 23 de fevereiro de 1948, Priest iniciou a banda que lhe deu fama internacional em 1968, ao lado do cantor Brian Connoly (1944-1997), do baterista Mick Tucker (1947-2002) e do guitarrista Frank Torpey, inicialmente com o nome The Sweetshop. Eles lançaram seu primeiro single, Slow Motion, naquele mesmo ano, pelo selo Fontana, e nada aconteceu. A seguir, Torpey saiu do time, dando seu lugar a Mick Stewart.

O selo Parlophone, do conglomerado EMI, o mesmo que lançou os Beatles, apostou neles, mas, após três singles que também passaram batidos, levaram o chamado cartão vermelho daquela empresa fonográfica. É aí, em 1970, que eles encontram o produtor e representante de uma editora musical Phil Wainman, que resolve tentar a sorte com aquela banda.

A editora tinha uma dobradinha de compositores ávida por sucesso, o australiano Mike Chapman e o inglês Nicky Chinn, e Wainman os escalou para compor alguma coisa para o agora The Sweeet.

Inspirados no grande sucesso daquele momento, Sugar Sugar, dos Archies (grupo fictício de desenho animado cujas músicas eram gravadas por músicos de estúdio), a dupla compôs Funny Funny. O estilo daquele tipo de música até ganhou um apelido, bubblegun rock (rock goma de mascar), graças a seu ritmo dançante e pegajoso e suas letras infantiloides e fáceis de decorar.

Deu super certo. O primeiro single do grupo com o novo time de produção e composição, a citada Funny Funny, atingiu o 11º lugar na parada britânica. O seguinte, Co-Co, foi ainda melhor, batendo no segundo posto no Reino Unido.

Tinha início a fase áurea do quarteto. Pouco antes, Mick Stewart saiu, substituído por Andy Scott (1951), uma espécie de Ringo Starr, pois entrou justo na hora em que as coisas começaram a engrenar para eles.

A marca registrada do The Sweet nesse período foi o fato de ser basicamente uma banda de singles, com o lado A sempre destinado a canções de Chinn-Chapman e o lado B às composições dos integrantes da banda. Em 1972, eles tomaram de vez os charts britânicos, com as vibrantes Poppa Joe (nº 11, foi usada na época como tema de abertura de um programa infantil de TV no Brasil), Little Willy (nº 1, o primeiro da banda) e Wig Wan Ban (nº 4).

Embora as músicas de Chinn e Chapman melhorassem a cada novo lançamento, Priest e sua turma queriam se livrar do rótulo de “banda de bubblegun”, e lados B bacanas compostos por eles como Jeannie, New York Connection e Burning (esta, uma cópia descarada, mas deliciosa, de Immigrant Song, do Led Zeppelin) provavam que os caras não eram ruins na arte de escrever canções.

Outro fator decisivo para o sucesso do The Sweet reside em seu visual andrógino, repleto de roupas de couro, cabelos longos e uma performance ao vivo repleta de sensualidade e energia.

Em 1973, finalmente o The Sweet conquistou seu primeiro hit nos EUA, com Little Willy atingindo o nº 3 na terra do Tio Sam. Na Inglaterra, a energética Blockbuster (valendo-se do marcante riff de guitarra de Mannish Boy, de Muddy Waters, que também geraria na época The Jean Genie, de David Bowie, e diversas outras músicas) chegou ao nº 1, seguidas por outros hits certeiros: Hellraiser (nº 2) e Ballroom Blitz (nº 2), esta última considerada precursora da new wave.

Em 1974, Teenage Rampage chegaria ao nº 2 no Reino Unido. Naquele momento, a parceria da banda com seus mentores começou a fazer água, pela ambição dos roqueiros em serem mais respeitados pelos críticos e público. Naquele ano, lançaram Sweet Fanny Adams, álbum mais voltado ao hard rock no qual seis das nove faixas eram da autoria deles. E, a seguir, Chinn-Chapman e Phil Waimman saíram do comando da banda.

Uma turnê de três meses pelos EUA impulsionou o Sweet no mercado americano, e o resultado foi o sucesso tardio de Ballroom Blitz (nº5) e o estouro do primeiro single com um lado A escrito por eles, a empolgante e hard Fox On The Run, que chegou ao 5º lugar por lá e ao 2º posto no mercado britânico. O álbum Desolation Boulevard (1975) também foi bem no mercado americano.

Aí, o glam rock viu sua popularidade cair, e o Sweet não saiu ileso disso. Lançou vários discos até o final dos anos 1970, mas a única faixa que realmente pegou no breu foi a espécie de power ballad Love Is Like Oxygen, que foi top 10 nos EUA e Inglaterra, o único de suas carreiras.

Como consequência de anos de convivência e também da queda do sucesso, o vocalista Brian Connoly saiu fora para investir em uma carreira-solo, com Priest e Scott se incumbindo dos vocais em seu lugar. A banda prosseguiu gravando e fazendo shows até 1982, quando, após lançar o álbum ironicamente intitulado Identity Crisis, encerrou as suas atividades da forma como os conhecemos.

Em 1988, Mike Chapman conseguiu reunir os quatro músicos com o objetivo de um disco de inéditas e uma turnê, mas não demorou muito para que os planos fossem deixados de lado. Connoly tentou criar a sua versão do The Sweet e Andy Scott fez o mesmo, mas inicialmente não deu muito certo, e infelizmente o cantor se foi em 1997, após ter lutado contra vários problemas de saúde.

Steve Priest lançou uma autobiografia em 1994 intitulada Are You Ready Steve?, cujo título foi extraído da introdução de Ballroom Blitz. Após vários projetos malsucedidos, incluindo um disco solo, Priest Precious Poems, ele resolveu fazer um projeto mais lucrativo, valendo-se do nome de sua ex-banda.

Em 2008, tinha início o Steve Priest’s The Sweet, radicado nos EUA, que gravou o disco ao vivo Live in America (2009). Enquanto isso, ainda sediado na Inglaterra, Andy Scott defendia o leitinho das crianças com o seu Andy Scott’s The Sweet. O acordo era que um não faria shows na seara do outro. E nos anos 2010, eles voltaram a se falar, após anos de desavenças, mas uma reunião nunca ocorreria.

O Steve Priest’s The Sweet fez shows em 2018 para celebrar os 50 anos da célebre banda glam, e continuava na estrada nos últimos tempos.

Veja mais clipes do The Sweet aqui.

Ballroom Blitz (clipe)- The Sweet:

Suzi Quatro, 70 anos, uma bela e verdadeira rainha do rock and roll

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Por Fabian Chacur

Não tem um só roqueiro da minha geração ou da geração anterior à minha que não seja até hoje apaixonado por Suzi Quatro. Não só pelo fato de essa cantora e baixista americana ser uma tremenda de uma gata. A coisa ia muito além disso. Esse ícone do rock and roll completa nesta quarta (3) 70 anos cada vez mais viva nos corações de quem curte rock de verdade. E esse sempre foi um forte diferencial dela. Tinha charme e era bonita, mas ganhava fãs fieis mesmo era na hora em que começava a cantar e tocar seus diversos hits.

Nascida nos Estados Unidos em 3 de junho de 1950, mesmo ano de Peter Frampton, Suzi tinha no pai (Art, funcionário da General Motors e músico de jazz nas horas de folga) uma influência. Ainda garota, montou dois grupos só de mulheres, ao lado das irmãs Patti, Nancy e Arlene.

A primeira banda das garotas, a The Pleasure Seekers, gravou dois singles, um em 1966 (com as faixas Never Thought You’d LeaveWhat a Day To Die) e outro em 1968 (incluindo Light Of LoveGood King Of Hurt). Vale o registro: Suzi nasceu e iniciou a sua carreira em Detroit, a cidade onde também nasceu e cresceu a mitológica Motown Records.

Em 1971, foi descoberta por lá pelo produtor britânico Mickie Most, que havia trabalhado com Jeff Beck, The Animals e Donovan, entre outros, e se mudou para a Inglaterra, onde foi contratada pela Rak Records, de Most.

Ela também havia recebido um convite da Elektra Records, mas preferiu o selo britânico, explicando em uma entrevista a razão:
“O presidente da Elektra me disse que eu poderia me tornar a nova Janis Joplin, enquanto Mickie Most me fez a oferta de me levar para a Inglaterra e me tornar a primeira Suzi Quatro. E eu nunca quis ser a nova coisa alguma!”

Uma rainha do rock nasce no Reino Unido e no mundo

Most preparou sua pupila durante mais de um ano. O primeiro single de Suzi, Rolling Stone, saiu em 1972, mas só se deu bem em Portugal. O sucesso veio em 1973 com dois singles explosivos, Can The Can e 48 Crash, ambos de autoria da dupla de compositores Mike Chapman e Nicky Chinn, que também fizeram hits para o The Sweet e vários outros.

Embora diferentes entre si, esses dois rockões tinham características em comum: abertura absurdamente energética de bateria, guitarras distorcidas na medida e o vozeirão ardido de Suzi dando o tom, além de melodias muito, mas muito bacanas mesmo. Além disso, temos seu visual, com longos cabelos loiros em corte repicado que virariam sua marca registrada e roupas justas de couro.

Ironicamente, Suzi Quatro não fez sucesso nessa época em seu país natal. Na Inglaterra, Europa, Austrália e diversos outros países, entre os quais o Brasil, a moça virou mania. Até 1975, outros sucessos rolariam, como Devil Gate Drive, Daytona Demon e a alucinada The Wild One.

Ela também fazia covers, e um é dos mais curiosos: I Wanna Be Your Man, de Lennon e McCartney e também gravada pelos Rolling Stones, na qual ela cantava “quero ser seu homem” sem o menor pudor, e também sem necessariamente a menor vontade de encarar alguém do mesmo sexo.

O sucesso retorna com um contorno mais pop

Após alguns anos de vacas magras, Suzi Gata voltou às paradas em 1978 com dois singles bem bacanas, mas com pegada mais pop: o sacudido pop rock If You Can’t Give Me Love e a popíssima Stumblin’ In, esta última em dueto com o cantor Chris Norman, vocalista do grupo Smokie, e o único hit de verdade de Suzy nos EUA, atingindo o quarto lugar na parada de singles americana em 1979.

Aliás, nos EUA a cantora ficou mais conhecida por ter vivido o papel da roqueira Leather Tuscadero no seriado televisivo de grande sucesso Happy Days, participando de sete episódios das temporadas de nº 5 e 6 da atração entre 1977 e 1979. O produtor do programa, Garry Marshall, propôs a ela estrelar uma série baseada nessa personagem, mas Suzi achou melhor recusar, pelo medo de ficar rotulada e perder força em sua carreira dessa forma.

Em 1980, lançou a poderosa Rock Hard, tema do filme Times Square, de Alan Moyle (conhecido pelo filme Empire Records, de 1995), que não fez sucesso mas tem uma das melhores trilhas sonoras de todos os tempos. Um dia preciso escrever sobre esse disco aqui.

Fora das paradas de sucesso, mas firme na ativa

A partir daí, o sucesso musical saiu de cena para Suzi Quatro. Ela também se dedicou durante algum tempo a ter filhos com o primeiro marido, o guitarrista de sua banda de apoio Len Tuckey, com quem se manteve entre 1976 e 1992 e teve Laura e Richard Leonard. Em 1986, lançou uma releitura de Wild Thing, dos Troggs, em dueto como o vocalista daquela célebre banda, Reg Presley. Ela também apresentou outros programas de rádio e TV, além dos já citados.

Residindo em Essex, na Inglaterra, passando alguns períodos em Hamburgo e em Detroit, Suzi continua bem ativa, mesmo sem o sucesso dos bons tempos, lançando novos trabalhos e fazendo alguns shows. Em 2017, ela lançou o álbum Quatro, Scott & Powell, reunindo três astros da era do glam rock: ela própria, Andy Scott (do The Sweet) e Don Powell (do Slade). Seu álbum mais recente, No Control, saiu em 2019 por um selo independente.

Algumas curiosidades bacanas sobre Suzi Quatro

*** Das três irmãs que integraram com ela o grupo The Pleasure Seekers (que em sua fase final virou Cradle), Patti foi quem avançou mais. Ela tocou com a irmã em algumas ocasiões e integrou outra banda feminina de sucesso, a Fanny, com quem gravou em 1974 o álbum Rock And Roll Survivors. As meninas também tinham outro irmão, Michael Quatro, que lançou vários trabalhos solo também na área roqueira. Arlene é mãe da atriz Sherilyn Fenn, conhecida por sua atuação em séries como Twin Peaks e Ray Donovan e no filme televisivo Liz: The Elizabeth Taylor Story, no qual viveu o papel da célebre estrela de Hollywood.

*** Quando chegou aos EUA oriundo da Itália, Art teve de mudar o seu sobrenome original, Quattrocchi, que virou Quatro por sugestão da imigração americana. A mãe de Suzi era oriunda da Hungria.

*** O britânico Nicky Chinn e o australiano Mike Chapman compuseram os maiores hits de Suzy Quatro, maravilhas do porte de 48 Crash, Can The Can, Devil Gate Drive, If You Can’t Give Me Love e Stumblin’ In, entre inúmeros outros. Eles também escreveram canções de sucesso para The Sweet, Huey Lewis And The News, Toni Basil, Smokie, Mud e Racey. Sozinho, Chapman também produziu álbuns dos grupos Blondie e The Knack e compôs sucessos para Tina Turner.

*** Suzi regravou vários clássicos do rock, entre eles All Shook Up, que estourou na voz de Elvis Presley. Diz o livro Guiness Book Of Rock Stars (1991), de Dafydd Rees e Luke Crampton, que o The Pelvis não só elogiou a performance da moça em sua regravação como a convidou (em 1974) para ir à sua casa, a mitológica Graceland, conhecê-lo. Dizem que ela amarelou, por Elvis ser seu maior ídolo e Suzi achar que não aguentaria o tranco!

*** Suzi é considerada uma das mais influentes mulheres da história do rock, citada como influência por grupos como The Runaways, Girlschool, The Bangles e até por Tina Weimouth, a baixista dos Talking Heads, que diz ter resolvido tocar baixo tendo como estímulo a intérprete de 48 Crash.

*** A primeira performance de Suzi foi aos oito anos de idade, fazendo uma participação em um show do grupo de jazz de seu pai, que fez questão de dar uma educação musical aos cinco filhos.

*** A roqueira americana está aproveitando a quarentena gerada pelo combate ao novo coronavírus fazendo lives com um curso gratuito de baixo. Confira o interessante canal dela no youtube aqui.

Veja uma sequência de clipes de Suzi Quatro aqui .

48 Crash (TV clip)- Suzy Quatro:

Cosmo’s Factory (1970), o auge do Creedence Clearwater Revival

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Por Fabian Chacur

Nesta quinta (28), John Fogerty completa 75 anos de idade. Em abril, Doug Cosmo Clifford (no dia 24) e Stu Cook (no dia 25) atingiram a mesma idade. Como forma de homenagear esses três grandes músicos, resolvi mergulhar de cabeça no mais bem-sucedido álbum da carreira da banda que os consagrou, o Creedence Clearwater Revival. Trata-se de Cosmo’s Factory, que no dia 25 de julho celebrará 50 anos de seu lançamento. A homenagem também se estende ao quarto integrante do time, o saudoso Tom Fogerty (9-11-1941/6-9.1990).

Em 1970, poucas bandas de rock se aproximavam do Creedence Clearwater Revival em termos de popularidade. Em um período de dois anos, haviam lançado quatro álbuns que atingiram os primeiros postos das paradas de sucesso do planeta, todos recheados de singles certeiros, entre os quais Proud Mary, Suzy Q, Down On The Corner, Green River e Fortunate Son, só para citar alguns. Como explicar tanto sucesso e produtividade artística em tão curto período de tempo?

Não, o CCR não surgiu do nada. Na verdade, os colegas de ginásio John, Doug e Cook tocavam juntos desde o finalzinho dos anos 1950, quando ainda eram adolescentes imberbes. Pouco depois, Tom, o irmão mais velho de John, entrou no time, na época intitulado The Blue Velvets. Durante anos, o quarteto tocou em bares, e gravou singles a partir de 1961, inicialmente como Tommy Fogerty & The Blue Velvets e também Tommy Fogerty & The Blue Violets.

Em 1964, foram contratados pela Fantasy Records, agora batizados de The Golliwogs. Eles lançaram diversos singles, mas sem o desejado sucesso comercial. Pode-se dizer que, dessa forma, os garotos fizeram o seu caminho das pedras, aprendendo a tocar e gravar e conquistando dessa forma um entrosamento impressionante. Em 1966, John e Clifford tiveram de servir o exército, mas nem isso baixou a guarda do grupo.

Mudança de nome e o sucesso enfim se concretiza

O ponto de mudança ocorreu em 1967, quando a Fantasy Records foi adquirida pelo ambicioso Saul Zaentz. Ele viu o enorme potencial daquele quarteto endiabrado e resolveu apostar de vez nele, mas com uma condição: deixar o tolo nome Golliwogs e adotar outro mais palatável. A sugestão foi aceita.

No início de 1968, o agora rebatizado Creedence Clearwater Revival vinha à tona. Naquele mesmo ano, no mês de maio, lançou seu autointitulado álbum de estreia, de sucesso moderado, mas com um single matador, Suzie Q (releitura do clássico rockabilly de Dale Hawkins), que chegou ao 11º lugar nos EUA.

O ano de 1969 marcou um verdadeiro tsunami roqueiro por parte de John Fogerty e seus asseclas. Em apenas 12 meses, lançaram três álbuns de muito sucesso, Bayou Country, Green River e Willy And The Poor Boys, que atingiram, respectivamente, as posições de nº 7, 1 e 3 nas paradas americanas. De quebra, ainda tocaram com destaque no festival de Woodstock.

Uma proposta sonora atípica ganha o público

O mais impressionante é situar o CCR em meio ao que ocorria na época. O rock vivia um momento de mudanças, com gêneros como o hard rock, o heavy metal e o psicodelismo dando as cartas. E o que o quarteto californiano oferecia ao público? Uma sólida releitura do rock and roll original, com direito a rockabilly, country, blues e soul na mistura. “É onde o country e o rhythm and blues se encontram que fica o meu lugar favorito”, disse John Fogerty em entrevista a Craig Rosen para o livro The Billboard Book Of Number One Albums.

Lógico que esse coquetel molotov sonoro só atingiu esse sucesso todo devido ao imenso talento dos músicos envolvidos. É a chamada simplicidade sofisticada, algo muito difícil de se concretizar. De cara, o vozeirão inconfundível de John, somado ao seu talento como compositor e guitarrista-solo.

A seu lado, um certeiro guitarrista-base (seu irmão Tom) e uma das melhores cozinhas rítmicas da história do rock. O extremamente eficiente Cook encaixava seu baixo com perfeição na sólida batida de Clifford, um dos melhores bateristas de rock de todos os tempos, verdadeira usina rítmica que merecia ser mais reverenciada pelos críticos e público em geral.

O disco-síntese de uma banda seminal

É nesse momento de puro êxtase artístico e comercial que Cosmo’s Factory vem à tona. O nome do álbum tem a ver com o lugar onde o quarteto realizava os seus ensaios, localizada em um espaço situado na casa do baterista da banda, cujo apelido Cosmo vem desde seus tempos de moleque. O jeitão de fábrica valeu o apelido ao local, que é exatamente onde a foto da capa do álbum foi registrada.

A ideia de John Fogerty era que o álbum se tornasse uma espécie de auge desses anos iniciais do CCR, e seu desejo não poderia ter se concretizado de forma mais cristalina e potente. O álbum atingiu o topo da parada americana, permanecendo por lá durante nove longas semanas e ultrapassando a marca de quatro milhões de cópias nos EUA desde então.

Trata-se de uma espécie de disco-síntese da banda, ao trazer em suas 11 faixas bons exemplos das variações sonoras que se propôs a fazer durante sua carreira, além da bela mistura de composições próprias de John com releituras de clássicos alheios. Vale uma análise faixa a faixa, para explicitar isso.

As faixas de Cosmo’s Factory

Ramble Tamble (J.C. Fogerty)- Nada melhor para abrir um álbum de puro rock como esta aqui. Com mais de 7 minutos de duração, começa e termina com levada rockabilly, e possui várias mudanças de andamento no meio, ficando mais rápida e mais lenta e com direito a belos solos.

Before You Accuse Me (Bo Diddley)- Um clássico do repertório do célebre bluesman roqueiro merece uma releitura vigorosa mostrando o jeito próprio de abordar o blues do CCR.

Travelin’ Band (J.C. Fogerty)- Rock and roll cinquentista típico, clara homenagem a Little Richard, de quem o CCR regravou Good Molly Miss Molly no álbum Bayou Country (1969). Fogerty chegou a ser incomodado pela editora de vários hits de Richard sob acusação de plágio, mas acabou dando em nada. O famoso “parece mas não é”.

Ooby Dooby (Moore-Penner)- O primeiro hit de Roy Orbison, em seus tempos de Sun Records, é relido de forma ao mesmo tempo reverente e energética, com muito balanço e categoria.

Lookin’ Out My Back Door (J.C. Fogerty)- O momento mais country do álbum, com pique dançante e um delicioso sotaque caipira.

Run Through The Jungle (J.C. Fogerty)- O rótulo swamp rock criado por um crítico para definir o som da banda tem neste rock balançado com elementos do som de Nova Orleans um bom exemplo. Matadora!

Up Around The Bend (J.C. Fogerty)- Um rockão sacudido com riff de guitarra ardido e inconfundível. Aqui, o estilo próprio do CCR se mostra de forma mais explícita.

My Baby Left Me (Arthur “Big Boy” Crudup)- Regravação vigorosa de clássico do mesmo autor de That’s All Right, o primeiro sucesso de Elvis Presley. Aliás, Elvis também regravou essa música. Fica difícil dizer quem a releu melhor, mas creio que o Creedence ganhe por pequena diferença.

Who’ll Stop The Rain (J.C. Fogerty)- Delicioso rock balada no qual Fogerty aproveita para falar sobre a Guerra do Vietnã, algo que poucos esperariam em uma canção tão delicada e melódica.

I Heard It Through The Grapevine (Norman Whitfield-Barrett Strong)- Este clássico do songbook da Motown Records possui três versões espetaculares, todas com muito sucesso: a de Marvin Gaye, a de Gladys Knight And The Pips e esta aqui. A do CCR cativa pela longa duração, mais de 11 minutos, uma batida sólida, dançante e constante e uma performance absurda dos músicos, improvisando com foco e sem perder o prumo.

Long As I Can See The Light (J.C. Fogerty)- Para encerrar o álbum, nada melhor do que uma fantástica balada soul, na qual John tem uma performance certeira nos vocais e ainda toca sax, de quebra.

A reedição de Cosmo’s Factory lançada em 2008 traz, além de um belo encarte com fotos, ficha técnica e texto informativo e opinativo do consagrado crítico Robert Cristgau, três faixas-bônus: uma versão alternativa de Travellin’ Band, uma gravação ao vivo de Up Around The Bend e uma gravação (infelizmente com baixa qualidade técnica) de Born On The Bayou reunindo o CCR com o mitológico grupo Booker T & The MGs.

obs.: a primeira edição de Cosmo’s Factory lançada no Brasil em vinil veio com duas faixas diferentes. Ninety Nine And a Half (Steve Cropper, Eddie Floyd, Wilson Pickett), lançada originalmente no álbum de estreia do CCR, entrou no lugar de Travellin’ Band, enquanto The Working Man (J.C. Fogerty), também do primeiro álbum do grupo, veio na vaga de Who’ll Stop The Rain. Os relançamentos posteriores em vinil e depois em CD em nosso país trouxeram a seleção original de faixas. Obrigado aos amigos Emilio Pacheco e Valdir Angeli por essa informação, que adicionei após ter publicado este post.

Ouça Cosmo’s Factory em streaming:

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