Mondo Pop

O pop de ontem, hoje, e amanhã...

Creedence Clearwater Revival e seu show em Woodstock-1969

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Por Fabian Chacur

Entre os inúmeros grupos e artistas solo que participaram do mitológico festival de Woodstock, o Creedence Clearwater Revival era um dos que viviam seu auge em termos comerciais e artísticos. Por razões contratuais, eles não apareceram nem no filme e nem mesmo na trilha sonora do documentário sobre o festival, realizado em agosto de 1969. Nas reedições do material registrado no festival ocorridas nos anos 1990, algumas faixas de seu histórico show enfim chegaram à tona. E, agora, enfim teremos a performance do quarteto em sua totalidade, com o título Live At Woodstock, lançado pela Universal Music.

Como forma de aguçar a curiosidade de todos, acaba de ser lançado o primeiro single, com a faixa que abriu o show, a espetacular Born On The Bayou, com mais de cinco minutos de pura energia. Para tristeza dos fãs brasileiros do grupo, esse material só estará disponível por aqui nas plataformas digitais. No exterior, também teremos versões em CD simples e vinil duplo. Green River, Bad Moon Rising e Suzie Q são alguns dos petardos.

John Fogerty (vocal e guitarra), Tom Fogerty (guitarra), Stu Cook (baixo) e Doug Cosmo Clifford (bateria) conseguiram uma façanha: em plena era do psicodelismo, flower power e o início do rock pesado, encantar o público e vender milhões de discos com uma releitura energética do rock dos anos 1950 com elementos de country, folk e soul que recebeu o apelido de swamp rock.

Eles mesclavam composições próprias do genial John Fogerty e sua voz de trovão com releituras personalizadas de clássicos do rock e do soul, algumas marcadas por longas passagens instrumentais nas quais o talento dos músicos se sobressaia. Um absurdo esse álbum não ser disponibilizado em formato físico no Brasil. Como diria o outro, é o fim dos tempos…

Eis as faixas incluídas em Live At Woodstock:

1- Born On The Bayou

2- Green River

3- Ninety-Nine And A Half (Won’t Do)

4- Bootleg

5- Commotion

6- Bad Moon Rising

7- Proud Mary

8- I Put A Spell On You

9- The Night Time Is The Right Time

10- Keep On Chooglin’

11- Suzie Q

Born On The Bayou (live in Woodstock)- C.C.R.:

Sheryl Crow divulga single com Joe Walsh e lança CD em agosto

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Por Fabian Chacur

Acaba de ser disponibilizado nas plataformas digitais um dueto inédito de Sheryl Crow com o cantor, compositor e guitarrista dos Eagles Joe Walsh. A canção é o ótimo rock funkeado Still The Good Old Days. Trata-se da quarta faixa divulgada de Threads, novo álbum da cantora, compositora e musicista americana, cujas versões físicas e digital serão disponibilizadas no exterior no dia 30 de agosto pela Universal Music.

O álbum mostra Sheryl gravando com vários artistas do primeiro escalão da música. Prove You Wrong, outro rockão invocado (ouça aqui), traz as presenças de Stevie Nicks e Maren Morris, enquanto o blues rock Live Wire (ouça aqui) reúne a roqueira americana com as incríveis Bonnie Raitt e Mavis Staples.

A faixa restante, das já divulgadas do álbum até aqui, traz um dueto possibilitado pela tecnologia com o saudoso Johnny Cash na introspectiva balada Redemption Day (ouça a nova versão aqui), canção que ela lançou originalmente em seu álbum autointitulado de 1996. Pela qualidade das amostras, um dos melhores trabalhos de sua carreira está a caminho.

Nascida em 11 de fevereiro de 1962, Sheryl Crow gramou bastante antes de conseguir sucesso individual. Antes, foi vocalista de apoio de artistas como Eric Clapton e Michael Jackson, entre outros. Teve um álbum solo abortado em 1991, e só lançou um primeiro disco em 1993. Mas valeu a espera, pois Tuesday Night Music Club vendeu milhões de cópias e abriu de vez as portas do cenário musical para o seu rock-pop-folk-soul-country de alta qualidade.

Clipe de Still The Good Old Days– Sheryl Crow e Joe Walsh:

André Midani, do Dia D na França ao maravilhoso mundo da música

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Por Fabian Chacur

A vida é mesmo imprevisível. Pode um cara oriundo da longínqua Síria e criado na França ter sido decisivo para a história da música popular brasileira durante inúmeras décadas? Uma trajetória improvável, porém plenamente real. Esse cara, André Midani, teve uma bela missão, e a cumpriu de forma plena e apaixonada. Mas toda história, infelizmente, tem um fim, e ele nos deixou nesta quinta-feira (13) aos 86 anos de idade, vítima de um câncer que o atormentava há alguns meses, segundo informou seu filho, Phillipe.

Nascido na Síria em 25 de setembro de 1932 (mesma data e mês que eu, que honra!), André veio para o Brasil em 1955, e por aqui, firmou-se na indústria fonográfica, ramo no qual ele havia começado a atuar na França. Sempre com os ouvidos abertos e dono de uma sensibilidade musical enorme, além de ousadia ilimitada, atuou em gravadoras como a EMI-Odeon, Phillips e Warner. Foi decisivo no desenvolvimento das carreiras de gente como João Gilberto, Jorge Ben Jor, Caetano Veloso, Gilberto Gil, Titãs, Lulu Santos e dezenas, senão centenas de outros nomes importantes para a nossa música.

Mesmo com todo esse currículo e todas as suas realizações, Midani sempre se mostrou simpático, acessível e disposto a aprender novas lições. Sua vida incrível foi contada de forma deliciosa no livro Música, Ídolos e Poder- Do Vinil Ao Download (leia a resenha aqui) e na ótima série televisiva André Midani- Do Vinil Ao Download, de 2015 (leia mais aqui).

Não por acaso, executivos do calibre dele começaram a ter menos espaço nas grandes gravadoras transnacionais sediadas no Brasil a partir do final dos anos 1980, quando essas empresas aos poucos entraram em uma decadência cujos frutos podres colhemos atualmente. Para Midani, a música enquanto arte vinha sempre em primeiro lugar. Bom seu legado ter sido devidamente cultuado enquanto ele ainda estava entre nós. Sua passagem se dá em um momento difícil do Brasil, mas que ele fique como exemplo para uma futura volta por cima, em todos os setores, especialmente o da cultura.

Veja entrevista com os diretores da série de TV sobre André Midani:

Toni Tornado (1971) é relançado em LP de vinil de 180 gramas

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Por Fabian Chacur

Tony Tornado beirava os 40 anos de idade em 1970, quando foi convidado a defender, no V Festival Internacional da Canção, a música BR-3 (de Antonio Adolfo e Tiberio Gaspar). Ele já havia encarado inúmeros desafios na vida até então, incluindo morar durante cinco anos em Nova York, imitar cantores como Chubby Checker e Little Richard em programas da TV brasileira e o que mais pintasse. Ali, achou finalmente o seu rumo, sendo o vencedor da fase nacional daquele evento promovido pela TV Globo e cativando com uma performance espetacular.

Um ano depois, lançou o seu disco de estreia, Toni Tornado (a grafia de seu nome artístico usava o i, ao invés do y atual). Esse disco clássico acaba de ser relançado em vinil de 180 gramas, em parceria da Polydisc com a Universal Music.

BR-3 é a faixa mais conhecida daquele trabalho, uma balada intensa que ajudou a introduzir a soul music no Brasil, com direito a vigorosos e perfeitos vocais de apoio por conta do Trio Ternura. Experiente, Tony incorporou esse estilo musical com muita propriedade, e esse álbum de estreia segue tal linha com categoria, trazendo 12 faixas, entre as quais o seu maior hit e também Me Libertei (Frankie e Tony Bizarro) e O Jornaleiro (Major e Toni Tornado).

Após mais um hit, Podes Crer, Amizade, faixa de seu segundo e também autointitulado álbum, de 1972, Tony mergulhou na carreira de ator, que lhe proporcionou muito sucesso em filmes, novelas, séries etc. Dessa forma, a música ficou em segundo plano, na sua vida, tanto que ele nunca mais gravou um disco solo. Uma pena, pois o cara era do ramo. Nesse disco agora relançado, temos produção de Milton Miranda e orquestrações, arranjos e participações de Paulo Moura e Walter Branco, todos brilhantes.

BR-3– Toni Tornado:

Titãs fazem show no Rio com músicas do CD Acústico MTV

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Por Fabian Chacur

E então, agora somos três. Parafraseando de certa forma o título do álbum And Them There Were Three (1978), do Genesis, os Titãs, que já tiveram oito integrantes, atualmente são um trio. E é essa trinca remanescente que está celebrando os 22 anos do lançamento de seu álbum comercialmente mais bem-sucedido, Acústico MTV (1997), com uma série de shows que passa pelo Rio de Janeiro nesta sexta (14) no Teatro VillageMall (avenida das Américas, nº 3.900- loja 160 do Shopping VillageMall- Barra da Tijuca- fone 0xx21-3431-0100, com ingressos de R$ 50,00 a R$ 200,00.

Sérgio Britto, Toni Bellotto e Branco Mello, a atuação encarnação da banda paulistana que está há quase quatro décadas na estrada, darão uma geral no repertório de seu CD mais famoso, sem o acompanhamento orquestral e sem a montoeira de músicos de apoio daquela época. Desta vez, a coisa será bem mais intimista, em um espaço que comporta no máximo 1.000 pessoas. No repertório, musicas daquele trabalho, como Pra Dizer Adeus, e outras posteriores que se encaixam nesse espírito, como Epitáfio e Isso.

Esse show ocorre enquanto duas outras turnês do trio estão sendo preparadas. Uma comportará a execução, na íntegra, das músicas contidas no mais recente lançamento dos Titãs, o CD-DVD Doze Flores Amarelas, uma ambiciosa ópera-rock, cujo roteiro terá como palco teatros. A outra tour, intitulada Enquanto Houver Sol, mesclará músicas do novo disco com os clássicos desses anos todos. Em ambas, teremos a participação de músicos de apoio.

Pra Dizer Adeus (ao vivo)- Titãs:

Marillion tem relançado o seu álbum Clutching At Straws

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Por Fabian Chacur

Os anos 1980 presenciaram alguns revivals em termos estilísticos, no universo do rock. Um deles foi o neoprogressivo, no qual algumas bandas, especialmente britânicas, reliam com uma pegada um pouco mais concisa e pop o rock progressivo da década de 1970. O Marillion foi quem conseguiu o melhor resultado comercial entre elas. Em seus anos iniciais, sua sonoridade era comparada de forma insistente à fase do Genesis com Peter Gabriel.

Ainda na ativa, embora sem a mesma popularidade, eles celebram 40 anos de estrada com o relançamento pela Warner de seu quarto álbum, Clutching At Straws, em duas versões, uma simples, que chegará ao mercado brasileiras no formato CD, e outra Deluxe, disponível apenas nas plataformas digitais por aqui.

Lançado originalmente em 1987, Clutching At Straws é um marco na discografia deste grupo britânico surgido em 1979 por ter sido o último trabalho de estúdio com a presença do carismático vocalista Fish, que sairia do time no final de 1988 rumo a uma carreira-solo, substituído por Steve Hogart.

Este trabalho atingiu o segundo lugar na parada britânica, impulsionado por três ótimas faixas: o rockão Incommunicado, cujo riff é bem semelhante ao de Fé Cega Faca Amolada (clássico do repertório de Milton Nascimento), a cativante balada rock Sugar Mice e a envolvente Warm Wet Circles.

A edição em CD simples brasileira traz a versão remasterizada e remixada do álbum original, trabalho feito por Andy Bradfield e Avril Mackintosh. A Deluxe Edition inclui CDs adicionais com gravações de um show realizado na Escócia, no Edinburgh Playhouse, em dezembro de 1987 e demos de faixas do álbum. Temos também um Blu-ray contendo um documentário de 60 minutos de duração com entrevistas sobre o álbum e os clipes das três faixas citadas acima.

Eis as faixas de Clutching At Straws: Deluxe Edition:

Disco um: 2018 Andy Bradfield & Avril Mackintosh Re-mix (versões digital e física)

Hotel Hobbies
Warm Wet Circles
That Time of the Night (The Short Straw)
Going Under (Alternate Version)
Just or the Record
White Russian
Incommunicado
Torch Song
Slàinte Mhath
Sugar Mice
The Last Straw
Happy Ending

Disco dois: Live at the Edinburgh Playhouse 1987 (2018 Michael Hunter Mix) (apenas versão digital)

La Gazza Ladra
Slàinte Mhath
“Assassing”
White Russian
Incubus
Sugar Mice
Fugazi
Hotel Hobbies
Warm Wet Circles
That Time of the Night (The Short Straw)

Disco três: Live at the Edinburgh Playhouse 1987 (2018 Michael Hunter Mix) (apenas versão digital)

Pseudo Silk Kimono (Intro)
Kayleigh
Lavender
Bitter Suite
Heart of Lothian
The Last Straw
Incommunicado
Garden Party
Market Square Heroes (incompleta, com trechos de My Generation, Margaret e Let’s Twist Again)

Disco quatro: 1999 Remaster Demos (apenas versão digital)

Beaujolais Day (Demo)
Story From A Thin Wall (Demo)
Shadows On The Barley (Demo)
Exile On Princes Street (Demo)
Sunset Hill (Demo)
Tic-Tac-Toe (Demo)
Voice In The Crowd (Demo)
White Russians (Demo)
Sugar Mice In The Rain (Demo)
Hotel Hobbies/ Warm Wet Circles (The Mosaic Demos)*
“Just for the Record” (Demo)*
“Torch Song” (Demo)*
“Slàinte Mhath” (Demo)*
*= nunca lançadas anteriormente

Ouça a nova versão de Clutching At Straws:

Maria Alcina mostra sua marca musical em dois lançamentos

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Por Fabian Chacur

Maria Alcina tornou-se conhecida do grande público em 1972, ao interpretar de forma única e energética a música Fio Maravilha (de Jorge Ben Jor) no Festival Internacional da Canção. O Maracanãzinho ficou pequeno para aquele verdadeiro tsunami interpretativo. Desde então, a artista viveu altos e baixos em sua carreira. Ao completar 70 anos, ela se vê em um momento efervescente, como provam dois lançamentos de CDs promovidos pela Kuarup. São eles os elogiáveis Maria Alcina In Concert e Canta Inezita.

Esta cantora nascida em Cataguases (MG) impressionou desde o começo por uma voz de timbre grave e potente. Vivíamos a descoberta do glam rock, e um período no qual termos como unissex e andrógino passaram a integrar o dia-a-dia de todos. Com sua incrível capacidade expressiva e presença de palco, Alcina enveredou por alguns rumos interessantes, em termos musicais.

Além da musicalidade de Jorge Ben Jor, ela mergulhou de cabeça no resgate de clássicos antigos da música brasileira, como Alô Alô e Chica Chica Boom Chic, como se fosse uma Carmen Miranda dos novos tempos. Também levou às paradas de sucesso a endiabrada Kid Cavaquinho, de João Bosco e Aldyr Blanc.

Um lado irreverente e debochado surgiu especialmente durante os anos 1980, com canções de duplo sentido como Prenda o Tadeu e Bacurinha. Por ser uma figura difícil de ser rotulada, ela ficou durante uns bons períodos distante dos holofotes da mídia, aparecendo apenas eventualmente em programas popularescos de TV e sem ter o seu talento musical como tema.

Na década passada, foi resgatada no cenário independente e mostrou um lado pop dançante ao lado do grupo Bojo. Agora, chega a vez de dar uma geral em sua carreira, e o álbum Maria Alcina In Concert não poderia ser mais adequado. Especialmente pelo fato de unir a artista à orquestra Pops Symphonic Band, comandada pelo maestro Ederlei Lirussi e cujo objetivo é ultrapassar as barreiras entre a música erudita e a popular. A combinação não podia ter dado mais certo.

Gravado ao vivo em São Paulo no dia 25 de janeiro deste ano, o trabalho equivale a uma viagem pelo universo musical de Maria Alcina, com canções bastante representativas de sua capacidade interpretativa, como A Voz da Noite, Eu Sou Alcina (de Zeca Baleiro), Kid Cavaquinho, Tome Polca, Alô Alô, Bacurinha e o final apoteótico com dois petardos do Ben Jor, Camisa 10 da Gávea e Fio Maravilha.

Canta Inezita é uma bela homenagem à saudosa cantora, compositora, atriz, violonista, apresentadora de TV, professora e folclorista Inezita Barroso (1925-2015), uma das figuras mais importantes da história da cultura popular brasileira. Alcina, cujo timbre vocal é muito semelhante ao da homenageada, participa do álbum ao lado de Consuelo de Paula, Claudio Lacerda e As Galvão, em show gravado ao vivo em Santo André em agosto de 2018.

O repertório traz 15 músicas do universo musical de Inezita, como as icônicas Marvada Pinga, Lampião de Gás, Cuitelinho, Ronda (clássico de Paulo Vanzolini cuja primeira gravação foi da apresentadora do extinto programa televisivo Viola Minha Viola) e De Papo Pro Ar. Com ótimos músicos dirigidos por Paulo Serau, o destaque fica com a atuação impecável das Galvão, marcos da música rural brasileira. Alcina brilha, especialmente na impagável Marvada Pinga.

Esses dois belos projetos tem outra pessoa em comum, o produtor Thiago Marques Luiz (leia entrevista com ele aqui), que com sua sensibilidade e competência ajuda a resgatar grandes nomes da nossa música, vários deles esquecidos injustamente. Seu trabalho, só para variar, se mostra impecável.

Só faço uma única ressalva aos dois CDs, que possuem capas e encartes belíssimos, em embalagens digipack: a ausência de textos informativos sobre Alcina e Inezita, algo que o próprio Thiago poderia ter feito com grande propriedade. De resto, só elogios. Dois álbuns que merecem lugar nobre nas coleções dos fãs do melhor da nossa música popular.

Ouça Canta Inezita na íntegra:

Andre Matos, o garoto que realizou um sonho impossível

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Por Fabian Chacur

Andre Matos era uma garoto que tinha um sonho impossível: tornar-se um astro do heavy metal. Isso, cantando em inglês e sendo brasileiro, em plenos anos 1980. Não tinha como dar certo. Mas deu! O cantor, compositor e músico paulistano viu seu trabalho ultrapassar fronteiras, conquistar fãs no mundo todo e virar uma referência no gênero musical ao qual se dedicou. Ele infelizmente nos deixou de forma precoce neste sábado (6), aos 47 anos de idade, mas teve uma vida incrível. E tornou real o tal do sonho impossível.

Andre nasceu em São Paulo em 14 de setembro de 1971, nativo de Virgem. E suas características tinham tudo a ver com este signo do zodíaco. Era um cara perfeccionista, articulado, que lutava intensamente pela realização de seus objetivos. Ainda moleque, juntou-se aos irmãos Yves e Pit Passarel para criar um grupo de heavy metal. O Viper surgiu em 1985, incentivado pela primeira edição do Rock in Rio e também pelo crescimento de uma cena headbanger paulistana.

Naquela São Paulo de 1985, projetos como o SP Metal e a revista Rock Brigade ajudavam a incentivar o surgimento de bandas de rock pesado na cidade. A publicação criada por Toninho Pirani resolveu criar um selo para lançar algumas daquelas bandas. E os literalmente moleques do Viper foram agraciados com um contrato com a Rock Brigade Records, pela qual lançaram em 1987 seu álbum de estreia, Soldiers Of Sunrise (1987), seguido por Theatre Of Fate (1989).

Com esses dois discos, o Viper mostrou competência ao digerir influências de Iron Maiden, Helloween e outras bandas importantes daquele período. Com uma voz potente, Andre aos poucos ganhou protagonismo no heavy metal brasileiro. Ao iniciar os estudos musicais, sentiu que era hora de partir para novos rumos, e deixou a sua primeira banda. Em 1991, criou um novo time, o Angra, com exímios músicos, especialmente os guitarristas Rafael Bittencourt e Kiko Loureiro.

Angels Cry (1993), o álbum de estreia do quinteto, mostrou um som ainda mais elaborado e consistente, com direito até mesmo a um ousado cover de Wuthering Heights, primeiro sucesso da cantora britânica Kate Bush. Mas o melhor, mesmo, viria com Holy Land (1996), ambicioso álbum que misturou de forma criativa e elaborada heavy rock, música erudita e elementos oriundos da música brasileira, com resultado que os levou ainda mais longe.

Se com o Viper Andre já havia iniciado uma boa repercussão fora do Brasil, especialmnente na Ásia, com o Angra essa peregrinação roqueira foi ainda além, com o disco conquistando elogios também na Europa e EUA. Nesse período, ele quase chega a um posto inacreditável: ser vocalista do Iron Maiden. Com a saída de Bruce Dickinson, a vaga ficou em aberto, e ele esteve na boca de conquistá-la. O “cargo” ficou, no fim das contas, com o britânico Blaze Bayley, mas nosso cantor saiu vitorioso, pois dessa forma teve a chance de dar prosseguimento em uma carreira autoral que vinha muito bem.

Problemas de relacionamento tiraram Andre e também Ricardo Confessori e Luis Mariutti do Angra em 2000. No ano seguinte, eles, aliados ao irmão de Luis, Hugo, criaram um novo time. Surgia o Shaman, que em 2002 lançou seu álbum de estreia, Ritual, pela Universal Music. A música Fairy Tale os levou à trilha sonora da novela global O Beijo do Vampiro, algo impensável para uma banda de heavy brazuca. Outra façanha na conta de Matos.

Com a separação da formação original do Shaman em 2006, Andre investiu em uma carreira solo que rendeu os álbuns Time To Be Free (2007), Mentalize (2009) e The Turn Of The Light (2012). E foi na época em que ele lançou este último que tivemos o reencontro entre ele e os antigos amigos do Viper. A nova parceria teve como ápice a participação deles no Rock in Rio em 2013, justo o festival que, naquele agora longínquo 1985, os incentivou a ir à luta.

Além dessas três bandas icônicas, Andre Matos marcou presença em diversos outros projetos, entre os quais o Virgo, com o produtor alemão Sascha Paeth, o Avantasia do também alemão Tobias Sammet. E foi em uma participação em um show deste último no domingo (2) no Espaço das Américas que ele subiu em um palco pela última vez. Ele vinha se dedicando a uma turnê de reunião do Shaman cujo início havia ocorrido em 2018. Ainda tinha muita coisa para rolar na vida dele. Uma pena. Mas quantos sonhos o cara concretizou, heim?

Nesses anos todos, tive a oportunidade de entrevistar Andre Matos em diversas ocasiões. Em todas elas, presenciei um cara extremamente educado, simpático e articulado, que demonstrava segurança em relação a seus objetivos. O último contato ocorreu em 2013, em entrevista ao lado dos amigos do Viper, um delicioso encontro entre garotos que sonharam juntos e viram esses objetivos se tornarem realidade, um a um. Sentirei muita falta dele, podem ter certeza. E me sinto honrado de ter meu nome nos agradecimentos incluídos no encarte do álbum Holy Land. Ainda mais em um álbum com aquele porte. Gratidão eterna!

Ouça Holy Land, do Angra, na íntegra:

Serguei foi acima de tudo um belo personagem do rock brasileiro

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Por Fabian Chacur

Se pedirem para mim um nome que equivalha a um verdadeiro sinônimo de rock no Brasil, o primeiro que me vem à mente é o de Serguei. Não necessariamente pela qualidade de sua obra, ou pela potência de sua voz, ou mesmo por suas performances ao vivo. Mas pela personificação do espírito libertário desse gênero musical que muitos dão como morto, mas que muitos outros continuam e continuarão cultuando para sempre e sempre. Essa figura fascinante infelizmente nos deixou nesta sexta-feira (7), aos incríveis 85 anos, mas seu legado é precioso. E o melhor de tudo: ele teve a chance de saber o tamanho do amor que tínhamos por ele. Menos mal.

Já escrevi bastante e recentemente por aqui sobre Sergio Augusto Bustamante, esse carioca nascido no dia 8 de novembro de 1933. Em dezembro de 2018, por exemplo, resenhei o excelente documentário Serguei, O Último Psicodélico (2017), um belo registro exibido pelo Canal Brasil sobre a sua inusitada e incrível carreira no mundo do rock and roll (leia aqui ).

Também resenhei, em 2010, o que acabou se tornando o seu último CD, o divertido e muito competente Bom Selvagem (leia a resenha aqui). A entrega desse cara era uma coisa impressionante, mesmo que não fosse o mais afinado cantor do mundo. Mas melhor ele do que muitos afinadinhos que soam como robôs insossos e efêmeros, concordam?

Serguei foi surpreendente até pelo fato de ter vivido tanto. Roqueiros com o seu perfil frequentemente nos deixaram muito cedo, vide a sua amada Janis Joplin, com apenas 27, ou mesmo o influenciado por ele Cazuza, com apenas 32 anos. Pode-se dizer que ele nasceu antes mesmo do gênero que tão bem ajudou a cultuar e divulgar. Uma grande perda, que todo roqueiro de alma lamentará!

Eu Sou Psicodélico– Serguei:

Dr. John, o cara que eu descobri com o hit Right Place Wrong Time

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Por Fabian Chacur

Conheci esse tal de Dr. John quando tinha meus 12 anos de idade, mais precisamente ao ouvir o compacto simples de vinil Right Place Wrong Time, um funk de verdade irresistível que me ganhou logo de cara. Cansei de tocar aquele disco! No entanto, fiquei durante muitos anos sem pensar nele novamente, até que, em 1989, a rádio Eldorado passou a tocar de forma constante um delicioso dueto feito por ele com a cantora Rickie Lee Jones, Makin’ Whoopee (ouça aqui ). Estas são as referências para mim desse gênio da música, que nos deixou nesta quinta (6) aos 77 anos. Uma perda lastimável!

Malcolm John Rebennack, nome de batismo deste cantor, compositor e músico (principalmente pianista) americano, nasceu em 20 de novembro de 1941. Foi desses talentos precoces, pois logo aos 16 anos já era profissional, atuando como músico de estúdio. Gravou seu primeiro disco solo, o elogiado Gris-Gris, em 1968, e desde esse início mostrava que não era um cara comum.

Sua mistura de soul, funk, psicodelia, jazz, blues e o que mais pintasse não demorou a se tornar influente, com um balanço típico do som feito na cidade de New Orleans, uma das mais musicais dos EUA e por consequência, do mundo.

Em 1972, o cara resolveu homenagear a música daquela capital da música com o álbum Dr. John’s Gumbo, composto basicamente por clássicos da música de New Orleans. Um discaço, do qual despontou Iko Iko, uma das coisas mais contagiantes jamais gravadas por alguém (ouça aqui). Aqui, sua voz rouca de timbre envolvente dá as cartas.

Seu momento de maior visibilidade em termos comerciais se deu em 1973, quando chegou às lojas o álbum In The Right Place. Com produção a cargo de outro mestre da música de New Orleans, o saudoso e genial Allen Toussaint, e acompanhamento instrumental da matadora banda The Meters, não tinha como dar errado. É exatamente daqui que saiu o hit Right Place Wrong Time, que no formato single atingiu o posto de nº 9 nos EUA. O álbum chegou ao 24º lugar.

O álbum In a Sentimental Mood (1989) traz sua intenção logo no título, e teve em Makin’ Whoopee sua faixa de maior destaque. A presença da incrível cantora, compositora e musicista Rickie Lee Jones por aqui não foi por acaso: Dr. John teve participação destacada no álbum de estreia da moça em 1979, um dos melhores do rock americano daquele período.

Momentos importantes na carreira desse gênio poderiam ser relembrados aos borbotões. Vou me resumir a alguns deles: ganhou seis Grammys, o Oscar da música, integra o Rock and Roll Hall Of Fame desde 2011 e participou da primeira formação da All Starr Band, de Ringo Starr, liderada pelo ex-beatle e na qual esteve ao lado de Levon Helm e Rick Danko (ambos do The Band), Nills Loefgren, Jim Keltner, Joe Walsh (dos Eagles), Billy Preston e Clarence Clemmons. Ah, e ele também tocou na releitura do hit pop Mockinbird (ouça aqui) feita por James Taylor e Carly Simon nos anos 1970.

Que tal essa ligeira amostra? Descanse em paz, The Night Trippers!

Right Place Wrong Time– Dr. John:

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