Mondo Pop

O pop de ontem, hoje, e amanhã...

Category: Grandes nomes esquecidos (page 1 of 8)

Genival Lacerda, 89 anos, o rei eterno do forró de duplo sentido

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Por Fabian Chacur

Uma das diversas variantes do forró leva como subtítulo “duplo sentido”, cujas letras investem na semelhança entre algumas palavras para dar a entender uma coisa ao ouvinte, tentando disfarçar essa intenção sempre escancarada. Presente há décadas no imaginário do povo brasileiro, esta vertente teve como seu principal nome o paraibano Genival Lacerda, que nos deixou nesta quinta-feira (7) no Recife (PE) aos 89 anos, após mais de um mês internado por causa da covid-19. Uma grande perda para a nossa cultura.

Nascido em Campina Grande (PB) em 15 de abril de 1931, Genival iniciou sua carreira musical nos anos 1950, quando se mudou para o Recife, onde gravou seu primeiro disco. Aceitando a sugestão de seu concunhado, o célebre e genial Jackson do Pandeiro, ele se mudou para o Rio de Janeiro em 1964, trabalhando em casas de forró e tentando ampliar os seus horizontes profissionais. Foi duro, mas enfim ele conseguiu.

Isso ocorreu em 1975, quando Severina Xique-Xique, sua composição em parceria com João Gonçalves, tomou conta de todo o país com sua letra bem-humorada e com o refrão grudento “ele tá de olho é na boutique dela”. Além da música ser muito boa em seu estilo, também a ajudou o fato de Genival ter uma forte presença cênica, com direito a roupas coloridas e a indefectível dança balançando sua barriga protuberante.

Presença frequente nos programas populares de TV nos anos 1970 e 1980, o artista paraibano emplacou uma série de hits, entre os quais Mate O Véio Mate, Quem Dera, Radinho de Pilha e inúmeros outros, todos investindo na ala mais dançante do forró e com versos irreverentes beirando (e muitas vezes ultrapassando) o politicamente incorreto. Mas sua simpatia e carisma sempre o ajudaram a superar possíveis problemas.

Uma das marcas registradas de Genival Lacerda foi sua capacidade de se reinventar e de estar sempre aberto a parcerias com outros artistas. Em 1988, por exemplo, ele marcou presença no primeiro LP solo do roqueiro Marcelo Nova, na faixa A Gente é Sem-Vergonha. Com Zeca Baleiro, gravou em 1997 O Parque de Juraci, faixa de Por Onde Andará Stephen Fry?, álbum de estreia do cantor e compositor maranhense.

Em 2010, foi a vez de Ivete Sangalo registrar um dueto com ele, a divertida Chevette da Menina, na qual brincam com o fato de o nome do carro rimar com o da cantora. E teve também uma parceria de Genival com o impagável Falcão, Forró Cheiroso, que saiu no álbum Casa do Forró, de 1998.

Mas o momento mais curioso de sua carreira ocorreu na metade dos anos 1990, quando o DJ Cuca fez uma versão dance de Rock do Jegue. A versão fez tanto sucesso que gerou o álbum Forró Dance By Genival Lacerda, lançado pela gravadora Paradoxx. Para divulgar essa música, ele chegou a ir em programas de TV vestido com uma versão forrozeira de um MC de dance music, incluindo até aqueles bonés típicos.

Mas esse seu lado pop não tirou dele o respeito por parte dos fãs do forró mais tradicional, o que pode ser comprovado pelo fato de ele participar de programas de TV dedicados à música brasileira de raiz, como o de Rolando Boldrin, por exemplo. Ele conseguia agradar ao povão mais simples e aos mais sofisticados.

Rock do Jegue (Cuca Mix)- Genival Lacerda:

Gerry Marsden, 78 anos, o cantor que nunca nos deixou sozinhos

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Por Fabian Chacur

Os Beatles foram a banda mais bem-sucedida a sair da cidade britânica de Liverpool. Quanto a isso, não há a menor dúvida. No entanto, em um item, eles perderam para outra banda local e contemporânea, Gerry And The Pacemakers: os rivais conseguiram emplacar seus primeiros três singles no topo da parada britânica. Uma façanha até então inédita por lá, e que só seria igualada 20 anos depois. Seu cantor, guitarrista e líder, Gerry Marsden, nos deixou neste domingo (3) aos 78 anos, e deixa um legado que vai além da música.

Nascido em Liverpool em 24 de setembro de 1942, Gerry iniciou uma banda ao lado do irmão mais velho, Freddie Marsden (1940-2006). A formação clássica de Gerry And The Pacemakers também trazia Les Chadwick (baixo, 1943-2019) e Les Maguire (piano, 1941). Eles disputavam os fãs de rock em Liverpool com os Beatles, inclusive tocando nos mesmos locais, entre eles o célebre Cavern Club, onde se apresentaram por quase 200 vezes.

O quarteto foi o segundo a ser contratado por Brian Epstein (1934-1967), o lojista que resolveu se tornar empresário de artistas e iniciou seu projeto com os Beatles. Se os Fab Four foram contratados pela Parlophone, Gerry And The Pacemakers entraram em um outro selo da EMI, o Columbia, mas ambos tiveram como produtor o genial George Martin (1926-2016). Aliás, há uma história bem interessante envolvendo os dois grupos e Martin.

O primeiro single dos Beatles, Love Me Do, lançado no final de 1962, atingiu o 17º posto na parada britânica, um bom desempenho para uma banda iniciante. Mas George Martin achava que os seus garotos podiam ir ainda mais longe se gravassem uma canção alheia, e sugeriu a eles que tentassem How Do You Do It?, escrita por um jovem e emergente compositor chamado Mitch Murray.

Mesmo a contragosto, John, Paul, George e Ringo gravaram a tal música. O resultado não ficou nada mal, mas eles queriam de qualquer jeito que seu segundo single fosse Please Please Me, de Lennon e McCartney, e a vontade deles prevaleceu. No fim das contas, foi aquele caso em que os dois lados tinham razão, pois Please Please Me atingiu o segundo posto na parada britânica e se tornou o primeiro grande hit da banda.

Martin cismou que How Do You Do It? tinha cara de sucesso, e resolveu experimentá-la com Gerry And The Pacemakers, que não vacilaram e a gravaram de forma bem semelhante ao registro dos conterrâneos (que só seria lançado oficialmente em 1995 no primeiro volume de Anthology). Bingo! O grupo estreou com um single que atingiu o topo da parada britânica.

Vale o registro: os Beatles só chegariam ao topo da parada de singles britânica com seu terceiro single, From Me To You, o primeiro do que seriam, no total, 17 compactos simples dos Fab Four a atingir tal posto na parada de sucessos do Reino Unido. Mas voltemos aos Pacemakers.

Sem perder o embalo, Gerry e seus asseclas escolheram outra composição de Mitch Murray para seu segundo compacto simples, I Like It, e mais uma vez capitanearam a parada do Reino Unido. No caso do terceiro single, no entanto, a coisa rolou de uma forma um pouco diferente.

Fã de Laurel And Hardy (O Gordo e o Magro), Gerry resolveu ver um filme deles que estava sendo reprisado no cinema Odeon, em Londres. O plano era ver esse e se mandar. Só que uma bela chuva resolveu dar o ar de sua graça na capital inglesa, e o cantor e guitarrista resolveu ficar para ver o outro filme do programa, um tal de Carousel (1956), filme musical americano com músicas escritas pela célebre dupla Richard Rodgers e Oscar Hammerstein II.

Quando ouviu a principal canção da trilha, You’ll Never Walk Alone, apresentada com destaque em dois momentos importantes do filme, Gerry pôs na cabeça que aquela musica tinha de entrar no repertório de sua banda. E foi exatamente com ela que os Pacemakers emplacaram seu terceiro nº 1 consecutivo nos charts britânicos. Pouco depois, essa gravação viraria uma espécie de hino alternativo do Liverpool, sempre cantando por sua fanática torcida em suas partidas de futebol. As torcidas de Celtic (Escócia) e Borussia Dortmund (Alemanha) também adotaram essa mesma canção.

Por muito pouco Gerry And The Pacemakers não emplacaram um 4º single consecutivo no topo, pois I’m The One conseguiu chegar ao 2º lugar. E se não teve a performance dos singles anteriores, a doce balada Don’t Let The Sun Catch You Crying (assinada pelos quatro integrantes do grupo) se tornou um hit perene dos anos 1960, atingindo o 6º posto no Reino Unido e o 4º lugar nos EUA, o maior êxito do quarteto na terra do Tio Sam.

No finalzinho de 1964, Gerry Marsden registrou seu amor por Liverpool na canção de sua autoria Ferry Cross The Mersey, música que também daria nome ao filme estrelado pela banda lançado em 1965. O compacto com essa canção vendeu bem, sendo 8º colocado no Reino Unido e 6º nos EUA. A trilha do filme, o álbum mais bem-sucedido da banda nos EUA, também trazia a ágil It’s Gonna Be Alright, que fez sucesso no Brasil com o grupo Renato e Seus Blue Caps na versão em português intitulada Você Não Soube Amar.

No entanto, ao contrário dos Beatles, que se tornaram um fenômeno de proporções mundiais, Gerry e sua turma não conseguiram esse mesmo embalo. Walk Hand In Hand, lançado no final de 1965, foi seu último single a entrar nas paradas de sucessos britânicas, e ainda assim em um modesto 29º lugar. Após lançar a sarcástica The Big Bright Green Pleasure Machine (de Paul Simon) em outubro de 1966, o grupo anunciou sua separação.

A partir daí, Gerry Marsden investiu em uma carreira-solo sem grande repercussão, além de atuar em programas de TV e em um musical no teatro. Nos anos 1970, tentou reativar o grupo com uma nova formação que fez shows e lançou em 1974 o single Remember (The Days Of Rock And Roll), que passou batido em termos de sucesso.

Gerry, mesmo assim, manteve-se fazendo shows no circuito nostálgico, sempre se mostrando sensível e disponível para apoiar causas beneficentes. Com esse objetivo, regravou em 1985 You’ll Never Walk Alone, e o single voltou ao primeiro lugar por lá, a primeira vez em que um mesmo intérprete participava de duas versões número 1 de uma mesma canção. E o fato se repetiu em 1989, quando ele, ao lado de Paul McCartney, The Christians, Holly Johnson (do grupo Frankie Goes To Hollywood) e o trio de produtores e compositores Stock Aitken e Waterman, releu Ferry Cross The Mersey, que mais uma vez virou um hi nº1.

Aliás, a relação entre Frankie Goes To Hollywood e Gerry And The Pacemakers vai além de ambas as bandas serem oriundas de Liverpool. O grupo do cantor Holly Johnson foi exatamente aquele que, em 1983 e 1984, repetiu a façanha de seus conterrâneos, emplacando seus três primeiros singles- Relax, Two Tribes e The Power Of Love– no posto mais alto da parada britânica.

Aliás, mais duas coincidências ocorreriam entre eles. Welcome To The Pleasuredome, o 4º single do FGTH, bateu na trave, atingindo o 2º posto nos charts britânicos e os impedindo de conquistar seu 4º número 1 consecutivo. E o sucesso de Holly e seus colegas também se mostrou efêmero, com o grupo saindo de cena em 1987.

Gerry Marsden lançou em 1993 sua autobiografia I’ll Never Walk Alone em parceria com Ray Coleman, ex-editor do jornal britânico especializado em música Melody Maker. Ele foi condecorado com o MBE em 2003 pela sua atuação em causas humanitárias, e sofreu duas operações cardíacas, em 2003 e 2016. Ele anunciou sua aposentadoria em 2018, mas ainda apareceria publicamente celebrando a vitória de seu amado Liverpool na Champions League em 2019 e regravando You’ll Never Walk Alone em 2020 em homenagem aos profissionais da saúde do Reino Unido.

It’s Gonna Be Alright- Gerry And The Pacemakers:

Three For Love (1980), o álbum que consolidou o trio Shalamar

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Por Fabian Chacur

Tudo que começa mal, termina mal, afirma uma das inúmeras frases feitas pertencentes ao léxico popular. Nem sempre, no entanto. O exemplo do Shalamar serve como um belo exemplo. O grupo americano que, na verdade, começou como uma mera armação de estúdio destinada a faturar uns trocados, acabou se tornando uma das forças do r&b e da disco music em seus anos de ouro, entre 1977 e 1983. E o álbum que consolidou sua trajetória, Three For Love, completa 40 anos de seu lançamento pela Solar Records nos EUA neste 15 de fevereiro.

Antes de nos concentrarmos nesse icônico trabalho, vamos dar uma geral na trajetória do grupo. Tudo começou quando o produtor e promotor artístico Dick Griffey (1938-2010) resolveu criar, em parceria com o apresentador de TV e criador do seminal programa televisivo americano Soul Train, Don Cornelius (1936-2012), uma gravadora dedicada à música negra, a Soul Train Records. A ideia era apostar no r&b, mais especificamente naquele mais próximo da disco music, então o estilo musical mais efervescente em termos comerciais.

Em 1977, como forma de entrar com força nesse mercado e explorar um veio bem seguido naqueles anos, Griffey arregimentou cantores e músicos de estúdio e gravou um pot-pourry com trechos de vários hits da Motown Records (como Going To a Go-Go e I Can’t Help Myself) e intitulado Uptown Festival. O single, creditado ao Shalamar, atingiu o 25º posto na parada pop e o 10º na de r&b.

Ficou claro para Griffey que poderia ser interessante criar um grupo de verdade para não só divulgar aquele single em rádios e TVs como também fazer shows e gravar um álbum completo. Dos cantores que participaram de Uptown Festival, Gary Mumford foi considerado o mais adequado a entrar no projeto. Completaram o time dois dançarinos estilosos do cast do Soul Train.

Jody Watley, nascida em 30 de janeiro de 1959, subiu ao palco pela primeira vez na vida aos oito anos de idade, em um show de seu padrinho, ninguém menos do que o lendário soul man Jackie Wilson (1934-1984). Ao participar do Soul Train, logo se tornou um dos destaques do elenco de dançarinos, por dançar bem, ter um belíssimo visual e estilo próprio. De quebra, tinha um belo parceiro de dança.

Jeffrey Daniel, esse “parça”, nasceu em 24 de agosto de 1955, e era estilosíssimo, além de criativo. Reza a lenda que foi ele quem inventou os passos que, depois, se tornaram mundialmente conhecidos através de Michael Jackson, o célebre moonwalk. Quando surgiram as vagas para o Shalamar, e ao ficar claro que eles também cantavam, e bem, Dick Griffey os escalou para gravar o 1º LP.

Intitulado Uptown Festival, o LP saiu em 1977 e teve boa vendagem. Só que surgiu um problema pouco depois de seu lançamento: Don Cornelius quis encerrar as atividades da Soul Train Records, para se dedicar exclusivamente ao programa de TV. Inconformado, Dick Griffey comprou a parte do ex-sócio e mudou o nome da empresa, que passou a se chamar Solar (sigla criada a partir do nome Sound Of Los Angeles, sua solar cidade-sede).

A nova fase da gravadora estreou com o segundo álbum do Shalamar, Disco Gardens (1978), que trouxe o jovem veterano Gerald Brown na vaga de Gary Mumford. Este trabalho marcou o início da parceria do grupo com o produtor, baixista e compositor Leon Sylvers III, integrante do The Sylvers que naquele momento resolveu se concentrar na área da produção e sair daquela bem-sucedida banda de r&b pop.

A parceria rendeu um hit logo de cara, a deliciosa Take That To The Bank (Leon Sylvers III- Kevin Spencer), uma espécie de aperitivo do que viria a seguir. Pouco depois do lançamento do álbum, mais uma alteração no grupo: Gerald Brown saiu de forma intempestiva durante a turnê de divulgação do álbum. Para preencher a vaga, Watley e Daniel se lembraram de um cara talentoso que encontraram em um de seus shows, em Akron, Ohio.

A peça final no quebra-cabeças intitulado Shalamar atende pelo nome de Howard Hewett, nascido em 1º de setembro de 1955 e cujas marcas registradas eram o carisma, a ótima voz, a desenvoltura como dançarino e o mais do que instantâneo entrosamento com seus novos colegas de banda.

O “grupo-armação” ganha identidade própria

O terceiro álbum do trio, Big Fun (1979), trouxe, além da excelente estreia de Hewett no time, a adição de uma série de músicos arregimentados por Leon Sylvers III, que além de forte consistência e identidade sonora, trariam também ótimas composições. A primeira delas foi o primeiro grande hit do Shalamar, Second Time Around, assinada por Sylvers com um desses músicos.

Trata-se do tecladista William Shelby, irmão do cantor Thomas Shelby, do ótimo grupo de r&b Lakeside (conhecido pelo hit massivo na praia da black music Fantastic Voyage, de 1980). Ele, Kevin Spencer (teclados), Richard Randolph (guitarra) e Nidra Beard (cantora, compositora e mulher de Sylvers) também integravam outra banda da Solar Records produzida por Sylvers, a Dynasty.

Second Time Around atingiu o 8º posto na parada pop e o topo da parada de r&b americanas, além de ter integrado a trilha da novela global Duas Vidas em 1980. O álbum, nº 23 na parada pop e nº 4 na de r&b, trouxe outro hit bacana, I Owe You One (Joey Gallo- Leon Sylver III), e criava uma grande expectativa em torno do que viria a seguir. E isso se confirmou com o antológico Three For Love.

Leon Sylvers II pôe seus craques em campo

Para as gravações de Three For Love, Leon Sylvers III arregimentou um timaço. Além dele próprio e do irmão Foster no baixo, temos (entre outros) Kevin Spencer, William Shelby, Ricky Smith e Joey Gallo nos teclados, Wardell Potts Jr. na bateria, Ernest Pepper Reed, Richard Randolph, Stephen Shockley e Ricky Silver na guitarra, boa parte deles integrantes do projeto Dynasty.

Como vários desses músicos também eram parceiros nas composições das músicas, certamente deram aquele algo a mais para que as suas músicas ficassem com a melhor roupagem e pudessem lhes render um bom dinheiro. Inteligente, Leon soube explorar a versatilidade e o talento de cada um deles.

Ao contrário de outros grupos similares a este, o Shalamar tinha também a participação de seus integrantes como coautores de algumas músicas. Mais: eles também ajudavam nos arranjos vocais, em parceria com William Shelby e Sylvers. E os ótimos arranjos de cordas e metais ficaram a cargo de Gene Dozier, John Stevens e Ben Wright.

E já que falamos nos vocais, vale lembrar que aqui também temos muita qualidade e eficiência. Howard Hewett é o mais destacado no time, mas Jody Watley não ficava muito atrás, com os dois se alternando nos vocais principais e Jeffrey Daniel na maior parte do tempo participando das harmonizações vocais e bolando as coreografias.

Sucesso, mesmo em plena crise da disco music

Se em termos artísticos Three For Love tinha tudo para ser o discaço que acabou sendo, em termos comerciais sofreu um pouco com o contexto da época em que foi lançado. Mesmo tendo ultrapassado um milhão de cópias vendidas e valido ao grupo o seu primeiro disco de platina nos EUA, o álbum atingiu apenas a posição de nº 40 na parada pop, e a 8º na de r&b, com seus ótimos singles atingindo posições bem inferiores a Second Time Around.

E qual era o problema? Simples. No segundo semestre de 1979, teve início nos EUA um odioso movimento de cunho racista e homofóbico intitulado Disco Sucks (disco music “fede”, em tradução livre), liderado por verdadeiros fundamentalistas brancos que não admitiam que a disco tivesse tanta repercussão. Eles chegaram a fazer cerimônias públicas de destruição de LPs e singles de disco music. O horror, o horror!

Essa pressão gerou um clima de medo em importantes setores da mídia, e graças a isso, em 1980 artistas mais fortemente rotulados como de disco music, como Bee Gees, Chic, Village People e muitos outros, viram da noite para o dia seus trabalhos saírem das programações de rádios e TVs e terem muito menos divulgação do que antes.

Embora certamente tenha sido prejudicado por esse movimento, o Shalamar nunca deixou de lado suas raízes no r&b em seus trabalhos, e dessa forma mantinha um público fiel e grande nessa praia musical, o que lhes valeu naquele momento um resultado comercial muito melhor do que outros colegas.

Na época, a posição dos singles nos EUA era tirada a partir de uma média entre vendagens e execução em rádios. Como a disco music teve uma queda grande nas execuções em rádios mais populares, isso explica porque single matadores como Make That Move (nº 60 pop, nº6 no r&b), Full Of Fire (nº 55 pop, nº24 r&b) e This Is For The Lover In You (não entrou na parada pop, nº17 r&b) tiveram um desempenho tão fraco na parada pop.

Three For Love, faixa a faixa

FULL OF FIRE (Jody Watley-Joey Gallo- Richard Randolph)
O primeiro hit single do álbum traz como marcas uma guitarra bem roqueira, um arranjo vocal repleto de nuances, com Jody comandando as ações, um refrão impactante e uma mistura muito bem dosada de r&b e disco. Bela abertura de álbum, dando a medida do que viria a seguir, em termos de qualidade musical. A letra, escrita pela menina do trio, aposta ousadamente, mas de forma polida até, no lado sensual e sexual do amor.

ATTENTION TO MY BABY (William Shelby-Kevin Spencer-Wardelll Potts Jr.)
Mantendo o clima dançante, esta canção traz Hewett no vocal principal, dialogando bem com os backing vocals e as passagens de cordas.

SOMEWHERE THERE’S A LOVE (William Shelby-Ernest Pepper Reed-Otis Stokes)
Chegou a hora de uma slow jam, termo usado para definir canções lentas e sensuais no universo da black music. Aqui, Hewett e Jody se revezam no vocal principal, em uma balada doce, romântica até a medula, com letra idealista e esperançosa (“em algum lugar, existe um amor só pra mim). Fofa até a medula!

SOMETHINGS NEVER CHANGE (William Shelby- Dana Meyers)
O lado A do vinil se encerra com uma canção balançada, com belos riffs de sintetizador e um groove delicioso, com aquelas vocalizações cheias de sutilezas típicas do Shalamar.

MAKE THAT MOVE (Kevin Spencer- William Shelby- Ricky Smith)
Entre as oito faixas de Three For Love, é a mais escancaradamente disco, e provavelmente uma das melhores gravações do trio americano. Timbres instrumentais, variações vocais, elaboração melódica, arranjo de cordas, tudo esta perfeito por aqui, além de uma letra otimista, pra cima e contagiante. Clássico das pistas!

THIS IS FOR THE LOVER IN YOU (Howard Hewett- Dana Meyers)
Depois de um verdadeiro petardo dançante, temos aqui o momento mais soul music do álbum, uma balada arrebatadora na qual Howard Hewett dá um verdadeiro banho de interpretação, apoiado por vocalizações no mínimo arrepiantes. Certamente a melhor balada da carreira do grupo. Em 1996, o cantor, compositor, músico e produtor Babyface, que teve uma passagem pela Solar Records no início de sua premiada carreira, regravou esta belezura para seu álbum The Day, com participações especiais de LL Cool J e também de Jody, Hewett e Daniel, a primeira reunião da formação clássica do grupo desde 1993 e a única desde então. Essa releitura atingiu o nº 6 na parada pop e o nº 2 na de r&b.

WORK IT OUT (Jody Watley-Nidra Beard)
Esta parceria de Jody Watley com a cantora do grupo Dynasty tem semelhanças com o hit Second Time Around, embora sem ser uma cópia descarada. Leve, descontraída, serve como um bom veículo para a cantora, com uma letra otimista do tipo “nós vamos conseguir fazer isso dar certo”.

POP ALONG KID (Jeffrey Daniel-Howard Hewett-Nidra Beard)
O álbum se encerra com a canção de pegada mais eletrônica, com direito a um belo riff de sintetizador. Aqui, quem faz o vocal principal é Jeffrey Daniel, interpretando uma letra feita sob encomenda para ele, o “garoto pop” da banda por excelência. Pode não ser um cantor tão efetivo como seus então colegas de banda, mas consegue um bom desempenho e deixando os fãs com um sabor de quero mais nos ouvidos.

Three For Love ficou na posição de nº 43 no ranking The 80 Greatest Albums of 1980 da edição americana da revista Rolling Stone. O álbum saiu no Brasil no início de 1981 pela gravadora RCA, e nunca saiu por aqui no formato CD.

A formação clássica do Shalamar se manteria unida até 1983, quando, após o lançamento do álbum The Look, Jody e Daniel resolveram sair do grupo. Mas essa história a gente conta em outra ocasião.

Ouça Three For Love em streaming:

Paulinho, 68 anos, grande cantor e membro de um grupo seminal

paulinho roupa nova

Por Fabian Chacur

Os Três Mosqueteiros, de Alexandre Dumas, eram, na verdade, quatro. E os equivalentes brasileiros do mundo na música eram seis. Sim, infelizmente sou obrigado a colocar o verbo no passado, pois um deles se foi nesta segunda-feira (14) aos 68 anos. Estou me referindo ao Roupa Nova, e seu mosqueteiro que infelizmente se retira de cena é Paulo Cesar Santos, o Paulinho, vocalista e percussionista que nos deixa aos 68 anos, vítima de covid-19, ele que há três meses havia feito um transplante de medula óssea.

E porque a comparação com os personagens da literatura baseados de certa forma na vida real? Simples: em seus exatos 40 anos de carreira, sempre com a mesma formação, Paulinho e seus fiéis parceiros, Cleberson Horst, Ricardo Feghali, Kiko, Serginho Herval e Nando sempre foram adeptos da máxima “um por todos, todos por um”. Não é de se estranhar que essa formação única só se quebre agora por causa de um problema de saúde.

Tudo começou nos anos 1970, quando o grupo Famks foi criando fama na cena dos bailes cariocas. Eles chegaram a gravar discos, mas faltava alguma coisa. Até que Paulinho, Nando, Kiko e Cleberson convidaram para entrar no time dois novos mosqueteiros, Feghali e Serginho. Com a nova escalação, faltava um nome mais bacana, que veio de uma música composta por Milton Nascimento e Fernando Brant de encomenda pra eles. Roupa Nova!

O disco de estreia saiu há exatos 40 anos, e nos mostrou logo de cara que não se tratava de qualquer grupo. Ou você encontra todo dia uma formação em que todos cantem e toquem muito bem, além de serem versáteis e criativos? Logo naquele álbum, intitulado Roupa Nova, emplacaram seus primeiros hits, maravilhas do naipe de Sapato Velho, Bem Simples, Canção de Verão e o presentão de Milton, padrinho da banda.

Apesar da cara amarrada de boa parte da crítica especializada (sempre eles…), o Roupa Nova logo se mostrou não só um grupo com luz própria, emplacando hit em cima de hit, como também se tornaram reis dos estúdios, gravando com artistas como Roberto Carlos, Gal Costa, Tim Maia e quem você imaginar, sempre dando seu auxílio luxuoso a artistas dos mais diferentes estilos. Até a música-tema do Rock in Rio em 1985 eles fizeram!

Em 1986, em uma das primeira entrevistas coletivas de que participei como jornalista, tive a honra de ter meu primeiro contato com o sexteto, e foi paixão à primeira vista, tal a simpatia deles. Embora todos participassem das vocalizações, os cantores que se incumbiam dos solos vocais eram Paulinho, que também se virava bem na percussão, e Serginho Herval, um de nossos melhores bateristas. Aliás, todos nessa banda são cobras criadas.

Um dos grandes méritos do Roupa Nova reside em seus incríveis arranjos vocais, ao mesmo tempo elaborados e extremamente bons de se ouvir. Quem ouviu o que eles fizeram com Yesterday, dos Beatles, sabe bem do que estou falando. Populares, sim, mas bem longe de popularescos, mesmo nas canções mais escancaradamente românticas que gravaram nesses anos todos.

Serginho era o cara das baladas mais doces, como Anjo e Bem Simples, enquanto Paulinho sempre esbanjou potência vocal e agito na hora dos rocks mais dançantes, do tipo Whisky a Go-go e Show de Rock And Roll, ou nas power balladas do tipo Volta Pra Mim e Linda Demais.

Com todos esses atributos, aliados a uma união invejável, o Roupa Nova conseguiu atravessar quatro décadas lotando os shows, frequentando as programações de rádios e mantendo um fã-clube fiel, sempre com um trabalho consistente e capaz de cativas os mais diferentes tipos de público. E bem-humorados, como em uma entrevista para mim nos anos 1990, na qual se autodenominaram os “dinossauros do brega”. Brega? Tá bom…

Linda Demais– Roupa Nova:

Sapato Velho (clipe)- Roupa Nova:

Vanusa, 73 anos, a cantora talentosa de personalidade forte

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Por Fabian Chacur

No início dos anos 2000, estava em uma loja de CDs e vi, em um balcão de ofertas, a coletânea Grandes Sucessos, de Vanusa, lançada em 1998 pela gravadora BMG. Quando peguei o disco em minhas mãos e conferi o repertório, lembrei-me de que não tinha um único álbum dela em minha coleção, mesmo amando a sua voz. Nem é preciso dizer que comprei rapidamente esta compilação. Acho que isso ilustra como as polêmicas em torno dela ofuscaram o que ela teve de maior, que era o talento como cantora e compositora. Ela infelizmente nos deixou neste domingo (8), aos 73 anos.

Vanusa Flores Santos nasceu em Cruzeiro (SP) em 22 de setembro de 1947, e foi criada em Uberaba (MG). Sua carreira como cantora teve início com o apoio de Eduardo Araújo e Carlos Imperial, não por acaso os autores do primeiro sucesso da moça, a deliciosa Pra Nunca Mais Chorar, lançada em 1967, nos estertores da Jovem Guarda. Embora tenha tido outros hits pouco depois, o melhor mesmo viria nos anos 1970.

O auge de Vanusa teve o pontapé inicial em 1973 com o sucesso da maravilhosa Manhãs de Setembro, composição dela em parceria com o músico e produtor musical Mario Campanha, o eterno produtor das Irmãs Galvão. Em 1975, fez a gravação definitiva de Paralelas, de Belchior, estouro ao ser incluída na trilha sonora da novela global Duas Vidas.

Com uma voz potente e muito bem colocada, ela logo emplacou outras canções nas paradas de sucesso, como Amigos Novos e Antigos (João Bosco e Aldir Blanc, da trilha de Anjo Mau) e Estado de Fotografia (Malim e Sérgio Sá, da trilha de O Astro), além de uma gravação irresistível de Congênito, de Luiz Melodia. Ela até estrelou uma novela, Cinderela 77, tendo Ronnie Von como o seu par romântico.

Mulher de personalidade forte e de opiniões diretas e sem rodeios, Vanusa foi casada com dois nomes importantes da cena cultural brasileira, o cantor e compositor Antônio Marcos, nos anos 1970, e o diretor e ator Augusto César Vannucci. Curiosamente, ambos morreram no mesmo ano, 1992, e ela nos deixa no exato dia em que seria comemorado o 75º aniversário de Antônio Marcos. E Vanucci nos deixou também no mês de novembro, no dia 30.

A partir dos anos 1980, a artista infelizmente deu uma bela sumida das paradas de sucesso, voltando à mídia apenas por entrevistas apimentadas e problemas particulares. A coisa piorou muito a partir de 2009, quando ela se enrolou toda ao interpretar o Hino Nacional Brasileiro durante uma cerimônia na Assembleia Legislativa de São Paulo. Em plena era da internet, o vídeo com o registro desse momento triste viralizou, e as pessoas e a imprensa exploraram esse momento infeliz da cantora de forma cruel.

A única notícia positiva e ligada à música nesses últimos 11 anos ocorreu em 2015, quando a cantora, com o apoio de Zeca Baleiro, lançou o que viria a ser seu último álbum de estúdio, Vanusa Flores Santos. Nos últimos dois anos, Vanusa morou em uma casa de repouso em Santos, e foi vítima de problemas respiratórios. Ela deixa os filhos Amanda, Aretha e Rafael.

Paralelas- Vanusa:

Edna Wright, do Honey Cone, feminista sem perder o swing

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Por Fabian Chacur

Edna Wright nos deixou no último dia 12 de setembro, aos 76 anos. Em uma época na qual as mulheres lutam cada vez mais por seus direitos em um mundo ainda predominantemente machista, é sempre bem-vindo relembrar o trabalho de uma cantora e compositora que figura entre as pioneiras nessa direção, em termos musicais. A integrante do grupo Honey Cone e intérprete de poderosos libelos feministas como Want Ads não merece ser esquecida. Então, lá vamos nós, em uma viagem aos anos de ouro desta importante artista negra norte-americana.

Nascida em 1944, Edna é a irmã mais nova de outra cantora do primeiro escalão, Darlene Love, conhecida por seus trabalhos ao lado do produtor Phil Spector. Filha de um pastor evangélico, ela deu seus primeiros passos como cantora atuando em corais de igreja. Nessa área, fez parte do grupo gospel The COGIC (Church Of God In Christ). Com o apoio de Darlene, participou de trabalhos com Spector, e em 1964 foi a vocalista principal do single pop Yes Sir That’s My Baby, creditado a Haze And The Hushabyes, projeto que incluía Brian Wilson, Sonny & Cher e Jackie DeShannon.

Com o pseudônimo Sandy Wynns, a cantora lançou alguns singles entre 1965 e 1967, entre os quais um pequeno hit, A Touch Of Venus. Além disso, participou de gravações de Ray Charles, The Righteous Brothers e Johnny Rivers. Ela também eventualmente marcava presença no grupo vocal de sua irmã, The Blossoms, e fez amizade com outras duas cantoras, Shelly Clark, que foi uma das Ikettes de Ike & Tina Turner, e Carolyn Willis.

Em meados de 1968, Darlene Love não tinha como cumprir o compromisso de se apresentar no programa de TV do cantor Andy Williams, e pediu para que Edna a substituísse. Ela não só aceitou o convite como resolveu levar Shelly e Carolyn junto com ela. Um amigo de Edna, o famoso compositor Eddie Holland, conhecido pelas canções que escreveu ao lado do irmão Brian Holland e de Lamont Dozier para grupos como The Four Tops e The Supremes, viu a performance das meninas, e ficou entusiasmado.

Naquele momento, Holland-Dozier-Holland estavam saindo da Motown Records, onde trabalhavam, para montar seu próprio negócio, os selos Hot Wax e Invictus, e perceberam que as três garotas insinuantes e boas de voz poderiam ser as Supremes ou Martha And The Vandellas de seu novo empreendimento. Convite feito, convite aceito, mesmo que as meninas não tenham ficado muito contentes com o nome com que H-D-H batizaram o grupo: Honey Cone.

Como não podiam assinar novas músicas com seus nomes por causa de uma batalha jurídica com sua antiga empregadora, H-D-H passaram a usar como “laranja” o nome de um de seus colaboradores, Ronald Dunbar, em uma parceria de fachada com uma certa Edyth Wayne que na verdade não existia. Mas, embora o Honey Cone tenha gravado várias músicas de “Dunbar-Wayne”, foram outros os compositores que criaram os hits para o trio.

Um deles deles foi General Johnson, cantor de outro grupo da Hot Was-Invictus, o Chairman Of The Board, de hits como Give Me Just a Little More Time. Seu parceiro nessas canções, o músico Greg Perry, acabou virando o parceiro de vida de Edna, casando-se com ela. Absorvendo o clima feminista da época, eles criaram canções sacudidas com letras nas quais as meninas não se submetiam à tirania masculina, propondo relações afetivas mais justas.

O primeiro single do trio, While You’re Out Looking For Sugar, saiu em 1969, seguido pouco depois pelo álbum de estreia, Take Me With You (1970). A repercussão foi apenas mediana, mas a semente parecia promissora, e H-D-H sacaram que deviam continuar investindo nas meninas. Valeu a pena, e como!

Em 1971, o feminismo empoderado entrou com força total nas paradas de sucesso, e um dos precursores dessa nova vertente musical foi o single Want Ads (ouça aqui), do Honey Cone. Com seu balanço contagiante e uma letra que propunha colocar um anúncio nos classificados de jornal para encontrar substituto para um namorado vacilão, o single com essa faixa chegou ao número 1 na parada pop americana e também na de r&b, destronando nada menos do que Brown Sugar, dos Rolling Stones (simbólico demais!) e vendendo mais de um milhão de cópias.

Sweet Replies (1971), o álbum que traz Want Ads, atingiu o nº 137 entre os álbuns pop e nº 15 nos de r&b. Uma curiosidade: a marcante guitarra-base de Wants Ads foi gravada por um então adolescente Ray Parker Jr., que depois faria fama com o grupo Raydio e em carreira-solo (Ghostbusters e muito mais). Animada com o sucesso, a gravadora Hot Wax resolveu não perder tempo, partindo rapidamente para o lançamento de um novo LP.

Naquele mesmo 1971, Soulful Tapestry chegava às lojas, com faixas inéditas e trazendo os dois hits do trabalho anterior como faixas-bônus, Want Ads e The Day I Found Myself (chegou ao 23º lugar na parada pop, ouça aqui). O álbum chegou ao nº 72 na parada pop e ao 15º no chart de r&b.

Uma das inéditas bateu forte por lá e também aqui no Brasil. Trata-se de Stick Up, petardo dançante que liderou a parada de r&b e atingiu o 15º posto na parada pop, também ultrapassando a marca de um milhão de singles vendidos. Essa faixa e outra de Soulful Tapestry, Don’t Count Your Chickens (ouça aqui) foram incluídas na trilhas sonora internacional da novela global O Primeiro Amor (1972). Outro hit foi One Monkey Don’t Stop No Show Parts 1 & 2 (ouça aqui)

O céu era o limite para essas garotas incríveis? Infelizmente, não. Por problemas de administração, as gravadoras de H-D-H tiveram sérias dificuldades para repetir o sucesso dos lançamentos anteriores, e isso explica o fracasso do 4º álbum do Honey Cone, Love, Peace & Soul (1972), que não passou do nº 189 na parada pop e do nº 41 na de r&b, com o ótimo single Innocent ‘Til Proven Guilty (ouça aqui) fracassando nas paradas.

Aí, Carolyn Willis, insatisfeita com os rumos com o trio estava percorrendo naquele momento, preferiu sair fora. E, logo a seguir, Edna e Shelly decidiram dar um fim ao grupo, em 1973. Em 1976, a Hot Wax tentou reviver a marca Honey Cone com outras cantoras, entre elas Shanon Cash, mas o single lançado, Somebody Is Always Messing Up A Good Thing, foi ignorado pelo público, e essa tentativa ficou por aí.

Willis, que era a arranjadora vocal do grupo, participou do hit Get Closer, da dupla Seals & Crofts, participou das bandas de apoio de artistas do porte de Neil Diamond, Carly Simon e Boz Scaggs e gravou jingles para empresas de grande porte. Por sua vez, Shelly se casou em 1980 com Verdine White, baixista do Earth, Wind & Fire, e passou a trabalhar em produção de programas de TV e em empresas de assessoria de celebridades.

Em 1977, Edna Wright foi contratada pela gravadora RCA, e lançou seu primeiro (e, infelizmente, único) álbum solo, Oops! Here I Go Again (ouça aqui ). Nele, ela mostrou o seu lado compositora, escrevendo as sete canções em parcerias com o marido Greg e também com Angelo Bond e Terrance Harrison. O disco é bem legal, mas fracassou em termos comerciais. Sua espetacular faixa título é cultuada pelos fãs de r&b dançante, e foi resgatada em 2009 na maravilhosa coletânea Rare Groove- The Master Series, lançada pela Sony Music inclusive no Brasil. Ray Parker Jr. também participa deste álbum.

A partir dali, Edna largou mão da carreira individual e passou a trabalhar como vocalista de apoio, trabalhando com nomes do porte de U2, Whitney Houston, Aaron Neville, Kim Carnes, Cher, Mike Love (dos Beach Boys) e Annie Lennox, entre outros. Em 2014, Edna e Shelly Clark reviveram o Honey Cone, com Melody Perry (filha de Edna) na vaga de Carolyn, para dois shows durante o cruzeiro marítimo Soul Train Cruise.

A música do Honey Cone continuou e continua cultuada pelos fãs de r&b e soul, e foi sampleada por outros artistas em algumas ocasiões. Kanye West, por exemplo, sampleou Innocent ‘Til Proven Guilty para criar a sua composição Testify, que ele produziu para o astro do r&b Common em 2005. Edna faz uma rápida aparição no clipe que divulgou Testify.

Por sua vez, o grupo de hip hop De La Soul sampleou Oop! Here I Go Again, do único disco solo de Edna Wright, na sua música Pass The Plugs, faixa incluída no segundo álbum do trio, De La Soul Is Dead (1991).

Ao lado de Jean Knight, Betty Wright (que infelizmente também nos deixou este ano) e Freda Payne, Edna figura entre as pioneiras do som feminino “empoderado”, e não pode ser esquecida nem pelas feministas, nem por quem gosta de dançar e menos ainda pelos fãs de soul music.

Stick Up– Honey Cone:

Johnny Nash, o americano que ajudou a popularizar o reggae

johnny nash

Por Fabian Chacur

Chega a ser irônico o fato de que, em um ano tão duro e cinza como este sofrido 2020, o autor de um dos hinos mais solares referentes à esperança de se ver um tempo melhor enfim chegar nos deixe. Trata-se do cantor, compositor, produtor e ator americano Johnny Nash, que se foi nesta terça (6) aos 80 anos de idade. Sua canção mais conhecida, I Can See Clearly Now, é uma dessas injeções de ânimo musicais que nunca sairão de moda.

John Lester Nash Jr. nasceu em Houston, Texas, no dia 19 de agosto de 1940, e deu início ao seu envolvimento com a música cantando em igrejas. Ainda adolescente, aos 17 anos, lançou o seu primeiro single, A Teenager Sings The Blues (1957). Sua gravação de A Very Special Love, em 1958, valeu um respeitável 23º lugar na parada americana. Em 1959, gravou ao lado de Paul Anka e George Hamilton IV The Teen Commandments, que proporcionou ao trio um 29º lugar entre os singles mais vendidos na época.

Nash estrelou como ator o filme Take a Giant Step (1959), que lhe valeu muitos elogios e até mesmo uma premiação. Embora tenha atuado outras vezes nos anos seguintes, ele preferiu se dedicar com mais afinco à música. Em 1965, criou com o manager Danny Sims o selo Joda. Pouco depois, foi à Jamaica e ficou apaixonado pela música local, especialmente pelo rocksteady, ritmo pop que resolveu tentar divulgar nos EUA.

Lá pelos idos de 1967, montou uma nova gravadora, a JAD, e nessa época começou uma parceria artística com o então iniciante grupo The Wailers, que gravou alguns discos com ele. O líder dessa banda, um certo Bob Marley, de quebra comporia várias músicas que Nash registraria ele próprio.

Em 1972, Johnny Nash assinou com a gravadora Epic, e se deu bem ao lançar o single I Can See Clearly Now (ouça aqui). Acompanhado pela banda jamaicana The Fabulous Five Inc, ele captou o espírito do então emergente reggae e o misturou com elementos de soul e pop. Acertou na mosca, chegando ao topo da parada americana de singles e vendendo mais de um milhão de cópias desse compacto.

O álbum que lançou a seguir, intitulado I Can See Clearly Now, trouxe quatro composições de Bob Marley: Guava Jelly, Comma Comma, You Poured Sugar On Me e Stir It Up. Esta última também saiu em single e foi o seu segundo maior sucesso, chegando ao 12º posto nos EUA e se tornando o primeiro hit internacional escrito pelo mestre do reggae, que a regravaria e a incluiria em seu primeiro álbum pela Island Records, Catch a Fire (1973).

A partir daí, Nash teria dificuldades em replicar hits tão significativos, e passou a gravar de forma muito mais esparsa, praticamente sumindo de cena depois de lançar o álbum Here Again (1986). I Can See Clearly Now, no entanto, continuou lhe rendendo frutos. Jimmy Cliff a regravou em 1993 para a trilha do filme Jamaica Abaixo de Zero (Cool Runnings, 1993) e chegou ao 18º posto nos EUA.

Outras releituras de I Can See Clearly Now foram feitas por Ray Charles, The Hothouse Flowers, Lee Towers e até mesmo a nossa Marisa Monte. Essa música volta e meia é usada em comerciais de TV, incluindo uma campanha televisiva recente no Brasil. Que sua mensagem positiva se torne realidade em breve.

Stir It Up– Johnny Nash:

Janis Joplin, 27 anos, a bela voz que não era mesmo desse mundo

pearl janis joplin

Por Fabian Chacur

Pearl foi um dos grandes álbuns lançados no ano de 1971. Manteve-se por longas nove semanas no topo da parada americana, e conquistou o público do mundo todo. Era o atestado pleno da maturidade de uma grande intérprete, que havia conseguido dosar toda a sua garra sem no entanto perder a emoção, jamais. Pena que a protagonista desse trabalho exemplar já não estivesse mais entre nós. Janis Joplin nos deixou em 4 de outubro de 1970, mas seu legado, 50 anos depois, permanece aí, firme e forte. A mais preciosa das pérolas.

A incrível cantora e compositora nascida em Port Arthur, Texas, no dia 19 de janeiro de 1943, saiu de cena no exato dia em que iria colocar a voz na última faixa do álbum que estava gravando na época. O título dessa canção não poderia ser mais sinistro, levando-se em conta o que acabou acontecendo: Buried Alive In The Blues (enterrada no blues, em tradução livre). A gravação instrumental feita por sua banda acabou sendo escolhida para encerrar o lado 1 de Pearl.

Uma overdose de heroína a levou com apenas 27 anos. Só nos cabe especular sobre o que aconteceu naquele dia fatídico, mas tudo leva a crer que se tratou de uma triste fatalidade, e não de um suicídio. Parafraseando a maravilhosa letra de Bernie Taupin para a melodia de Elton John, Candle In The Wind, “parece para mim que ela viveu a sua vida como uma vela ao vento”. E, para tristeza de seus inúmeros fãs, o vento venceu a vela cedo demais.

Uma evidente razão pela qual Janis teve muita dificuldade para encontrar um equilíbrio que no fim das contas não conseguiu descobrir era uma contradição inerente a seu modo de ser. Uma espécie de bipolaridade, digamos assim. De um lado, tínhamos uma tímida e recatada garota caipira, cujo sonho era ter um marido que a amasse e que lhe proporcionasse filhos, um lar, felizes almoços e jantares…. Uma família nos moldes mais tradicionais.

Do outro, tínhamos uma garota irreverente, rebelde, carismática, fã de rock, blues e soul e com o nítido desejo de conquistar o mundo com uma voz incandescente e uma presença de palco cativante, disposta a superar e a vencer as rejeições e o machismo para ser “mais um dos rapazes”. Uma estrela incandescente, para iluminar a tudo e a todos com seu imenso talento.

Mas não existiram e ainda existem vários artistas que conseguiram conciliar esses dois extremos? Sim, mas não podemos nos esquecer de que estamos falando dos anos 1960, quando as mulheres ainda lutavam contra um posicionamento conservador que só admitia a elas um lugar secundário na sociedade. E algumas, entre elas Janis, lutavam contra uma espécie de “sentimento de culpa” por buscar fugir dos padrões tradicionalistas.

Seja como for, Janis, em seu curto tempo de vida, soube criar uma obra que se mantém relevante e deliciosa de se ouvir. E que, certamente, continuará atraindo novos fãs. Eu, por exemplo, a descobri no finalzinho da minha adolescência. Inicialmente, pensava se tratar de uma cantora “gritona” e folclórica no mau sentido, e não me animava a ir atrás de seus trabalhos.

Após ler sobre ela em várias revistas, especialmente a seminal Rock a História e a Glória, resolvi, entre 1980 e 1981, arriscar-me. Na extinta loja Sears do bairro paulistano do Paraíso (onde hoje temos um shopping), fiquei fascinado pela capa de Pearl e o comprei no escuro. Ao chegar em casa, pus a bolacha para tocar. E logo em sua primeira faixa, Move Over, já estava devidamente conquistado por ela. Ao chegar ao final do LP, queria mais, e mais, e mais doses daquela voz.

Em seu curto período de vida, a cantora texana passou por três fases distintas. A primeira ao lado do Big Brother And The Holding Company, grupo cujo vigor superava possíveis deficiências técnicas. Com eles, gravou o promissor Big Brother And The Holding Company (1967) e o empolgante Cheap Thrils (1968), este último com as avassaladoras Summertime, Ball And Chain e Piece Of My Heart.

Suas apresentações ao vivo deram a ela a chance de ampliar e muito o seu público, e ganhar fãs também entre seus colegas de profissão. Um dos momentos mais marcantes nesse sentido, flagrado no documentário sobre o Festival Monterey Pop em 1967, mostra Mama Cass, integtrante dos The Mamas & The Papas, boquiaberta na plateia e soltando um “uau!” ao vê-la interpretar de forma visceral Ball And Chain.

Influenciada pelo empresário Albert Grossman, resolveu sair do Big Brother junto com o guitarrista da banda, Sam Andrew, para montar uma banda com músicos mais tarimbados e com direito a sessão de metais. Nascia a Kozmic Blues Band, que a acompanhou no álbum I Got Dem Ol’ Kozmic Blues Again Mama! (1969), um bom trabalho, mas possivelmente um pouco contido demais, trazendo os hits Try (Just a Little Bit Harder), Maybe e One Good Man.

O segredo do que viria a ser Pearl foi exatamente o poder de síntese, mesclando a energia contagiante dos discos iniciais com a técnica mais apurada de Kozmic Blues. Um álbum nota 10 que parece coletânea, com direito a Me And Bobby McGee (que chegou ao número 1 nos EUA no formato single), Cry Baby, A Woman Left Lonely e My Baby, por exemplo.

A rigor, nenhum disco de Janis Joplin, incluindo aí os gravados ao vivo e os póstumos, pode ser descartado ou considerado inferior. Farewell Song (1982), por exemplo, com nove faixas registradas entre 1965 e 1970, encanta com maravilhas como Tell Mama e a fantástica One Night Stand, esta última uma balada daquelas de cortar os pulsos.

O fato é que Janis não deu conta de encarar o preço que o sucesso cobra de grandes talentos como ela. Em comum com a Pérola do Texas, Amy Winehouse também nos deixou aos 27 anos e também esteve no Brasil no início do ano em que nos deixou, 2011. Joplin nos visitou no início de 1970, causando furor no Rio de Janeiro e dando uma canja ao lado do hoje também saudoso Serguei.

Janis Joplin é audição essencial para qualquer fã de rock, e foi uma das responsáveis pela introdução do blues e da soul music para o público branco jovem daqueles anos 1960. Continua sendo referência e matéria obrigatória para quem deseja conhecer o melhor da música popular do século XX. Que tal ouvir Pearl agora mesmo?

Ouça Pearl, de Janis Joplin, em streaming:

Mac Davis, 78 anos, um craque que acreditava muito na música

mac davis

Por Fabian Chacur

Um dos primeiros compactos simples de vinil que comprei na vida foi I Believe In Music, do grupo americano Gallery, música que me encanta até hoje. Essa foi a minha porta de entrada para o trabalho de Mac Davis, autor dessa e de inúmeras outras canções maravilhosas, dos anos 1960 até há pouco. Ele nos deixou nesta terça-feira (29) aos 78 anos, e nos deixou um legado de alguém que acreditava na música e sabia fazê-la com talento, sensibilidade e senso pop.

Nascido em 21 de janeiro de 1942 na cidade de Lubbock, Texas, a mesma do lendário Buddy Holly, Mac curiosamente deu o pontapé inicial em sua carreira musical quando saiu de lá para morar em Atlanta. Ele gravou dois singles com o grupo The Zots e trabalhou como manager regional da Liberty Records.

As coisas começaram a tomar rumo para ele ao ser contratado pela Boots Enterprises Inc, da cantora Nancy Sinatra. Além de participar dos discos da filha do velho e genial Frank, Mac também começou a mostrar as suas composições para outros intérpretes, e não poderia ter se dado melhor.

Afinal de contas, Mac conseguiu atrair a atenção de ninguém menos do que Elvis Presley. Entre outras canções de autoria do nosso herói, o Rei do Rock imortalizou maravilhas como In The Ghetto (ouça aqui), A Little Less Conversation (que ganharia ainda mais sucesso em um remix, no início deste século, ouça aqui), Memories, Don’t Cry Daddy e Clean Up Your Own Backyard .

Um dos primeiros hits de Kenny Rogers, quando ele integrava o grupo The First Edition, a incrível Something’s Burning (ouça aqui), também leva a assinatura de Mac Davis. Isso abriu as portas para sua própria carreira como intérprete, que teve início em 1970 com o álbum Song Painter (1970).

Em 1971, sai seu segundo disco solo, I Believe In Music. A faixa-título atraiu as atenções de diversos outros intérpretes. Além do Gallery, que chegou ao Top 30 com a sua releitura, a definitiva na minha opinião, temos outras boas gravações desta música com B.J. Thomas, Louis Jordan, Perry Como e Helen Reddy.

A fama como compositor abriu-lhe as portas para também ser bem-sucedido como intérprete, e isso ocorreu com força total graças à canção Baby Don’t Get Hooked On Me (ouça aqui), que em 1972 atingiu o topo da parada americana. Outros hits em sua voz foram One Hell Of as Woman e Stop And Smell The Roses.

Com o tempo, Mac Davis passou a fazer muito mais sucesso na cena country, na qual emplacou diversos outros álbuns e canções de sucesso. A ponto de, em 2000, ter sido nomeado para o Nashville Songwriters Hall Of Fame. De quebra, ainda ganhou uma estrela na cultuada Calçada da Fama, em Hollywood.

Essa segunda condecoração veio pelo fato de, a partir da metade dos anos 1970, Mac ter iniciado uma carreira como ator. Em 1979, por exemplo, a performance dele ao lado de Nick Nolte no filme North Dallas Forty (1979) lhe valeu muito elogios, e a participações constantes em filmes e séries de TV.De 1974 a 1976, por sinal, ele apresentou seu próprio programa de TV, o The Mac Davis Show.

Nada melhor para um artista veterano do que ser reverenciado pelas novas gerações, e isso ocorreu com Mac Davis na sua última década de vida. Ele compôs com Rivers Cuomo a música Time Flies, incluída no álbum Hurley (2010), do grupo de rock alternativo Weezer, e Addicted To You e Black & Blue, com o saudoso Avicci, além de Young Girls, com o astro pop Bruno Mars. Ele acreditou na música, e a música retribuiu-lhe com generosidade!

I Believe In Music– Gallery:

Miguel Vaccaro Netto, um pioneiro do pop brasileiro

miguel vaccaro netto anos 2000-400x

Por Fabian Chacur

A cena musical brasileira perdeu um grande nome nesta terça-feira (22). Trata-se de Miguel Vaccaro Netto. Ele nos deixou aos 87 anos de causa não revelada. Talento versátil, ele foi jornalista, apresentador de programas de rádio e TV e também criador do célebre programa Não Diga Não, espécie de game show que fez sucesso por onde foi exibido. Ele também criou no final dos anos 1950 o primeiro selo dedicado à música jovem no Brasil, o Young.

Fora da esfera musical, foi ele quem negociou a transmissão via TV para o Brasil do jogo de despedida de Pelé do futebol, partida na qual o New York Cosmos, time que o maior craque de todos os tempos defendeu nos EUA, jogou em Nova York contra o Santos em 1º de setembro de 1977. Ele atuou como repórter de campo naquela partida, vencida pela equipe americana pelo placar de 2 a 1 com um gol do Rei do Futebol.

Em 2003, tive a honra de entrevistar o Miguel para o site da extinta revista Audio Plus. Sóbrio, generoso e com uma memória impressionante, ele me contou algumas de suas muitas histórias, envolvendo artistas como Chico Buarque e João Gilberto. Como homenagem a esta figura fantástica, segue abaixo o texto deste importante encontro que tive com o agora saudoso Vaccaro. R.I.P.

Entrevista
Miguel Vaccaro Netto

Ele revelou Chico Buarque, João Gilberto, Celly Campello….

Por Fabian Chacur

O Repórter Esso, espécie de Jornal Nacional dos anos 60, valia-se do bordão “testemunha ocular da história” como marca registrada. O jornalista, radialista e produtor Miguel Vaccaro Netto poderia perfeitamente valer-se de tal frase como mote de sua trajetória profissional. Só que não teríamos uma definição precisa, pois ele não só presenciou, como também atuou diretamente no surgimento de inúmeros artistas e movimentos musicais no Brasil, especialmente durante as décadas de 50, 60 e 70.

Entre outros, revelou e lançou na mídia Chico Buarque de Hollanda, João Gilberto, Celly Campello, Demétrius, Gilbert e dezenas (centenas, na verdade) de outros nomes. Apresentou programas de rádio e televisão campeões de audiência, além de criar o divertido game show Não Diga Não, no qual a pessoa precisa ficar dois minutos sem falar as palavras não ou né, algo muito mais difícil do que parece.

Às vésperas de completar 70 anos de idade (n. da r.: o que ocorreu no dia 7 de setembro de 2003), com ótima saúde e memória invejável, ele continua mais ativo do que nunca, com vários programas na televisão e capitaneando o serviço Discos Impossíveis, que se propõe a localizar aquele disco raro (seja CD, vinil ou DVD) que você tanto deseja, entregando-o em sua casa. Em entrevista exclusiva a Audioplus, Miguel nos conta deliciosas histórias de sua vitoriosa carreira.

Audioplus- Você iniciou sua carreira ainda muito jovem, como jornalista. Conte como acabou se envolvendo com a música.
Miguel Vaccaro Netto
– Comecei meu trabalho como jornalista aos 17 anos, e aprendi na melhor escola da época, que era a redação do jornal Última Hora, comandado por Samuel Wainer. Dali, passei para o rádio, embora continuasse fazendo colunas para jornal. Na segunda metade dos anos 50, tinha três programas em emissoras de rádio, um na Record, outro na Panamericana (hoje, Jovem Pan) e o terceiro na Rádio América. O da Record era o Disc Disco, apresentado ao vivo da meia noite às duas, que, de repente, tornou-se uma coisa louca, de tanta repercussão. O crédito desse programa entre os jovens tornou-se muito forte, a ponto de muitos irem ao estúdio, no bairro do Aeroporto, para ver sua transmissão. Muitos dos jovens que iam lá me levavam acetatos ou fitas, perguntando se eu não queria ouvi-los. Isso me incentivou a selecionar o que havia de melhor entre aqueles novos valores, e a colocá-los no ar, especialmente no programa da Jovem Pan, que era apresentado à tarde.

Audioplus- No final dos anos 1950, você criou um selo próprio, o Young. A motivação ocorreu por causa dessa efervescência toda?
Miguel Vaccaro Netto
– Na época, eu já fazia um trabalho com o Henrique Lebendiger, presidente da Fermata, editora musical, indicando novidades da Europa que poderiam ser lançadas por aqui. Naquela época, havia iniciado a transmissão do Festival de San Remo, da Itália, para o Brasil. Aí, sugeri a ele que criasse uma gravadora, e fizemos uma sociedade na palavra, no “fio da barba”, como se dizia na época, sem contrato assinado. Foi criada, então, a gravadora Fermata, e no início eu indicava artistas da Europa e dos EUA, lançamos por aqui gente como Chubby Checker, o rei do Twist, por exemplo. Sabendo que existia muita gente nova de valor, também sugeri a criação de um selo voltado especialmente para eles. O Lebendiger só concordava se eu assumisse a coisa como um todo, da seleção dos artistas às gravações e à divulgação, e eu aceitei. Passei a ser praticamente o “factótum” (faz tudo) de lá. O novo selo foi batizado de Young, e ganhou o slogan “O Disco da Juventude”. Além do pessoal que me mandava material, eu também ia a colégios em busca de revelações.

Audioplus- Muita gente boa foi revelada dessa forma, não é?
Miguel Vaccaro Neto
– Sem dúvida. Lembro que, uma vez, fui em um festival realizado no Colégio Santa Cruz, e conheci um garoto muito tímido, que tinha 17, 18 anos, mas muito bom, com potencial enorme. Ele cantava e se acompanhava ao violão. Como na Young eu só gravava músicas em inglês, vi que o tal garoto não se encaixaria lá, mas, mesmo assim, tinha um outro destino para ele em mente. Esse garoto começou a frequentar a casa da então minha noiva, com a qual posteriormente me casei e de quem depois me separei. Começamos a nos reunir lá, que era bem grande, e eu não o ensinei, pois essas coisas você já tem por si próprio, mas fiz uma lapidação do talento natural dele, investindo em postura de palco, entrada em cena, posição de violão, postura física e até mesmo na maneira de se expressar, de pôr a voz para fora da maneira correta. O trabalho durou seis meses. Quando vi que ele estava preparado, e não serviria mesmo para a Young, eu o levei para a Fermata. Esse tal jovem gravou a música A Banda, e se tornou Chico Buarque de Hollanda. Você não tem idéia de como ele era tímido, era terrivelmente tímido.

Audioplus- E na Young, quem surgiu por lá, e como era o espírito do selo, em termos de repertório?
Miguel Vaccaro Netto
– A Young lançava canções em inglês, interpretadas por brasileiros. Lancei na Young muita gente, como Demétrius, que descobri em um colégio, Marcos Roberto, Dori Edson, Hamilton Di Giorgio, Regiane, Nick Savoia, Gato (que depois foi músico do Roberto Carlos) e também grupos vocais e/ou instrumentais como Teenagers, Avalons (o primeiro grupo instrumental brasileiro de rock a gravar discos), The Rebels etc. A Young existiu sob o meu comando entre 1959 e 1963, mais ou menos. Quando o Lebendiger vendeu a Fermata e a RGE para a Som Livre, pensei que a Young tivesse ido junto, fiquei até chateado com ele. Nos anos 70, usavam o selo Young para lançamentos nacionais e internacionais voltados para o público jovem, mas eu não tinha mais nada a ver com ele.

Audioplus- Existe uma procura, por parte dos colecionadores, pelas gravações da Young da sua época. Você tem planos de relançá-las? Legalmente, existe algum tipo de impedimento em relação a isso?
Miguel Vaccaro Netto
– Com o passar dos anos, o material lançado pela Young se tornou cult, os colecionadores de fato procuram muito esses discos. No final de 2003, conversando com o Hélio Costa Manso, diretor da Som Livre e líder do grupo Sunday, que fez sucesso nos anos 70, perguntei sobre os direitos referentes à Young. Ele falou com o João Araújo, presidente da gravadora global, e me informou posteriormente que a Young continua sendo minha, que posso fazer o que quiser com o seu acervo. Então, penso em fazer no futuro um CD duplo com as principais músicas do selo.

Audioplus- Como radialista, você faz parte de uma linhagem de DJs que de fato entendiam de música, que tinham prazer em descobrir novos talentos, e que eram ouvidos pelas gravadoras. É verdade que foi você quem tocou músicas do João Gilberto em rádio pela primeira vez? Como é o seu relacionamento com esse artista tão importante e ao mesmo tempo tão folclórico?
Miguel Vaccaro Netto
– Sem falsa modéstia, eu, nos anos 50 e 60, era o DJ de mais prestígio por aqui, além de ter as minhas colunas em jornais lidas com interesse pelo pessoal das gravadoras. O João Gilberto foi de fato lançado por mim, em meu programa. A Odeon na época me chamou para ouvir o primeiro disco dele, o 78 rotações com Chega de Saudade. Ouvi, e afirmei para o Oswaldo Gurzoni, diretor da gravadora na época, que seria um grande sucesso, e que eu queria lançá-lo em primeira mão. O Gurzoni gostava mesmo de música, vibrava com cada novo lançamento, e me autorizou a fazer o lançamento. Criei toda uma expectativa em torno disso, durante quase um mês, no meu programa. Aí, Chega de Saudade foi pro ar, e o resultado é o que todos sabem, um clássico da MPB. Eu e o João nos tornamos muito amigos. A última vez que eu o vi foi em 1970, quando ele morava no México e fui ser o presidente de honra do júri de um festival de música por lá. Após o final do evento, ele nos convidou (fui com os cantores Claudya e Marcos Roberto) para jantar, e também para nos mostrar a Cidade do México. Sei que eram três da madrugada, e ele ainda estava mostrando a cidade para nós, a pé! (risos). Ele é uma pessoa muito culta, e fala muito. Às cinco da madrugada, estávamos despencando de sono, e ele nos levou para a sua casa. A Claudya se acomodou e dormiu de qualquer maneira. Eu e o Marcos Roberto não tivemos a mesma sorte, pois o João queria jogar pingue-pongue, o que, mesmo com todo aquele sono, tivemos de fazer, sendo que ele ainda estava com uma disposição incrível. (risos).

Audioplus- Nos últimos anos, você tem apresentado o Programa Miguel Vaccaro Netto na TVCom (exibida pela Net, Sky e outras emissoras pelo Brasil), no qual o mote é a participação de artistas dos anos 50, 60 e 70. Como tem sido essa experiência?
Miguel Vaccaro Neto
– Muito boa. No formato atual, estamos no ar há três anos, e já fomos até imitados, e mal, diga-se de passagem, pelo Ratinho. Tive a oportunidade de entrevistar os grandes nomes desse período. Inclusive, um momento que me marcou foi a última entrevista feita com Celly Campello, que, ao lado do irmão Tony, tive a oportunidade de lançar em meu programa de rádio, nos anos 50. Gravamos essa entrevista meses antes de sua morte, e a Rede Bandeirantes chegou a exibi-la na íntegra, como homenagem. Ela morreu em março de 2003. Passaram pelo programa artistas como Benito Di Paula, Os Vips, Os Incríveis, Eduardo Araújo, Tony Campello, Marcos Roberto, Silvinha Araújo e inúmeros outros daquela época áurea da música jovem no Brasil. Nele, também faço o game show Não Diga Não, que em breve deve também ir para a tevê aberta. E estrearei na Alltv, de Alberto Lucchetti Neto, o programa Discos Impossíveis, no qual entrevistarei pessoas que possuem discos raríssimos, mostrando-os, contando como os obtiveram e tocando trechos dos mesmos.

Audioplus- Aliás, aproveitando o gancho, fale-nos sobre esse serviço criado por você, o Discos Impossíveis. Como surgiu a idéia, e do que se trata?
Miguel Vaccaro Netto
– Bem, tudo começou quando muita gente me ligava, pedindo para informar onde poderiam encontrar discos dos artistas que participavam do meu programa. No início, não pensava em mexer com isso, apenas fazia a ligação entre as pessoas e os artistas, para que elas pudessem ser atendidas. Até que percebi existir um grande filão aí, e me propus a encontrar esses discos para as pessoas. O nome Discos Impossíveis, cuja marca inclusive registrei, dá bem a medida. Não importa o que for, se vinil, CD ou mesmo DVD, é só ligar e encomendar que a minha equipe sai à caça. Após uma matéria publicada na revista Veja São Paulo, a procura tornou-se ainda maior, cheguei a receber entre 800 a 900 pedidos em apenas 15 dias. Até agora, não houve item que a gente não tivesse encontrado, sendo que a demora vai de alguns dias a um mês e meio, dependendo da raridade do que se procura.

Audioplus- Você ajudou na consolidação do chamado mercado de música jovem no Brasil. Como encara isso?
Miguel Vaccaro Netto
– Tenho uma convicção bem consolidada de que nada acontece fora de hora. Na ocasião (final dos anos 50), havia uma demanda muito grande pela música americana por aqui, era o auge do Dick Clark (American Bandstand) nos EUA, e meu, por aqui. Senti que havia um vácuo, gente muito boa que não tinha espaço, e criei a Young, era o momento. Isso desencadeou muita coisa, propiciando o clima para a pré-Jovem Guarda, a própria Jovem Guarda, quando se criou esse rótulo (música para a jovem guarda, para o jovem) e a pós-jovem guarda. Hoje, não sinto mais esse clima propício. Existe um mix tão grande de hits de qualidade duvidosa que não há um perfil definido de música brasileira ou americana. Outro dia conversava com um amigo, o cantor e ator Gilbert, e comentávamos que nada mais dura na área musical. Hoje, as coisas surgem e vão embora como um cometa, não deixam marca. Na época, o comunicador tinha por obrigação direcionar o público para o que houvesse de qualidade, e era mais fácil, pois qualidade artística era o que não faltava. Atualmente, um fenômeno como os Tribalistas de Marisa Monte, que conciliaram apelo comercial e qualidade artística, é muito raro. Há um excesso de informação via internet, rádio e televisão, as pessoas não tem tempo de assimilar tudo isso, e passam a ter um gosto descartável. A oferta maior do que a procura tornou o mercado sem sabor, tanto os radialistas quanto as pessoas das gravadoras infelizmente caem lá de para-quedas, não entendem nada.

Veja especial do programa do Miguel sobre a gravadora Young:

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