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Paul Kantner: como eu virei fã do incrível Jefferson Airplane

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Por Fabian Chacur

Mais uma vez faço um post doloroso aqui em Mondo Pop. Meus ídolos andam dando adeus ao mundo em doses muito grandes, nos últimos tempos. Desta vez, foi Paul Kantner, cantor, guitarrista e compositor americano, criador de uma de minhas bandas favoritas, a Jefferson Airplane. Ele nos deixou nesta quinta-feira (28), vitima de falência múltipla de órgãos, após ter tido um ataque cardíaco no início desta semana. Perda mais do que lamentável.

Em 1978, como parte integrante da trilha sonora da novela global O Pulo do Gato, a música Count On Me fez sucesso no Brasil. Ao comprar esse LP, tive contato pela primeira vez com uma música do que chamaria de “Família Airplane”. Com a nave mãe, ou seja, o Jefferson Airplane, só fui ter contato lá pelos idos de 1982-1983. E foi graças ao amigo jornalista Ayrton Mugnaini Jr., em duas ações decisivas por parte dele.

A primeira foi me vendendo, a preço módico, raras edições da seminal revista brasileira Rock, dos anos 70, com biografias bacanas de várias bandas, entre elas a Jefferson Airplane. Ao ler sobre eles, fiquei curioso para saber como era o som dos caras, e o Mug, de forma generosa, emprestou-me os dois Lps que tinha do grupo americano, After Bathing At Baxter’s e Volunteers. Aí, como diria o poeta, danou-se. Vício!.

O próximo passo foi ir nos sebos da vida atrás desses dois discos e também dos outros do JA. Foi duro, visto que apenas o primeiro saiu por aqui, e era até mais raro do que os importados. Aos poucos, completei a coleção, lá pelos idos de 1985. Nem é preciso dizer que, na onda, acabei também indo atrás de vários trabalhos do Jefferson Starship e de outras configurações musicais envolvendo integrantes do JA.

Paul Kantner era uma espécie de mestre zen da banda, que criou em 1965 em San Francisco com o também genial cantor e compositor Marty Balin. Desde o início, a sonoridade dos caras apontava para novos rumos em termos sonoros, embora tenha começado mais próximo do folk rock com boas harmonias vocais a la Byrds e The Mamas And The Papas. O 1º disco, Jefferson Airplane Takes Off (1966), apontava nessa direção.

Naquele mesmo ano, duas trocas na formação se mostraram decisivas na orientação musical do grupo. A boa cantora Signe Anderson deixou a carreira musical, e foi substituída por Grace Slick, até então vocalista do grupo Great Society e que trouxe com elas as músicas White Rabbit e Somebody To Love. A outra alteração veio com a saída do adaptado baterista Skip Spence (que depois montaria a ótima banda Moby Grape, tocando guitarra e cantando).

Se Kantner era o compositor intelectualizado e ligado a ficção científica e temas do gênero, Marty Balin era paixão pura, especialmente na hora de cantar. Grace tornou-se a parceira ideal para harmonizar com os outros dois, em combinações vocais ácidas, ardidas e repletas de beleza. Mas que atingiam o auge graças ao acompanhamento instrumental de seus colegas de time: Jack Casady (baixo) e Jorma Kaukonen (guitarra).

Unidos ao novo baterista, Spencer Dryden, com suas influências jazzísticas, Casady e Kaukonen acresceram ao som do Airplane uma imprevisibilidade matadora. Isso, sem cair em uma maluquice completa. Som psicodélico de primeira, provavelmente o melhor feito no cenário musical americano. E Surrealistic Pillow (1967), seu segundo álbum, os levou aos primeiros lugares da parada ianque.

After Bathing At Baxter’s veio ainda em 1967, e é provavelmente o meu álbum favorito de rock psicodélico, levando ainda mais longe as ousadias do álbum anterior e entrando em uma fusão sonora que inclui até elementos de bossa nova, dá pra encarar? Nunca vou me esquecer da primeira vez que ouvi esse álbum. E que fique registrado: nunca me vali de drogas para ouvir os discos do grupo. Desnecessários esses aditivos para apreciar música tão ousada e boa.

Em 1968, veio Crown Of Creation, espécie de síntese da concisão de Pillow com a piração de Baxters, gerando outro trabalho clássico. E em 1969, era a vez do engajado Volunteers, com sua enfurecida faixa título e maravilhas como Wooden Ships (parceria de Paul Kantner com os amigos David Crosby e Stephen Stills), mantendo a aeronave nas alturas da qualidade musical. De quebra, suas participações nos festivais de Monterey (1967) e Woodstock (1969) os projetaram ainda mais perante os roqueiros mais antenados.

Vale ainda citar o álbum ao vivo Bless Its Pointed Little Head, lançado em 1969 e um belo registro dessa fase áurea do Airplane, com direito a versões turbinadas e aceleradas de seus hits e também algumas faixas inéditas na interpretação do grupo, como a deliciosa Fat Angel, de Donovan Leich, e The Other Side Of This Life, do grande compositor Fred Neil, o autor da célebre Everybody’s Talking, trilha do filme Midnight Cowboy e gravada por Harry Nilson.

Aí, veio a tempestade. Inicialmente com a participação da banda no desastrado festival de Altamont, promovido em 1969 pelos Rolling Stones nos EUA, no qual Marty Balin foi atacado em pleno palco. Parecia o prenúncio de tempos não muito bons. E para a banda não foram mesmo. Balin saiu fora, Spencer Dryden também, e quando voltou, em 1971, o Airplane não era mais o mesmo. Lançou dois discos de estúdio irregulares (Bark, de 1971 e Long John Silver, de 1972) e o ao vivo Thirty Seconds Over Winterland (1973) e saíram de cena.

Em 1970, no entanto, surgia a semente do que viria a ser o futuro de Paul Kantner. Ele resolveu aproveitar um período de parada do Airplane e gravou e lançou naquele mesmo ano o primeiro disco solo, Blows Against The Empire, com temática de ficção científica, ótimas músicas como Mau Mau (Amerikon), Have You Seen The Stars Tonite? e A Child Is Coming e participações especiais de gente como Grace Slick, Jack Casady, Jerry Garcia, Mickey Hart e David Freiberg.

O álbum veio creditado a Paul Kantner e Jefferson Starship, nome de certa forma brincando com a temática futurista das canções incluídas nele. Mas esse nome acabou sendo escolhido por Kantner para a banda que sucederia o Airplane. Antes, Kantner lançaria álbuns em dupla com a então esposa Grace Slick e também um com o casal e o músico David Freiberg. Seria o embrião para o que viria a seguir.

Com uma proposta um pouco mais pop, mas não menos roqueira, o Jefferson Starship lançou seu primeiro álbum em 1974, Dragonfly, com boa repercussão e músicas bacanas como Ride The Tiger, uma das grandes composições de Paul Kantner. Dos tempos do Airplane, sobraram Kantner, Slick e, na última hora, Balin. O álbum seguinte, Red Octopus, chegou ao primeiro lugar na parada americana, façanha que a nave original só conseguiu nas paradas de singles.

Até o início dos anos 80, o Jefferson Starship continuou frequentando as paradas de sucesso, com hits como Count On Me e Jane. Até que Paul Kantner resolveu sair fora do time, que a partir dali virou Starship, mantendo apenas Grace Slick dos bons tempos e emplacando hits mais pop como We Built This City e Sarah.

Enquanto isso, Paul Kantner montou uma nova banda com dois ex-colegas de Airplane, a KBC Band, ao lado de Marty Balin e Jack Casady. Rendeu um único (e bacana) disco em 1986. Aí, em 1988, a surpresa: a volta do Airplane com sua formação clássica (sem Spencer Dryden), para o lançamento de um único disco (autointitulado) e nada muito além disso. Paul Kantner voltou a ficar mais visível a partir de 1992.

Foi naquele ano que ele reviveu a marca Jefferson Starship, inicialmente com o nome adicional The Next Generation. Shows vieram, com participações de antigos colegas da família Airplane, como Grace Slick, Jack Casady e Marty Balin. Em 1999, lançaram o ótimo CD Windows Of Heaven, incluindo faixas como a empolgante I’m On Fire, de Paul Kantner e participação destacada de Grace Slick nos vocais. O último CD de inéditas, Jefferson’s Tree Of Liberty, saiu em 2008.

Em 2013, o Jefferson Starship esteve no Brasil e tocou no Manifesto Bar, em São Paulo, no dia 8 de agosto. Na formação, além de Paul Kantner, outro conhecido: David Freiberg, que integrou o Airplane em sua fase final e o Starship nos anos 1970. Infelizmente, o ingresso caro me impediu de ver o show. Ah, se arrependimento matasse…

Ouça Blows Against The Empire- Paul Kantner e Jefferson Starship:

Wooden Ships– Jefferson Airplane:

Ride The Tiger– Jefferson Starship:

Stephen Stills, Captain Many Hands, completa 70 anos

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Por Fabian Chacur

Nada melhor para começar a movimentação de 2015 em Mondo Pop do que comemorar os 70 anos de idade de um dos grandes nomes da história do rock. Neste sábado (3), Stephen Stills vira setentão, ele que possui um daqueles currículos mais do que invejáveis. Felizmente, continua na ativa e fazendo coisas legais para seus inúmeros fãs mundo afora.

Stills é completo. Canta muito bem, sabe encaixar feito luva sua voz em vocalizações com feras como David Crosby, Graham Nash e Neil Young, toca violão e guitarra como poucos e é compositor de clássicos do rock do naipe de Suite: Judy Blue Eyes, Love The One You’re With, Carry On, Helplessy Hoping e Rock & Roll Woman, só para citar alguns. Cara iluminado mesmo.

Suas influências musicais são o rock, folk, country e mesmo música latina, esta última fruto dos anos que morou na América Latina na infância/adolescência. Após várias experiências, fez sucesso pela primeira vez ao integrar a banda Buffalo Springfield ao lado de Neil Young. É dele o maior sucesso do grupo, For What It’s Worth. Gravaram só três álbuns, todos recomendáveis.

Com a separação prematura do Buffalo em 1968, Stills inicialmente se preparou para uma carreira solo, além de gravar o álbum Super Session ao lado de Mike Bloonfield e Al Kooper naquele mesmo ano. Mas um encontro com David Crosby (ex-Byrds) e Graham Nash (ex-The Hollies) levou sua vida em direção a um novo rumo: o trio Crosby, Stills & Nash.

Lançado em 1969, o autointitulado álbum de estreia do CSN pode ser colocado entre os melhores trabalhos da história do rock, impulsionando o trio rumo ao estrelato, especialmente após sua brilhante atuação no festival de Woodstock. Neil Young acabou entrando no time, criando uma segunda possibilidade, o CSN&Y, que em 1970 lançou seu álbum Dèja Vu, outra obra-prima.

Naquele mesmo 1970, Stills lançou também seu primeiro álbum solo, Stephen Stills, com direito a participações especiais de Jimi Hendrix e Eric Clapton e um repertório impecável. Como o CSN e o CSN&Y trabalhavam com o conceito de liberdade para que seus integrantes fizessem trabalhos paralelos, o músico manteve a carreira solo ativa.

Mais: lançou dois discos com um novo grupo, o Manassas, no qual o outro destaque era mais um ex-integrante dos Byrds, o baixista, cantor e compositor Chris Hilman. Também fez em 1976 o ótimo Long May You Run, LP gravado em dupla com Neil Young. O CSN e o CSN&Y volta e meia voltam à tona, com ele sempre aparecendo com o devido destaque.

Sua versatilidade como músico lhe valeu, durante a gravação do primeiro álbum do CSN, o apelido de Captain Many Hands, pois o cara tocava guitarra, violão, teclados, percussão e o que mais pintasse na sua frente. Ele também participou de diversos trabalhos alheios, sendo o mais surpreendente tocando percussão em You Should Be Dancing, dos Bee Gees, em 1976.

Nos últimos anos, além de fazer turnês com o CSN (a de 2012 os trouxe ao Brasil pela primeira vez), também lançou um CD em 2013 com o projeto The Rides, ao lado dos badalados e jovens enny Wayne Sheperd e Barry Goldberg. Também lançou em 2009 o CD e DVD gravados ao vivo Live At Shepherd’s Bush, no qual relê de forma acústica e elétrica hits de toda a carreira.

Em 2013, chegou às lojas Carry On, caixa com quatro CDs contendo material oriundo de todas as fases da carreira de Stephen Stills, incluindo material inédito e raro, além de um livreto repleto de fotos bacanas, textos informativos e muitas fotos. Um verdadeiro tesouro para quem é fã desse craque do rock, e bela forma de descobrir a importância de seu trabalho.

Valeu pelo toque, Cláudio Foá, este post é dedicado a você!

Black Queen – Stephen Stills:

Stephen Stills (1970)- ouça o álbum em streaming:

Manassas -ouça o álbum em streaming:

Joni Mitchell, a autora das canções atemporais

Por Fabian Chacur

Nesta quinta-feira (7/11), uma certa Joni Mitchell atinge a marca de 70 primaveras completadas. E quem é ela para ser tão reverenciada, tão relembrada, tão citada, sempre por gente com estatura suficiente para ter suas opiniões respeitadas? Quem é essa loira de feições duras, embora com um quê de doçura, mas que certamente intimida muitas pessoas? Eis algumas pistas.

Não sei se gostaria de conhece-la pessoalmente. Às vezes, é melhor manter distância dos ídolos. E quem já leu sobre essa cantora, compositora e musicista canadense sabe que a mulher tem um temperamento bastante peculiar. Ou pelo menos aparenta isso. Mas o que de fato importa é que Miss Mitchell merece todos os elogios que pudermos fazer a ela na área da música popular. E vamos a alguns deles.

Joni Mitchell é uma das pioneiras nessa história de mulher merecer o respeito no meio do rock, folk e música pop e trincar o até então eterno Clube do Bolinha. Ao lado de Laura Nyro e Carole King, forma a santíssima trindade do pioneirismo e da força feminina nos anos 60/70. Lógico que temos Janis Joplin, Grace Slick e outras, mas aqui nessa trinca temos um caso de autossuficiência total e de influência total sobre quem veio depois.

No caso específico da nossa agora setentona, a moça começou na cena folk, proporcionando a nós canções incríveis como Both Sides Now, The Circle Game e Woodstock. Nos anos 70, foi aos poucos ampliando seus horizontes e incorporando doses de rock, jazz e experimentalismo na sua receita, sem nunca deixar de lado o bom gosto, a ousadia e a paixão pelas canções.

Em 1974, lançou um álbum simplesmente espetacular, Court And Spark, que inclui diamantes do mais alto quilate como Help Me (a música que me fez virar fã dela), Free Man In Paris e tantas outras. Aqui, o jazz, os ritmos quebrados e os arranjos elaborados já haviam tomado a ponta da coisa, mas sem deixar a sensibilidade pop ser engolida.

A partir daí, a vida da moça só nos proporcionou coisas boas. Aliás, como já vinha proporcionando desde aquele impressionante começo nos anos 60, com direito a disco de estreia produzido pelo seletivo David Crosby, namoro e parceria com Graham Nash etc. Sempre com uma voz de timbre lírico e agridoce e um violão simplesmente cativante para acompanhar suas canções. Gravou até com Charles Mingus, um dos grandes mestres do jazz.

Nos anos 80, alguns fãs de mente menos aberta torceram o nariz para seu mergulho na sonoridade eletrônica de então, que gerou o espetacular Dog Eat Dog (1985), que inclui uma das faixas mais belas de todo o seu brilhante repertório, Impossible Dreamer. E nos anos 90, a obra da moça teve o retorno às paradas de sucesso e aos Grammys da vida que merecia com o estupendo Turbulent Indigo (1994).

E tem também as letras, sempre profundas e investindo em temas relevantes e universais como as inúmeras curvas e retas dos relacionamentos afetivos, o medo do futuro, a insegurança quanto aos caminhos que seguimos, as paixões, os maravilhosos gatos… Acho que eu tremeria feito vara verde na frente dessa mulher, pelo tamanho de sua obra e a emoção que algumas de suas canções me proporcionam.

Curta cinco canções inesquecíveis desse maravilhoso acervo que é a obra de Joni Mitchell. Que ela possa viver com saúde por muitos e muitos anos mais. Uma coisa, no entanto é fato: estamos por aí, vivendo e dando voltas e voltas nesse “circle game”.

Impossible Dreamer – Joni Mitchell

Help Me- Joni Mitchell

Big Yellow Taxi- Joni Mitchell

Both Sides Now – Joni Mitchell

The Circle Game – Joni Mitchell

The Rides é novo supergrupo de Stephen Stills

Por Fabian Chacur

Stephen Stills criou um dos primeiros supergrupos da história do rock, o Crosby, Stills & Nash, ao lado de Graham Nash e David Crosby, em 1968. Novamente se envolvendo no conceito de montar uma banda com integrantes previamente famosos, ele agora nos oferece The Rides, trio no qual tem como parceiros o jovem blueseiro Kenny Wayne Shepherd e um velho amigo, Barry Goldberg.

Shepherd tem 36 anos e ficou conhecido na segunda metade dos anos 90 graças a bons álbuns e shows nos quais mostrou talento como cantor e guitarrista de blues e rock. Por sua vez, Barry Goldberg foi tecladista da banda Electric Flag, surgida em 1967 e na qual atuou ao lado de lendas como Mike Bloonfield (guitarra), Buddy Miles (bateria) e Nick Gravenites (vocal).

Stills e Goldberg participaram juntos do mitológico álbum Super Session (1968). Aliás, segundo matéria publicada no site americano da revista Billboard, a reunião deles com Shepherd surgiu de sugestão do executivo do meio musical Bill Bentley de que o jovem músico deveria tentar fazer um trabalho na linha de Super Session, calcado na improvisação.

Can’t Get Enough, primeiro álbum do trio, sairá no dia 27 de agosto nos EUA, um lançamento da 429 Records. A produção ficou por conta de Jerry Harrison (ex-Talking Heads), e o repertório mescla composições próprias (entre as quais Word Game, composta por Stills nos anos 70) e covers como Search And Destroy (Iggy & The Stooges) e Rockin’ In The Free World (Neil Young), além de composições de Elmore James e Muddy Waters.

O álbum será divulgado com uma turnê pelos EUA que terá início no dia 28 de agosto em Nova York. Stills continua com o Crosby, Stills & Nash, com quem tocou no Brasil em maio de 2012, fez recente turnê pela Europa e planeja gravar um esperado álbum inédito, ainda sem previsão de ser concretizado, e também lançará uma autobiografia. Haja fôlego!

Enquanto isso, Kenny Wayne Shepherd reservou para o primeiro semestre de 2014 um novo trabalho em sua carreira solo composto por covers de clássicos obscuros do blues, do qual participaram astros do alto gabarito de Ringo Starr, Robert Randolph e Joe Walsh.

E o The Rides não parece um projeto efêmero, pelo visto. Na entrevista para a Billboard, Shepherd e Stills garantiram que já estão preparando material para o próximo álbum, que começaria a ser gravado em dezembro deste ano. A ideia é que esse segundo disco seja composto apenas por composições inéditas escritas pelos três músicos.

Eis as músicas de Can’t Get Enough, do The Rides:

Roadhouse
That’s a Pretty Good Love
Don’t Want Lies
Search And Destroy
Can’t Get Enough Of Loving You
Honey Bee
Rockin’ In The Free World
Talk To Me Baby
Only Teardrops Fall
Word Game

Veja vídeo com entrevistas dos integrantes do The Rides:

Ouça trechos das músicas de Can’t Get Enough, do The Rides:

Como turnê do Buffalo Springfield virou CSN

Por Fabian Chacur

Em entrevista concedida ao site americano da Rolling Stone, Stephen Stills revelou que o Buffalo Springfield deveria ter feito uma turnê com ao menos 30 shows durante 2012. No entanto, o reencontro de um dos grupos mais bacanas dos anos 60 acabou durando um total de apenas sete apresentações, realizadas entre 2010 e 2011,incluindo uma elogiada no badalado festival de Bonnarooo, nos EUA.

Após o show realizado em outubro de 2010 no evento beneficente Bridge School (promovido por Young) que deu início ao reencontro de Neil Young, Stephen Stills e Richie Furay, os remanescentes da banda que existiu originalmente entre 1966 e 1968 e lançou três álbuns deveriam ter dado continuidade a um projeto mais longo, segundo Stills.

“Não criaria uma infraestrutura tão grande para apenas sete shows, nossa equipe incluía mais de 100 pessoas, e quando Neil resolveu desistir do projeto, no meio de 2011, fiquei completamente na mão”, disse Stills, falando pela primeira vez à imprensa sobre o tema, que seu ex-colega já havia abordado em entrevistas em 2011.

Conhecido por sua capacidade de largar um trabalho e iniciar outro praticamente do nada, Neil Young se mandou do projeto de retorno do Buffalo Springfield e se uniu novamente aos velhos companheiros do Crazy Horse, após nove anos distantes, lançando dois álbuns durante este ano- Americana e Psychedelic Pill.

A sorte de Stills é a de ter dois amigos mais do que fiéis, David Crosby e Graham Nash. Eles iriam iniciar uma turnê como Crosby & Nash e já estavam até agendando datas quando souberam do rolo entre os dois amigos.

Nash disse que, em pouco tempo, o que seria um duo virou de novo trio. Surgia do nada uma nova turnê de Crosby, Stills & Nash, que para alegria dos brasileiros passou por aqui em maio.

Apesar dos pesares, Stephen Stills não demonstrou mágoa em relação ao imprevisível Young. Na entrevista, ele demonstrou serenidade e calma. “Ele falou bem de mim no livro que lançou recentemente. Foi muito gentil. Trabalhar com ele é um privilégio, não um direito”.

No entanto, o autor de For What It’s Worth e tantos outros clássicos do rock deu uma resposta bem diferente da de Young sobre um possível retorno do Springfield. Enquanto o roqueiro canadense disse que os shows feitos em 2010/2011 foram a semente para algo que poderá frutificar de novo no futuro, o astro americano não teve dúvidas.

“Para o propósito dessa entrevista, só posso dar uma resposta referente à possibilidade de um retorno do Buffalo Springield: não!”

Rock And Roll Woman/Child Claim To Fame, com o Buffalo Springield em 2010:

Harvest – Neil Young (1972, Reprise)

Por Fabian Chacur

Em 1972, Neil Young era um jovem veterano. Aos 27 anos, não só tinha lançado vários álbuns como integrante dos grupos Buffalo Springfield e Crosby,Stills, Nash & Young como também já possuia três ótimos trabalhos solo no currículo. A expectativa em torno do que viria a ser seu quarto álbum individual era das maiores, e não por acaso, afinal de contas.

Além do sucesso de púbico e crítica que estava obtendo como integrante do supergrupo montado ao lado de David Crosby, Stephen Stills e Graham Nash, Young havia se dado muito bem com o álbum solo After The Goldrush (1970), que ocupou o oitavo lugar na parada americana e rendeu clássicos como Tell Me Why, Only Love Can Break Your Heart, Don’t Let It Bring You Down e a faixa título.

Um sério problema com a coluna o impediu de tocar guitarra elétrica nas doses habituais e ajudou a direcionar o álbum rumo a uma sonoridade mais introspectiva e calcada em folk, country e rock, bem na linha do bittersweet rock que havia elevado James Taylor e Carole King ao estrelato no ano anterior. O violão tomava o centro do seu som.

Com o apoio de uma banda concisa e competente batizada Stray Gators, da qual faziam parte o experiente e talentoso produtor e arranjador Jack Nitzche (teclados e slide guitar), Ben Keith (steel guitar), Tim Drummond (baixo) e Kenny Buttrey (bateria), além da participação de alguns amigos famosos nos vocais de apoio, nascia Harvest, seu álbum mais bem-sucedido em termos comerciais e considerado uma de suas obras-primas.

Lançado em fevereiro de 1972, Harvest traz como faixas mais conhecidas dois singles matadores. Heart Of Gold e Old Man, dois country rocks melódicos, bem tocados, com letras evocativas e vocais de apoio iluminados feitos por James Taylor e Linda Ronstadt. Não tinha como dar errado. Eram as canções certas na hora certa. E deu super-certo!

Crosby & Nash marcam presença na ardida (e deliciosas) Are You Ready For The Country?; Crosby e Stills vocalizam na vigorosa e agressiva Alabama (que seria contestada pelo grupo Lynyrd Skynyrd na clássica Sweet Home Alabama), enquanto Nash e Stills estão na forte Words (Between The Lines Of Age), a mais longa canção do álbum, com seus quase sete minutos de duração.

As delicadas e melódicas A Man Needs A Maid e There’s a World destoam das outras canções pelo fato de mostrarem Young acompanhado pela London Symphony Orchestra, e se constituem em uma experiência das mais interessantes para um artista normalmente associado a um contexto mais agressivo e elétrico em termos musicais.

Out On The Weekend abre o álbum de forma simples e não rebuscada, enquanto Harvest, a faixa título, prima pela discrição. The Needle And The Damage Done, no melhor estilo voz e violão, foi gravada ao vivo, e cativa pela bela melodia e pela polêmica letra enfocando o uso de drogas e as suas consequências nefastas.

Harvest atingiu o primeiro lugar na parada americana, enquanto Heart Of Gold também liderou a parada dos singles por lá. A ironia fica por conta de quem destronou esses dois discos do topo dos charts ianques logo em seguida, naquele mesmo 1972.

Sabem quem? Isso mesmo, o grupo America, respectivamente com seu álbum homônimo de estreia e o single matador A Horse With No Name. Uma versão diluída, embora competente e muito inspirada, do som que Neil Young ajudou a tornar popular com o Crosby, Stills, Nash & Young. Os alunos superando os mestres? Por pouco tempo, como saberíamos depois…

Ouça o álbum Harvest, de Neil Young, na íntegra:

The Wall Live chega ao Brasil neste domingo

Por Fabian Chacur

Após passar pela Argentina com grande sucesso, a turnê The Wall Live, de Roger Waters, chega ao Brasil neste domingo (25), com show no estádio Beira Rio, em Porto Alegre.

O show, durante o qual o ex-baixista e cantor do Pink Floyd canta na íntegra o repertório do álbum The Wall, também passará pelo Rio (dia 29, no estádio do Engenhão) e São Paulo (dias 1º e 3 de abril, no estádio do Morumbi).

Waters iniciou essa tour em 2010, e conseguiu arrecadar a bagatela de 89,5 milhões de dólares nos EUA naquele ano, em 56 shows, sendo a turnê mais lucrativa realizada naquele país durante 2010.

O show é um espetáculo grandioso, com direito a um muro com mais de 137 metros de largura, cenários com bonecos infláveis gigantes (incluindo o célebre porco), um avião batido e som quadrafônico.

Um dos momentos que mais emocionaram o público durante os shows é o Fallen Loved Ones, após a canção Another Brick In The Wall, quando o telão exibe fotografias e histórias de pessoas que perderam a vida em guerras ao redor do mundo, entre os quais o pai de Waters.

Na turnê brasileira, será homenageado o brasileiro Jean Charles de Menezes, morto no metrô de Londres em 2005.

Além de Waters no vocal e baixo, temos uma banda composta por 12 músicos, entre os quais o tecladista Harry Waters, filho do ex-integrante do Pink Floyd.

Snowy White (guitarra) e Jon Carin (teclados) participaram de turnês do Pink Floyd nos anos 70, 80 e 90 como músicos de apoio, enquanto G.E. Smith integrou a banda do programa Saturday Night Live e também tocou e gravou discos com Bob Dylan e a dupla Daryl Hall & John Oates.

Também merecem destaque Mark, Pat e Kipp Lenon, vocalistas de apoio ao lado de John Joyce. Eles integram um grupo infelizmente desconhecido no Brasil, o Venice, que está na estrada há mais de 20 anos e faz um folk-country-pop-rock de primeiríssima linha, tendo entre seus fãs David Crosby e Graham Nash. A banda americana gravou belos discos, entre os quais Born And Raised (1997) e Spin Art (1999).

The Wall foi lançado pelo Pink Floyd em novembro de 1979, e se tornou um dos mais bem-sucedidos álbuns da história do rock em termos comerciais.

Ainda existem ingressos à venda para os quatro shows de Roger Waters no Brasil, segundo a empresa Time 4 Fun.

Shows de Rogers Waters no Brasil – Turnê The Wall Live

Porto Alegre (RS)
Quando: 25/3 (domingo) às 20h
Onde: Estádio Beira-Rio
Quanto: de R$ 180,00 a R$ 500,00
Informações: 4003-5588 e www.ticketsforfun.com.br

Rio de Janeiro (RJ)
Quando: 29/3 (quinta-feira às 21h)
Onde: Estádio do Engenhão
Quanto: de R$ 180,00 a R$ 600,00
Informações: 4003-5588 e www.ticketsforfun.com.br

São Paulo (SP)
Quando: 1º/4 (domingo às 19h30) e 3/4 (terça-feira às 21h)
Onde: Estádio do Morumbi
Quanto: de R$ 180,00 a R$ 600,00 (dia 1º/4) e de R$ 180,00 a R$ 900,00 (dia 3/4).
Informações: 4003-5588 e www.ticketsforfun.com.br

Another Brick In The Wall, com Roger Waters:

Filme mostra o berço dos singer-songwriters

Por Fabian Chacur

Há casas de shows que entram para a história pelos espaços importantes que abriram para artistas que posteriormente se tornaram ídolos e ícones da música.

Criada em 1957 em Hollywood, California, na lendária Santa Monica Boulevard (eternizada na letra da música All I Wanna Do, de Sheryl Crow), a Troubadour é uma das mais exemplares e icônicas.

Embora tenha proporcionado espaço para diversos estilos musicais e bandas e artistas iniciantes como Guns N’ Roses, Motley Crue, Radiohead, Franz Ferdinand e inúmeros outros, esse espaço é um dos principais marcos de uma praia específica, a dos singer/songwriters.

Inspirados na folk music, country e rock e tendo em Bob Dylan uma espécie de padrinho improvável, essa geração do rock apareceu no finalzinho dos anos 60, e teve em James Taylor e Carole King suas figuras de ponta.

Afinal, foi graças aos discos Sweet Baby James (1970) e Mud Slide Slim And The Blue Horizon (1971), de Taylor, e Tapestry, de Carole, que o também chamado bittersweet rock alçou voo rumo à estratosfera em termos artísticos e comerciais.

E o Troubaudor, clube criado pelo empresário e músico Doug Weston, serviu como base de lançamento de muitos astros associados a esse estilo, como Taylor, Carole, Linda Ronstadt, The Eagles e Elton John, que no início da carreira era bittersweet total e que fez lá, no dia 25 de agosto de 1970, seu primeiro show em território americano.

Pois acaba de ser lançado lá fora em DVD (em parceria dos selos Concord Music Group, Hear Music, Rhino Music e Warner) o documentário Troubadours – The Rise of The Singer-Songwriter,  que conta a história do movimento tendo o clube como gancho e mote.

Trazendo cenas da época misturadas a entrevistas feitas para o projeto com Taylor, Carole, Jackson Browne, David Crosby, Bonnie Raitt, Elton John e outros, trata-se de uma deliciosa viagem pelo surgimento e desenvolvimento de uma das mais interessantes vertentes da música pop.

Outro mote para o vídeo foi o show realizado em 2007 e registrado em DVD/CD reunindo James Taylor e Carole King para comemorar os 50 anos do clube, o fantástico Live At The Troubadour, que obteve a façanha de atingir o segundo lugar na parada americana, algo raro nos dias de hoje para astros de sua geração.

Os depoimentos são ótimos. Elton John, por exemplo, responde, ao ser questionado sobre uma possível mágoa de Doug Weston (morto em 1999) pelo fato de ele não ter mais tocado lá, após estourar mundialmente.

“Foi ótimo tocar no Troubadour, mas o que ele queria, que eu ficasse tocando lá para sempre?”.

Como brinde, temos um CD com dez músicas representativas da fase áurea do bittersweet rock dos anos 70.

Eis a seleção:

Sweet Baby James – James Taylor

Desperado – Linda Ronstadt

Dixie Chicken – Little Feat

Take Me To The Pilot– Elton John

Ol’ 55 – Tom Waits

Love Has No Pride – Bonnie Raitt

Sail Away – Randy Newman

Why Me – Kirs Kristofferson

It’s Too Late – Carole King

Obs.: o único problema do DVD é não ter legendas em inglês. Até que me dei bem ao ouvir as entrevistas, mas entender o que David Crosby fala, por exemplo, não é exatamente uma tarefa das mais simples…

Uma fantástica hora com Roger McGuinn em DVD

Por Fabian Chacur

O meu coração bate mais forte quando ouço o nome The Byrds. É sem sombra de dúvidas uma das minhas bandas de rock favoritas, além de ser uma das mais importantes da história desse gênero musical.

Sempre que se fala nesse saudoso grupo americano, o primeiro de seus integrantes que me vem à cabeça é o do cantor, compositor e guitarrista Roger McGuinn.

Lógico que também adoro David Crosby (um de meus herois no rock), Chris Hillman, Gene Clark e Mike Clarke, ou mesmo Gram Parsons (que só gravou um disco com a banda, mas o influente Sweetheart Of The Rodeo)

No entanto, McGuinn foi o único que esteve no time durante toda a sua existência, dos idos.de 1965 até 1973.

Além disso, trata-se do cara que mergulhou de cabeça nas possibilidades sonoras da guitarra Rickenbacker de 12 cordas.

Dessa forma, ajudou a criar o que posteriormente se convencionou chamar de folk rock, injetando fortes doses roqueiras no som que Bob Dylan vinha fazendo, e impulsionando o autor de Blowin’ In The Wind a também seguir essa direção.

O DVD Live At The Basement (2008-ABC Entertainment) nos oferece uma rara oportunidade de conferir McGuinn ao vivo, acompanhado apenas de sua guitarra ou de um violão.

Além de mostrar alguns dos maiores clássicos dos Byrds, entre os quais Mr. Tambourine Man, Feel a Whole Lot Better, Mr. Spaceman e Eight Miles High, ele também fala sobre a carreira, como arranjou ou compôs algumas de suas músicas e coisas assim.

O papo é informal e gostoso, no qual o músico nos proporciona momentos realmente marcantes.

Além de ser maravilhoso poder ouvir o seu estilo próprio de tocar guitarra sem o acompanhamento de outros instrumentos, até como forma de apreciá-la melhor, e também sua bela voz.

Esse DVD não foi lançado no Brasil, mas chegou até aqui em versão importada da Inglaterra na Fnac, e eu dei a sorte de conseguir adquirir uma cópia por menos de R$ 20, dá para acreditar. Vai ser sortudo na Lua! Procure por aí, ou baixe, se for o caso. Vale a pena.

Veja Roger McGuinn cantando Turn! Turn! Turn!, voz e guitarra:

Live On The Double Planet- Michael Hedges (1987/Windham Hill)

Por Fabian Chacur

O selo Windham Hill ficou conhecido por ser um dos que ajudou a popularizar a chamada New Age Music, estilo musical pautado por silêncios, reflexões, influências do rock progressivo mais viajante e também da música oriental.

Para os não aficcionados, não é exatamente uma maravilha, e soa chato pra burro. Habitualmente, os não fãs fugiam de novos lançamentos do selo como o capeta da cruz. E isso quase me fez cometer um erro grosseiro.

No final de 1988, recebi da gravadora Polygram, que na época distribuía no Brasil o catálogo da Windham Hill, um LP intitulado Live On The Double Planet de um tal Michael Hedges. “Lá vem bomba”, pensei, de forma preconceituosa. E o disco ficou comendo poeira por semanas.

Um dia, por pura curiosidade, resolvi colocar o álbum no meu toca-discos. E logo na faixa inicial a expectativa negativa despencou ladeira abaixo. Em seu lugar, um sentimento do tipo “não acredito no que estou ouvindo”.

Munido apenas de um violão, o cara mandou ver uma espetacular releitura de All Along The Watchtower, de Bob Dylan e também celebrizada na gravação de Jimi Hendrix.

Atrevo-me a dizer que a versão de Hedges é melhor do que a dos dois mestres. E rapidamente virei fã do cidadão.

Live On The Double Planet é composto por 12 faixas gravadas ao vivo em diversos shows realizados em vários lugares nos Estados Unidos. Neles, o cara aparece apenas em uma delas acompanhado por outro músico, no caso o baixista Michael Manring, na música Rikki’s Shuffle.

De resto, é o exército de um homem só. Só que o cara cantava muito bem e tinha uma habilidade no violão absolutamente absurda, capaz de tocar com várias afinações e também se valendo vez por outra de uma harp guitar, uma espécie de violão com braço adicional de harpa.

O álbum se divide entre faixas instrumentais e outras com vocais. Além da composição de Dylan, também se arriscou (e se deu bem) em Come Together, dos Beatles, e A Love Bizarre, de Prince e Sheila E. . O resto (e que resto!) é tudo assinado por ele próprio.

O que o cidadão faz na instrumental Because It’ s There, por exemplo, é de você não acreditar que está ouvindo apenas um violão. Mas é só ele mesmo. E sem virtuosismos tolos e/ou narcisísticos. A boa música é quem mandava em seus dedos ágeis e em suas cordas vocais.

Atrevo-me a considerar Live On The Double Planet um dos melhores discos do estilo violão e voz da história da música, com um forte tempero rock e pitadas generosas de tudo o que você imaginar de bom: folk, country, jazz, música erudita….

Michael Hedges nasceu na cidade de Enid, Oklahoma, no dia 31 de dezembro de 1953. Estudou violão clássico com afinco, mas logo resolveu também investir em outras sonoridades, misturando tudo e criando estilo próprio.

Ele lançou seu primeiro álbum, Breakfast In The Field, em 1981. A partir daí, foi se tornando conhecido e ganhando amigos famosos como David Crosby e Graham Nash, que participaram de seus discos.

Em 1996, ele se apresentou no Brasil no Bourbon Street, São Paulo, mas o ingresso era caríssimo e infelizmente não pude ver Michael Hedges ao vivo. Mal sabia eu que não teria outra oportunidade.

Em 2 de dezembro de 1997, um grave acidente de carro nos levou esse mestre da música, a poucos dias de completar 44 anos. Uma lástima. Ficaram como legado em torno de 12 discos (incluindo coletâneas) e muita saudade.

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